Laocoonte y sus Hijos

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

1. Descripción de los elementos

Grupo escultórico exento, semidescendente de la figura central y de pie, realizado en mármol y de carácter figurativo.

*Composición:

El grupo está formado por tres figuras que contrastan en tamaño y expresión. Sobresale la central; las otras dos, de menor tamaño, se retuercen y miran hacia el eje central. Los tres personajes están perfectamente entrelazados por la línea de la serpiente. La tensión de los cuerpos va del centro hacia afuera.

Tres diagonales convierten al grupo en un elemento dinámico: una superior que va desde la cabeza del personaje de la izquierda hasta el brazo derecho de la figura central, otra inferior, que se extiende desde la pierna izquierda del personaje central hasta los hombros del de la derecha, y otra en el centro, de mayor tamaño, que va desde el codo derecho del personaje mayor al pie del de la izquierda.

Geométricamente predomina el esquema triangular, y en cuanto al movimiento y la disposición de las serpientes, el helicoidal. El grupo está ordenado en un solo plano, concebido para ser visto solo de frente. A pesar de ello, los numerosos escorzos dotan de profundidad a la obra, aportan sentido volumétrico.

*Las líneas diagonales,

la composición helicoidal y contorción de los cuerpos realzan la sensación de movimiento, acentuado por la disposición de las serpientes en curvas y contracurvas.

La obra presenta una gran carga dramática: Dos serpientes atacan a los personajes. Los cuerpos se contorsionan esforzándose en huir de las serpientes, con las bocas abiertas, los ojos hundidos y miradas perdidas; arrugas y venas marcadas ayudan a expresar la sensación de dolor. El conjunto está lleno de un gran dramatismo. Todos los rasgos están exagerados, la disposición de los personajes es teatral.

Los cuerpos desnudos ofrecen perfectos estudios anatómicos: la figura central presenta la anatomía de un atleta con una musculatura hiperdesarrollada, lo que acentúa el contraste con los cuerpos menos expresivos y más clásicos de los jóvenes. El pelo de cabezas y barba ha sido trabajado con la técnica del trépano.

Las telas de la base están trabajadas con las técnicas de los paños mojados. Las calidades táctiles, con gran técnica, que podemos observar en piel, cabellos y telas, muestran rugosidades y texturas de cada elemento.

El naturalismo idealizado ha cedido paso al realismo superlativo.

Predomina el macizo sobre el vano.

No se observa ninguna policromía.

*El contenido temático es mitológico:

representa una escena reflejada en la «Eneida» de Virgilio, concretamente el castigo enviado por Atenea al sacerdote troyano Laocoonte y a sus hijos, que había desconfiado del Caballo de Troya enviado por los griegos.

2. Identificación de la obra, autor y localización

Esta escultura se denomina «Laocoonte y sus hijos», obra cumbre de la Escuela de Rodas realizada en colaboración de tres escultores: Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Es una copia romana. La original pudo haber sido confeccionada en bronce.

Fue descubierta en Roma durante el Renacimiento y se encuentra en los Museos Vaticanos.

3. Función y posible significado

Presenta una función propagandística. También tiene una funcionalidad religiosa, mostrando los castigos divinos cuando los mortales desobedecían o enojaban a los dioses.

Significado:

Busca provocar sensaciones inmediatas recreándose en la expresión del sufrimiento, tanto físico como espiritual. Refleja un dolor profundamente trágico, ya que en el caso del sacerdote, al dolor físico de su propia muerte, se agrega el dolor moral de contemplar la de sus hijos. Es tal su carga dramática, que se la ha considerado la expresión universal del dolor.

4. Antecedentes y consecuentes

Antecedentes:

es evidente la influencia que ejercieron las obras del final del periodo clásico, cuando comienzan a adquirir importancia el dinamismo y el dramatismo.

Como consecuencia,

ejerció una influencia extraordinaria en Miguel Ángel, y en especial en el arte Barroco.

II. LENGUAJE ESTILÍSTICO

Por todas estas características podemos deducir que esta obra pertenece al arte griego.

El arte griego presenta las siguientes características: racionalismo, antropocentrismo y armonía.

Arquitectura:

• Simplicidad de formas y alta calidad técnica: formas sencillas pero con gran perfección.
• Anticolosalismo: el antropocentrismo hizo que los edificios se construyeran a escala humana, perdiendo las dimensiones colosales de las civilizaciones anteriores.
• Plasticidad: el edificio se concibe como una gran escultura, por lo que se cuida hasta el último detalle.
• Arquitectura arquitrabada o adintelada: no emplea el arco y la bóveda. Se basa en el uso de elementos horizontales y verticales, con cubiertas a doble vertiente y remate en frontón.
• Desarrollo longitudinal: mayor abundancia de plantas rectangulares, predomina la horizontalidad sobre la verticalidad.
• Armonía visual: el edificio se concibe como un todo en el que domina el orden y la belleza. Practicaron sutiles correcciones ópticas.
• Materiales: la piedra arenisca y el mármol cortados en sillares isódomos.
• Elementos decorativos: utilizan el relieve y la pintura.
• Órdenes arquitectónicos: suponen el uso del canon en la arquitectura. Los órdenes griegos son tres: dórico, jónico y corintio.

