Introducción

En la segunda mitad del siglo XVIII coexisten en el panorama artístico europeo dos corrientes antagónicas. Por un lado, el arte refinado, frívolo y galante de la aristocracia y, por otro, el arte racional, simple, claro y cerebral de la burguesía ascendente. Este último surge como reacción frente a los excesos del Rococó y se nutre del ambiente de exaltación clasicista que provoca en Europa el descubrimiento de las ruinas de Pompeya y el desarrollo de la Ilustración.

En Francia, el triunfo de la Revolución supone la caída de la nobleza, y con ella del Rococó, y el ascenso al poder de la burguesía y del neoclasicismo. Este triunfo de los postulados neoclásicos se verá reforzado por el establecimiento del imperio napoleónico que practicará una política cultural que pretende emular a la de los emperadores de la antigua Roma construyendo arcos de Triunfo y templos perfectamente clásicos. Roma perderá su primacía como capital artística de Europa, en favor de otras ciudades como París.

Por su parte, Goya encarna el artista que refleja la convulsión de su época, su biografía discurre entre las dos épocas históricas y así la primera parte de su obra como pintor de Corte de Carlos IV tendrá resabios rococó, mientras que en una segunda etapa, tras la Guerra de Independencia muestra un estilo personal y abre un camino hacia corrientes artísticas contemporáneas como el impresionismo, el expresionismo o el surrealismo.

El siglo XIX

El siglo XIX es el siglo de las revoluciones (políticas, económicas, sociales) y las distintas expresiones artísticas de esta época van a reflejar a la perfección los grandes cambios que en todos los órdenes de la vida, se producen a lo largo de esa centuria. Entramos ahora, decididamente, en el arte contemporáneo y. con ello, se pierde la homogeneidad de estilo que había caracterizado a las etapas anteriores. Si el Renacimiento es el arte de los siglos XV y XVI, como el Barroco lo es del XVII, no podemos decir ahora que un estilo en concreto defina al siglo XIX. Por el contrario, a lo largo de este periodo diversas sensibilidades artísticas se suceden y cada vez con mayor rapidez.

Todo va a ponerse en tela de juicio. La nueva sociedad burguesa, rompedora con las trabas del Antiguo Régimen va a llevar también este rompimiento al campo del arte. Los viejos principios van a cuestionarse y las nuevas respuestas no serán uniformes.

El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de «Belleza» por el nuevo de «Libertad». Surge el concepto de modernidad por oposición al denominado arte académico. Este representaría la tradición, mientras que el arte moderno representaría la experimentación.

El arte moderno representa una nueva forma de entender la función del arte: ya no es la imitación de la naturaleza.

Rococó

El estilo Rococó nace en Francia a mediados del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI. El término rococó proviene de la palabra francesa «rocaille» (piedra) y «coquille» (concha), elementos de gran importancia para la ornamentación de interiores.

Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge como reacción al barroco clásico.

Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la vida despreocupada y agradable de la alta sociedad y se desentiende de cuestiones religiosas.

Trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual, sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.

Arquitectura

En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la asimetría. Alcanza mucha difusión el gusto chino, que había entrado en Europa con las piezas de porcelana y telas y que decorará los salones occidentales.

También muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

Pintura

Tiene la estética, que es el arte elegante, refinado, que refleja el gusto de la aristocracia.

Temática

Los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

Técnica

Para representar el ambiente galante la gama cromática se renovó con colores como el gris, el verde manzana, el rosa pálido, el azul cielo, el beis. Predomina el color sobre el dibujo lo que favoreció el desarrollo de una nueva técnica pictórica: el pastel

Neoclasicismo

El neoclasicismo defiende la ordenación racional de lo claro y lo útil. Pero el retorno a la razón significa el abandono de lo sensual que había sido un principio básico del barroco. Ese espíritu racional hace que el arte sea frío, que no nos transmita sensaciones.

Se vuelve la mirada otra vez al pasado clásico grecolatino, tal como hizo el Renacimiento , pero este para inspirarse y el Neoclásico, por el contrario, para imitar casi totalmente y reproduce casi a la perfección edificios antiguos(la Madelaine de París es casi una reproducción del Partenón).

Otra característica importante del nuevo estilo es que el arte se seculariza, lo religioso pasa a un segundo plano. Idea muy en consonancia con la Ilustración: se construyen todo tipo de edificios pero pocas iglesias.

En pintura aunque se sigue realizando pintura religiosa ésta ha perdido su protagonismo, se realizarán sobre todo escenas burguesas, retratos, paisajes.

En escultura vuelve otra vez el gusto por lo antiguo, se imitan las grandes obras de la Antigüedad y se realizan otras, casi todas con la temática mitológica.

Arquitectura

Lo que tratará hacer la arquitectura Neoclásica es recuperar el pasado clásico, tanto griego como romano, siendo más griego o romano según los lugares. No obstante, tendrá notas comunas muy simples:

• Predominio de los volúmenes sencillos.
• El modelo arquitectónico más utilizado es el del templo griego, cada vez mejor conocido. En el mismo sentido, se rechaza la superposición de órdenes de tradición romana y renacentista
• Desornamentación, reduciendo lo decorativo casi exclusivamente a los capiteles.
• Austeridad.
• La tipología arquitectónica, consecuencia de sus ideales ilustrados, serán los edificios para el disfrute de los ciudadanos: museos, bibliotecas, teatros.
• Se va a retomar algún tipo de construcción extraída del mundo clásico, como los arcos de triunfo. Empezará a tener una presencia notable la cuestión urbanística.

Artistas / Obras

Algunos ejemplos son la Iglesia de la Madeleine en París de VIGNON que comunica fuerza y monumentalidad, imita el modelo clásico de la Roma Imperial; el Panteón de Paris de SOUFFLOT; el Museo Británico de Londres; la Puerta de Brandeburgo en Berlín; el Capitolio de Washington. En España destaca Juan de VILLANUEVA (1739-1811) es el mejor representante del neoclasicismo en España. Sus dos obras más destacadas tienen que ver con el espíritu de la Ilustración: el Gabinete de Ciencias Naturales (actual Museo del Prado) y el Observatorio Astronómico (de clara inspiración paladiana), ambos en Madrid.

SABATINI (1727-1798) fue un arquitecto de origen italiano que se convirtió en el arquitecto favorito de Carlos III. Es el creador de todo un plan urbanístico para embellecer Madrid. En esta línea encontramos obras suyas por todo Madrid como la Puerta de Alcalá

Neoclasicismo

Escultura

La nueva sociedad liberal y burguesa del siglo XIX concede gran importancia al embellecimiento de la ciudad y de los edificios públicos. Requerirá de los escultores la realización de estatuas para ministerios y museos, de fuentes que unan lo ornamental con lo utilitario, de grandes monumentos en plazas y avenidas

Su principal característica es una admiración reverencial y máxima hacia la escultura clásica. Los volúmenes son claros y definidos.

Los temas pueden ser religiosos, mitológicos, retratos y funerarios, todos ellos fuertemente idealizados, a diferencia del barroco. El resultado final son esculturas serenas y sobrias, pero frías y exentas devida.ARTISTAS /OBRASAntonio CÁNOVA (1757-1822), italiano, inicia su carrera con obras delicadamente naturalistas. Pero el contacto con pensadores clasicistas le hizo evolucionar en este sentido.Es el autor del retrato de Paulina Bonaparte como Venus, y del grupo Amor y Psiquis.A diferencia de otros escultores, sus obras añaden una cierta sensualidad a la frialdad del neoclasicismo.PINTURAESTÉTICACon la Ilustración y la Revolución Francesa, se imponen nuevos deberes a la pintura: ésta debe representar valores morales con el fin de educar a la colectividad en las virtudes cívicas,como en la antigua Roma.El arte clásico se considerará el más oportuno para lograr estos objetivos.Este estilo supuso un retorno a la sobriedad y racionalismo del Clasicismo, después de los excesos decorativos del Barroco y el RococóTEMÁTICASe acude a temas mitológicos, y sobre todo históricos, tanto de la Antigüedad como medievales y contemporáneos.TÉCNICAAl no haber pinturas de la Antigüedad éste se inspira en los relieves.La pintura neoclásica subrayará el valor racional de la línea, del contorno nítido, de la claridad compositiva.El dibujo predomina sobre el color.Normalmente se huye del movimiento y, cuando está presente, parece congelado, estable.ARTISTASJacques Louis DAVID (1748-1825). Va a ser el pintor más comprometido con su época. Empezó a destacar como pintor exaltando los distintos momentos de la Revolución Francesa, desde el Juramento del Juego de la Pelota, la Muerte de Marat y los distintos acontecimientos de la época de Napoleón: Coronación de Napoleón y cuando caiga Napoleón se tendrá que exiliar.Jean Auguste Dominique INGRES (1780-1867) es el otro gran pintor francés neoclásico. Sin embargo, a un perfecto dibujo une una nueva preocupación por el color que, consus suavísimos esfumatos, recuerda la pintura de Rafael. Pinta numerosos desnudos femeninos, entre los que destacan El gran baño turco o La gran Odalisca.