Dórico:

carece de basa. El fuste presenta éntasis, es acanalado con estrías de arista viva, y terminan en un anillo. El capitel es sencillo, consta de una pieza trapezoidal o equino. Encima está el entablamento. El arquitrabe es liso, el friso alterna triglifos y metopas rematado por un frontón triangular en cuyo centro suele haber decoración escultórica.

Jónico:

Consta de basa elevada sobre un plinto formada por molduras cóncavas y convexas. El fuste es acanalado con aristas de canto plano. El capitel se caracteriza por sus volutas. El entablamento consta de un arquitrabe dividido en tres franjas horizontales, un friso liso y una cornisa.

Corintio:

en realidad es una variación del jónico. Muy similar, se diferencia de éste por utilizar hojas de acanto en vez de volutas.

• Ritmo: se aprecia en el friso y en la alternancia masa-hueco.
• Claroscuro: el contraste entre el espacio cerrado y el abierto.

a) Templo:

los templos se clasifican en:

• In antis
• Próstilo
• Anfipróstilo
• Monóptero
• Díptero

Y según el número de columnas en sus frentes pueden ser: tetrástilos, pentástilos, hexástilos, octástilos o decástilos.

b) Teatros:

los teatros constan de tres partes: la escena, la orchestra, y la gradería. Pueden tener otra parte, el proskenion.

En el urbanismo griego destacan dos partes:

• El ágora: mercado y lugar de administración política.
• El acrópolis: recinto sagrado donde se situaban los templos.

Escultura:

• Empleo de diferentes materiales: bronce y mármol, pero también terracota, madera y una combinación de marfil y oro.
• El tema es la figura humana.
• Estrecha relación con la arquitectura, ya que espacios arquitectónicos sirvieron de marco para la realización de diversos relieves.
• Sigue unas pautas y normas como el uso del canon.
• Naturalismo e idealismo, presentes en dosis iguales en la plástica helénica.
• El movimiento.
• El volumen, llegando a utilizar la estereometría.
• El origen se halla en las esculturas cretomicénicas.
• Se distinguen dos tipologías: la escultura exenta y el relieve.

En la escultura griega podemos distinguir la siguiente evolución:

• Durante el periodo arcaico, el escultor lucha por la conquista de la representación del cuerpo humano y la expresión del rostro. Que aunque representan a personajes reales, responden a convencionalismos fijos. En ellos se puede apreciar la evolución.
• En el periodo clásico, en pleno dominio de la técnica, caen los convencionalismos arcaicos y se crean los tipos más perfectos posibles. En este periodo, se distinguen dos etapas:

-En el siglo V, momento de máximo esplendor de la cultura griega. En él destacan autores como Mirón, Policleto y Fidias; a este artista le corresponde la plenitud del clasicismo, y sus personajes han sido considerados como verdaderos prototipos de belleza.

-En el siglo IV, que supuso el final de la hegemonía ateniense, se abandonaron los altos ideales cívicos, y en las artes, la serenidad, el equilibrio y la idealización, cedieron paso a sentimientos y emociones y a la valoración de la anécdota. La figura femenina se empieza a desvestir. Los autores que representan esta etapa son: Praxíteles, Lisipo y Scopas.

• En el período helenístico, el arte griego se sale de su órbita tradicional, por lo que sufre notables transformaciones que conducen a la pérdida del equilibrio y del idealismo. Posee las siguientes características: realismo y dramatismo, dinamismo, gusto por lo secundario y diversidad temática. La figura femenina ya aparece desvestida. Desaparecen las grandes individualidades artísticas y se crean obras en colaboración de diversos autores como el Laocoonte.

III. CRONOLOGÍA Y CONTEXTO HISTÓRICO

El arte griego se desarrolló entre los siglos VIII y I a. C. En él se distinguen tres periodos: Arcaico, clásico y helenístico. Esta obra pertenece al último periodo.

Contexto histórico:

Su origen se sitúa en la civilización cretomicénica y de su fusión con otros pueblos surgirá la civilización griega.

No constituyeron un estado centralizado sino que se organizaron en ciudades-estado denominadas polis. En este periodo se reconstruyó el Ática después de que griegos y persas se enfrentaran en las Guerras Médicas. La rivalidad entre Atenas y Esparta dio lugar a las Guerras del Peloponeso, propiciando el declive de las polis y la llegada de la dinastía macedónica la cual, con Alejandro Magno al frente, conquista el Imperio Persa y crea el Imperio Macedónico.

A la muerte de Alejandro, el Imperio se divide en Reinos Helenísticos. El mundo griego se abrió hacia Oriente. Durante este periodo, la cultura griega se universalizó. Mediante la filosofía intentaron dar una respuesta racional a los misterios del hombre y la naturaleza.

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