tema14SXIXARQUITECTURACARACTERÍSTICAS GENERALESTras la decadencia del barroco en el siglo anterior, el XIX es para la arquitectura un siglo de búsqueda de un estilo adaptado a las necesidades y posibilidades de la nueva sociedad. Las construcciones seguirán dos grandes líneas de acción: la arquitectura-arte y la arquitectura ingeniería, la primera buscará su camino en las formas y la segunda en los materiales. Por ello se recurre paralelamente a la recuperación de estilos del pasado y a la exploración de las posibilidades de los nuevos materiales.El historicismo centra su búsqueda en el aspecto exterior, la belleza del edificio.La ingeniería del hierro trata de encontrar las más audaces soluciones constructivas. Estas búsquedas permiten la aparición a finales de siglo de dos tendencias arquitectónicas que intentan aunar ambas tendencias: el Modernismo y la Escuela de Chicago.LA ARQUITECTURA HISTORICISTA Y EL ECLECTICISMO.CARACTERÍSTICASExiste en el XIX un retorno a la estética del pasado; de hecho, el neoclasicismo del XVIII ya fue una primera manifestación de esta tendencia.Ahora se habla de revival porque se construye a imitación de las antiguas arquitecturas egipcia, india, china, romántica o gótica. Pero no siempre de manera unitaria, sino que a veces se toman elementos de varias a la vez (lo que se llama eclecticismo).La difusión de los historicismos en el siglo XIX se explica tanto por la incapacidad de desarrollar una arquitectura original como por la necesidad que sentían las nuevas instituciones y las nuevas clases dominantes de ennoblecerse con el prestigio de las formas arquitectónicas del pasado.Surge una nueva actitud pues los arquitectos reflexionan sobre las funciones que debe cumplir un edificio: si cada construcción satisface distintas necesidades ¿Por qué utilizar siempre el mismo estilo arquitectónico? ¿No será más conveniente cambiar las formas según el problema a resolver? Y así se da una función simbólica a cada estilo: neogótico en las iglesias, neoclásico en los bancos, neorrenacimiento en las viviendas, neobarroco en edificios administrativos y museos, neoegipcio en cementerios, neoturco en cafés y restaurantes etc.En España cabe mencionar las escuelas Aguirre y La Plaza de toros de las Ventas de estilo neomudejar.LA ARQUITECTURA EN HIERRO.CARACTERÍSTICASAl mismo tiempo que los arquitectos tradicionales se obsesionan con el historicismo, se imponen nuevas necesidades constructivas.La población aumenta vertiginosamente a lo largo del s. XIX y con ella la necesidad de vías férreas, puentes, estaciones, fábricas, etc.Para satisfacer todas las demandas hay que construir mucho, muy deprisa y a precios moderados.Estos problemas exigen soluciones atrevidas que sólo pueden encontrarse utilizando nuevos materiales y desprendiéndose de los viejos prejuicios formales heredados de la tradición académica. La arquitectura más interesante del s. XIX es, por eso, la que más decididamente se vincula a la industria y al progreso técnico.El hierro y el cristal se complementan puesto que permiten construir edificios que sean a la vez grandes y ligeros, transparentes.

LA ESCUELA DE CHICAGO.CARACTERÍSTICASEn los Estados Unidos se opta por una arquitectura utilitaria y racionalista. Un claro ejemplo es la reconstrucción de Chicago, destruida por un incendio en 1871, lo que obliga a levantarla de nuevo. Se produce una gran especulación sobre los solares y la solución que se adopta es la construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Sin los problemas de una tradición arquitectónica como en Europa, aprovechando los avances en los nuevos materiales (hierro, cristal) y beneficiándose del desarrollo de los ascensores, en la segunda mitad del siglo aparecerán los rascacielos.Respondiendo al racionalismo que propugna la Escuela, hay que destacar la simplicidad de la obra, casi carente de ornamentación. Como consecuencia, la belleza plástica del conjunto viene dada por las necesidades y funciones del edificio.De esta forma la Escuela de Chicago será la que abra las puertas a la arquitectura del siglo XX.MODERNISMOCARACTERÍSTICASEl modernismo es un movimiento característico del cambio de siglo (1890-1910), que busca solucionar este conflicto heredado del siglo XIX entre arte y técnica.Buscaba unas formas más refinadas que las ofrecidas por la producción industrial, tratando de compaginar utilidad y belleza en un intento de crear una ciudad agradable, elegante, moderna y alegre.Valora las artes decorativas y el diseño lo que lleva a un concepto de “arte total”, el movimiento adoptó la denominación genérica de Modernismo, pero presentó denominaciones nacionales específicas como Art Noveau, en Francia, Jugendstil, en los países germánicos, o estilo Liberty en Italia. Es un movimiento estético internacional que se manifiesta en todos los campos creativos.Su característica definitoria fue la línea sinuosa. Una decoración orgánica invade los edificios, fundiendo la arquitectura con la naturaleza y los edificios con los ambientes urbanos. Las superficies curvas y la decoración floral y ondulante dan forma a los edificios y recubren los muebles y las paredes. Algas marinas, flores, mariposas,cabellos femeninos se unen en una curiosa mezcla de naturaleza y abstracción. EL URBANISMOCon la Revolución Industrial las ciudades crecen de forma desmesurada .La nueva ciudad se caracteriza por la separación entre barrios burgueses.París se remodela siguiendo los proyectos de George-Eugène Haussmann. Se abren grandes avenidas que desmiembran los barrios populares del centro y lo comunican con el exterior con estaciones ferroviarias,carreteras., etc.El tráfico y la circulación son los elementos organizativos de la ciudad. También se remodelan Bruselas, Viena y Londres.Madrid conserva el centro histórico, al que se añade un ensanche diseñado por Carlos María de Castro (barrio de salamanca). A finales del XIX, Arturo Soria urbaniza un barrio de Madrid con su proyecto de la Ciudad lineal. En 1860, Barcelona aprueba el proyecto del ingeniero Ildefonso Cerdá. Se conserva el casco antiguo, que se articula con la ciudad nueva o Ensanche mediante anchos ejes viarios.

CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA DE GOYA Y SU TRASCENDENCIA.Su producción es inmensa. Incluye unos quinientos óleos y pinturas murales, además de cerca de trescientos aguafuertes y litografías y centenares de dibujos Cultivó todos los géneros y todos los temas (religiosos y profanos) y en todos dejó huella. Su obra grabada y dibujada iguala en importancia a la pictórica.Su arte y su técnica no cesan de progresar a lo largo de su vida. La factura de sus cuadros es cada vez más desenfadada y libre.Es pintor esencialmente colorista. El colorido, primero se llena de luz sintiendo cada vez mayor entusiasmo por los rojos y las coloraciones intensas. Entrado ya el siglo XIX, el negro va ganando terreno en su paleta.Tiene decidida vocación naturalista y huye del idealismo. Sus obras empiezan reflejando el tema amable de la vida rococó (primeros tapices), pero se va imponiendo y domina el tono realista.Imaginación extraordinaria, partiendo del comentario satírico y humorista de la realidad, llega a deformarla y a complacerse en lo monstruoso y en lo puramente fantástico. Goya supone una crítica pesimista y dura del ser humano, sus ambiciones, su crueldad, y todo ello con una visión irónica.Su obra es un documento fundamental de la historia de España: la realidad histórica y pictórica se entrelazan en ella más que en otros pintores.En varios aspectos es precursor de la pintura moderna:Precede al romanticismo, porque da una nueva forma de expresar los sentimientos, introduciendo el análisis psicológico y porque convierte a la masa anónima, a la multitud en la protagonista de muchos de sus cuadros. Pintores como Delacroix, admirarán su obra.Con el realismo, pintores como Daumier, que trabajan abundantemente para la prensa, se inspiran con frecuencia en sus dibujos y grabados, auténticos reportajes de costumbres y de guerra. También les atrae de Goya su representación de tipos populares, que llenan muchas de sus obrasAnticipa el impresionismo en su tratamiento de la luz. Edouard Manet, admirará profundamente a Goya (al igual que a Velázquez), y ambos le influirán poderosamente. En algunos de sus cuadros es patente la relación: La ejecución de Maximiliano se inspira en Los fusilamientos de la Moncloa.Antecede al expresionismo porque sacrifica la forma, el detalle a aquellos rasgos que sirvan para resaltar la expresión; simplifica las figuras, insiste en las masas esenciales. (“Saturno devorando a su hijo”)Abre las puertas del surrealismo, por su reflejo del mundo subconsciente (“El coloso”).

pinturaromanticismoCARACTERÍSTICAS GENERALESESTÉTICAEl romanticismo es una corriente cultural, artística, musical y literaria que se desarrolla entre la caída de Napoleón (1815) y mediados del siglo XIX (1840-1850).Surge como reacción contra la frialdad y racionalismo del arte Neoclásico.El Romanticismo exalta el mundo de las pasiones, de los sentimientos frente al mundo de la razón.Este arte podría definirse en dos palabras: libertad y subjetividad.Se propone expresar la propia individualidad subjetiva del artista: sus sentimientos, sus emociones, su misma irracionalidad. Mostrando su espíritu de rebeldía con el amor por el riesgo y la aventura.Así como hasta esta época los artistas estaban al servicio de un gran personaje o institución, ahora pretenden liberarse de esas ataduras, lo que las llevará a perder la seguridad de los mecenas, y así los artistas que rechazan las normas académicas empiezan a formar parte del concepto nuevo de artista: el de la bohemia, autores que sacrifican su comodidad para alcanzar su libertad de expresión, lo que después se conocerá como el artista maldito, que vive en la miseria por no someterse a las normas.TEMÁTICAEl romántico siente una profunda atracción por los mundos lejanos: el Oriente primitivo o exótico, de pasiones ardientes; la Edad Media, donde encuentra las raíces de su sentida nacionalidad.Quiere evadirse de la realidad próxima, plana y burguesa, y le atraen sus opuestos: la oscuridad de la noche, los amores imposibles, la soledad enfermiza, la religiosidad intimistaTÉCNICAEl color, vibrante, triunfa sobre el dibujo.Los cuadros se llenan de luminosidad que contrasta con zonas sombrías.Se persigue el dinamismo mediante una gran libertad compositiva.REALISMOCARACTERÍSTICASESTÉTICALa evolución de la sociedad burguesa (liberalismo, positivismo, cientifismo…) da lugar , a mediados del siglo XIX, al realismo como superación del romaticismo: se persigue una representación objetiva de la realidad, para la que a veces se busca la ayuda de la naciente fotografía. Hay una especial atención a lo social, por los campesinos, por los obreros, con mayor o menor grado de denuncia. En aras de ese realismo que se defiende es básica la idea de veracidad, que lo representado sea real, se huye así del idealismo de estilos anteriores y se representan la realidad , bonita o fea.TEMÁTICARetratan la vida cotidiana y los problemas sociales de la industrialización.Domina la idea de contemporaneidad, es decir, la de pintar temas que sucedan en su época, se abandona así la inspiración en el pasado típica del Neoclasicismo o del Romanticismo.TÉCNICADesde el punto de vista formal, los pintores realistas asumen las conquistas estilísticas románticas: pincelada densa, color, luz, pero varía según el artista: desde la simplificación gráfica de Daumier hasta la delicadeza idealista de Millet

IMPRESIONISMOCARACTERÍSTICASESTÉTICAEl grupo de jóvenes pintores franceses que inician esta nueva vía recibirán , burlescamente, el nombre de impresionistas. Sus obras tienen dificultades para ser aceptadas en los Salones o Exposiciones Nacionales, y lo hacen en otros alternativos: el Salón de los Rechazados (1863). No existen unas características homogéneas válidas para todos estos pintores pero coinciden en que la protagonista del cuadro sea la luz.TÉCNICALuz: Las cosas no tienen color propio, sino que es la luz la que lo engendra y presenta como una apariencia real. La atmósfera, la hora del día o la estación del año cambian los colores, de tal modo que las cosas no son iguales a sí mismas en cada momento. La atmósfera, el día, la estación, etc.. cambian los colores, de tal modo que las cosas no son iguales a sí mismas en cada momentoColor: los impresionistas compusieron una paleta de colores puros, desterrando los tonos oscuros, neutros y grises que no aparecen en el espectro solar, con lo que el resultado es una pintura luminosa, de tonalidades vivas y claras. Estimulados por la ciencia, escogen no mezclar los colores en la paleta dejando el trabajo de fusión al ojo del espectador: usan colores puros que aplican uno al lado del otro en pequeñas pinceladas. El resultado afecta la definición de las formas.Pincelada: Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que «los nuevos» estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos.Espacio:Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva renacentista que había regido el concepto de la pintura desde entonces, es por ello que desaparece el «primitivo» punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.La composición: dejó de ser un problema. Ahora priva la espontaneidad, como en un encuadre fotográficoTEMÁTICAComo el mundo para hacerse visible requería la colaboración de la luz libre, los impresionistas se dedicaron, sobre todo, al paisaje, dando origen a la pintura llamada “plenairista” o al aire libre. Por otro lado el impresionismo adopta, como el realismo, los temas de la vida cotidiana. Pero los realistas mostraban aspectos serios de la sociedad y los impresionistas prefieren enfocar los momentos gratos de la vida como son los placeres: jardines, fiestas, restaurantes, paseos, baños.

NEOIMPRESIONISCARACTERÍSTICASESTETICALa pintura neoimpresionista es totalmente científica. Se trabajan las obras en el estudio, partiendo de anotaciones al exterior: es una pintura intelectual, donde se estudia cada color. Es el primer movimiento moderno que plantea la necesidad de relacionar arte y ciencia (impresionismo científico: parte de teorías científicas en torno al color: Michael Cheureul y Charles Blanc.Se opone al impresionismo por su preocupación por el volumen. Las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien redondeadas donde la luz y la forma se conjugan perfectamente (como en períodos anteriores), dando unos cuadros muy claros y ordenadosTÉCNICAComposición: Aumenta la preocupación por el volumen, la estructura, la composición de las obras. Son obras muy rígidas, pues buscan más la estabilidad y la composición. Pinturas más construidas que las impresionistas, con un laborioso trabajo de composición, huyen de la espontaneidad.La pincelada suelta de los impresionistas es sustituida por puntos de colores puros realizados tras una costosa elaboración, está técnica se denomina puntillismo o divisionismo.TEMÁTICAComparte la temática del impresionismo: ocio al aire libre, la vida moderna, el circo, el ballet, la opera, los espectáculos, pero aunque inician la obra al aire libre la finalizan en el taller. Se distingue entre bocetos y obra final, son cosas distintas, algo que en el impresionismo no ocurría. POSTIMPRESIONISMOCARACTERÍSTICASESTÉTICAEl término post-impresionismo se aplica a los estilos pictóricos del finales del siglo XIX y principios del XX. Roger Fry, un crítico británico acuñó el nombre cuando se montó en Londres una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh.El post-impresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Siguieron con su técnica y su temática pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.Si en el impresionismo los artistas pintaron la mera apariencia, en el postimpresionismo se quiere captar la esencia. Los posimpresionistas reaccionan contra la apariencia, la obra de arte no tiene que ser un reflejo de la naturaleza sino la creación de una nueva naturaleza.Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado.Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence.Estos artistas, siguieron planteamientos estéticos propios que abrieron nuevos caminos a la pintura del siglo XX. Son considerados los padres de la pintura contemporánea:Cézanne influyó en el cubismo y en cierta medida en la abstracción; Van Gogh, en el expresionismo, y Gauguin, en el simbolismo y el fauvismo.TEMÁTICATemas de la vida real, retratos, autorretratos. Interés por lo exótico y los bajos fondos.TÉCNICAColor: Sus obras se caracterizaron por el uso expresivo del colorDibujo: Los post-impresionistas continuaron utilizando una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles, pero supone una reacción al impresionismo porque no están de acuerdo con el tratamiento que éstos dan a la forma, por ello el volumen en sus obras está perfectamente marcado con líneas aunque jueguen con el color

ARTISTASPaul CEZANNE (1839-1906). Es de la generación de Renoir y Monet, pero ya en 1880 considera que el impresionismo se ha agotado. Hijo de un banquero, se retira a su Provenza natal. Abandona la representación de la visión momentánea de la naturaleza para así lograr un arte más sólido, “hacer del impresionismo algo sólido y duradero como el arte de los museos”.Es preciso “tratar a la naturaleza según el cilindro, la esfera, el cono”. Por todo ello se le puede considerar padre de las corrientes constructivistas del siglo XX, empezando por el cubismo. Algunas de sus obras más conocidas son Los jugadores de cartas, sus bodegones (p. ej. Manzanas y naranjas) y los diferentes cuadros que realiza sobre el motivo del Monte Sainte-Victoire. También recupera temas olvidados por los impresionistas, como los retratos y los autorretratos.VAN GOGH (1853-1890) es un espíritu exaltado (y a veces desequilibrado) que pasa frecuentemente de las preocupaciones religiosas a las estéticas, y de ahí a la desesperación más profunda (lo que le condujo a la locura y al suicidio). Tras probar suerte en diversas profesiones, Van Gogh termina dedicándose ardorosamente a la pintura durante unos pocos años, aunque sin ningún éxito: no vendió ni un solo cuadro.En su obra, tremendamente personal, prima el componente expresivo. Sus características pinceladas empastadas y curvas, progresivamente más sinuosas, están dispuestas aisladas unas de otras. Utiliza colores crudos, frecuentemente violentos.El resultado es un modelado asombrosamente dinámico que transmite una gran emotividad. Ya no se intenta fingir la realidad ni mostrar el instante pasajero.Lo que se busca es comunicar las emociones del autor. Sus obras son muy variadas: autorretratos en los que indaga sobre sí mismo, paisajes desolados como La noche estrellada o Trigal y ciprés, sugestivos interiores como Café nocturno o El dormitorio de Arlés, obras de inspiración realista como el Segador , sus famosos Lirios y Girasoles, retratos, etc.Paul GAUGUIN (1848-1903). También pintor tardío, abandona el impresionismo en 1885 al considerarlo superficial. Pronto evidenció un marcado antinaturalismo más sensible al poder evocador de los objetos y su carga emocional, redescubre la geometría y los colores planos. Perseguirá una naturaleza y una sociedad no contaminadas por el progreso, en primer lugar en la Bretaña francesa. Allí pinta cuadros como La visión después del sermón, en la que explora la sensibilidad religiosa de los campesinos. Más tarde viajará a Panamá, a Martinica y a Tahití, donde cree encontrar el ambiente adecuado para llevar a término su búsqueda interior. En este momento surgen algunas de sus obras más elocuentes desde el punto de vista simbólico y técnico: Tahitianas y el mercado. Influido por las estampas japonesas, utiliza colores planos bien delimitados en su contorno de líneas gruesas. En el fondo su obra es un primitivismo artificial, que influirá poderosamente en las corriente fauve, en los naif, e indirectamente en los surrealistas.

Mary CASSATT (1844 – 1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista.De familia acomodada, Mary Cassatt se formó en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y pasó desde muy joven largas temporadas en Europa, frecuentando sus museos.. Sus temas, inspirados en escenas de la vida cotidiana y protagonizados por figuras femeninas e infantiles, causaron la admiración del francés Edgar Degas, que la introdujo en el círculo de pintores impresionistas, destacan varios cuadros sobre La maternidad.Edouard MANET (1832-1883). Fue un pintor y grabador francés, aunque no es propiamente impresionista, representa la superación de la tradición pictórica iniciada en el Renacimiento. Su formación parte de maestros como Tiziano, Tintoretto, Velázquez y Goya, con los que se familiariza en el Louvre, en España e Italia, pero pronto rechaza el academicismo. Su polémica entrada en el mundo pictórico la realiza con su obra El almuerzo sobre la hierba (1863), cuadro que escandaliza al público y a la crítica, al igual que con sus obras Olympia y El bar del Folies Berger. Los impresionistas consideran a Manet como su guía, pues ven en su pintura algunas de las características que ellos intentan llevar a sus últimas consecuencias: la importancia de la luz, de la sensación, la variación arbitraria de la perspectiva y los motivos cotidianos que el realismo elevó a la categoría de arte.Claude MONET (1840-1926).Fue un pintor francés Su obra Impresión: sol naciente (1873) dará lugar a la denominación del grupo. Uno de los primeros objetivos de Monet es fijar la inmediatez de la sensación visual. Pinta los efectos de la luz sobre el agua; sus vibraciones y reflejos excluyen la perspectiva y la iluminación fija, dos de las constantes de las reglas tradicionales de la representación pictórica. Para Monet, el color es muy importante. La línea se disuelve en favor de la mancha, de las pinceladas cortas y enérgicas que yuxtaponen los colores . Su preocupación por las variaciones luminosas según la hora del día le lleva a ejecutar varios cuadros sobre el mismo motivo: La catedral de Rouen, 1892-94, donde, al igual que ocurre en Las ninfeas y en Estudios de agua, las formas parecen disolverse totalmente en un torbellino de colores y efectos cromáticos que parecen anunciar el espíritu abstracto.Gustave COURBERT (1819-1877)Fue un pintor francés, fundador y máximo representante del reallismo y comprometido activista republicano cercano al socialismo revolucionari.Estudió en la academia Suiza la obra de los principales represetnantes de las escuelas flamencas, veneciana y holandesa.En sus pinturas utilizó tanto cuchillo como pincel produciendo así una superficie uniforme y ligeramente pastosa.Representa la realidad con toda su problemática, pero con el distanciamiento propio de una cámara, sin dramatismo: El entierro de Ornans (1850). Cabe destacar, por sorprendente, El origen del mundo donde la descripción de un sexo femenino no está matizada por ninguna justificación histórica o literaria sino que se muestra en toda su naturalidad.

Eugène DELACROIX.Es el gran pintor romántico y litógrafo francés, quizá el artista más emblemático del movimiento aparecido en el primer tercio del XIX. Sus composiciones son agitadas, todo curvas. Posee un dominio absoluto del color, preferentemente puro, de tonalidades fuertes, que extiende en pinceladas espesas. De ideología liberal, sus temas proceden el pasado (La muerte de Sardanápalo, 1827) y del presente (La masacre de Quíos, 1824; La Libertad guiando al Pueblo, 1830).Velazquez fue un pintor barroco español cnsiderado uno de los máximos exponenetes de la pintura española y maestro de lapintura universal. Su trabajo consistía en pitar retratos del rey y de su familia, una obra muy importante es Las meninas.ZURBARÁN.Nació en Fuente de Cantos (Badajoz) pero desarrolló casi toda su labor en Sevilla. Su pintura es realista, aunque se interesa más por el aspecto general de la obra que por la minuciosidad del detalle. Utiliza la técnica de un claroscuro muy acentuado para destacar aún más el volumen. Su obra es básicamente de temática religiosa, ya que su clientela habitual son las congregaciones monásticas.Destacan obras como la Aparición de San Pedro a San Pedro Nolasco, y sus características representaciones de santas vestidas como damas o campesinas de la época, como Santa Margarita. Su conocido Bodegón contrasta por su austeridad, en comparación con los muy ostentosos que realizan numerosos pintores españoles, flamencos y holandeses.JOSÉ DE RIBERA.Fue un pintor, dibujante y grabador español del S XVII que desarrolló toda su carrera en Italia.Pertenece a la escuela levantina, escuela en la que destacó también Ribalta y serán estos dos pintores los introductores del tenebrismo en España. Aunque nace en Játiva se va de joven a Italia donde permanecerá toda su vida, sobre todo en el reino de Nápoles, que dependía de la Corona española. En su obra aúna características españolas e italianas, allí en Italia le dieron el nombre de Spagnoletto por su escasa estatura. Muchas de sus obras destacan por su intenso dramatismo. Entre otras se pueden citar el Martirio de San Felipe , donde el cuerpo del santo , en escorzo, marca la diagonal del lienzo y la zona de máxima iluminación, y El sueño de Jacob, ambos en el Museo del Prado, y el profundo y humano Patizambo dentro de la tradición de enanos y seres monstruosos y deformes a la manera de Velázquez.MURILLO.Pertenece ya a otra generación. Sus cuadros están llenos de gracia, embellece la realidad, la hace amable, aun en los temas de miseria y pobreza. En sus pinceles triunfa el sentimentalismo. Habían pasado ya los años duros de la contrarreforma y el ambiente empezaba a relajarse.De su época juvenil, sobre la década de los cincuenta, tenemos su Sagrada Familia del Pajarito.Fue un pintor barroco español más conocido y más apreciado fuera de españa.

ESPAÑAINTRODUCCIÓNbarroco.El siglo XVII fue de profunda crisis económica en la península; sin embargo, recibió el apodo de Siglo de Oro en el terreno cultural y artístico. La Reforma católica tuvo sus principales teólogos en España y sus postulados rigieron la codificación artística en nuestro país más allá que en cualquier otra nación del ámbito católico europeo. Tal situación influye de manera determinante sobre las artes, que serán encargadas por la Iglesia, lo que marca el predominio del tema religioso en detrimento de la mitología, pinturas de guerra y profanas. Los principales focos productores de arte fueron: Sevilla, capital comercial y Madrid capital política.ARQUITECTURACARACTERÍSTICAS Es muy distinta de la italiana, las fachadas curvas y el movimiento extremo tardan en imponerse.En España el siglo XVII es un siglo de decadencia, de crisis económica en todos los niveles, eso va a influir de manera decisiva en el arte, no se van a realizar grandes programas urbanísticos o constructivos similares a los llevados a cabo en otros países como Francia, tampoco se realizarán casi iglesias de nueva planta sino que se completarán o remodelarán iglesias anteriores.Los materiales van a ser casi siempre pobres, predominando el ladrillo, siguiendo así con la tradición mudéjar.ESCULTURACARACTERÍSTICASLas características de la escultura española van a ser diferentes de las del resto de Europa:La temática es absolutamente religiosa, está en sintonía con los principios de Trento y la Contrarreforma. Se representan las experiencias ascéticas y místicas de algunos santos. Los dos géneros más importantes van a ser los retablos, que serán monumentales pero más simples, y los pasos procesionales de Semana Santa.El material casi exclusivo es la madera policromada, un medio ideal para lograr un sentimiento dramático, al pintarse la escultura se pueden obtener efectos pictóricos.Las figuras tienden al realismo, especialmente los pasos procesionales, tanto en el estudio anatómico del cuerpo humano como en los detalles.El objetivo es lograr la devoción de los fieles a través del patetismo, la angustia, la gesticulación.La composición no se caracteriza por un movimiento exagerado, en contraste con la escultura de Bernini.PINTURACARACTERÍSTICASAl igual que hemos visto en escultura, en España se sigue una línea peculiar con respecto al resto de Europa.Se prefiere un naturalismo realista que refleja la sociedad como es, agradable, bella, dura, fea.Predomina una cierta intimidad con sabor a humanidad.Se abandonará la tendencia teatral, típica en Italia, los tamaños superiores a lo normal y los grandes frescos.La temática es también, al igual que en la escultura, eminentemente religiosa: quizá porque la Iglesia es el principal cliente de los artistas o quizá porque es un reflejo de la sociedad del momento que ve en lo religioso una manera de huir de la cruda realidad; Velázquez, un pintor que no trabaja para la Iglesia introducirá nuevos temas: paisajes, fábulas paganas. Zurbarán destacará en los bodegones.Casi todos los pintores estarán influidos por el tenebrismo de Caravaggio, algunos durante toda su vida y otros abandonarán esta tendencia enseguida.No hay concesión a la sensualidad que si hay en Italia o en Flandes. 

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