Un Nuevo Escenario Cultural y Económico

Con el restablecimiento de los sistemas productivos y la recuperación de la economía mundial, se inició en los países desarrollados del mundo capitalista una nueva fase de prosperidad, que alcanzó su plenitud en la década de los 60. Fueron los años dorados de la sociedad de consumo, de amplios movimientos sociales, sobre todo juveniles, que reivindicaban utopías políticas y formas de vida alternativas. Movimientos como el hippie o rebeliones como la estudiantil de mayo del 68 en Francia, tenían un sustrato común: su rechazo a un sistema insolidario y materialista, y la propuesta de una «contracultura» liberadora y creativa (pacifismo, psicodelia…). Pero en los años 70 el capitalismo se vio afectado por una profunda crisis. Los países del bloque comunista mantenían cada vez con más dificultad sus dictaduras políticas y sus obsoletos sistemas económicos, hasta que la situación se hizo insostenible y desde 1989 fueron cayendo uno a uno los regímenes de la Unión Soviética y sus países satélites. Se configuraba un nuevo escenario internacional en el que la hegemonía económica, política y militar de Estados Unidos era incuestionable. Hasta mediados de los 70, continuó la aparición de diferentes vanguardias, que pretendían desarrollar propuestas novedosas y aspiraban a convertirse en la corriente artística dominante. Se empezó a reconocer que no tenía sentido insistir en la búsqueda de lo original y los nuevos artistas renunciaron al dogmatismo propio de las vanguardias, para realizar un arte libre, es el espíritu de la «posmodernidad», abierto a todo y con propensión al eclecticismo.

En España los cambios políticos se sucederán hasta llegar al sistema de ahora. Durante los 60 se iniciará una apertura al exterior, al convertirse España en destino turístico internacional, pero la represión seguirá estando presente. En 1975, año de la muerte de Franco, la sociedad española pasó de un sistema totalitario a una monarquía parlamentaria, es la llamada Transición (1970-1980). En el ámbito cultural, la desaparición de la censura permitió que los artistas y creadores se expresaran de forma libre.

El Cine Español Durante la Transición

Durante la transición, la censura, que había condicionado durante el régimen franquista todas las manifestaciones artísticas, se suprimió, aunque siguió operando, como así demuestra la prohibición de El crimen de Cuenca. También se aplicaron medidas para potenciar el trabajo cinematográfico como subvenciones, y la obligación de una cuota de pantalla, por cada dos días de cine extranjero, se debía incluir uno español.

Figuras Clave del Cine Español

Pilar Miró

Deja estudios de derecho por periodismo y se gradúa en la Escuela de Cine en la especialidad de guion. Trabaja en televisión donde realiza numerosos dramáticos y retransmisiones de ópera. Fue directora general de Cine y responsable de la ley (Ley Miró) que impulsa un cine de calidad y facilita la producción a los directores. Comienza con un relato de Zola, La petición, al que sigue, El crimen de Cuenca. Sus obras más personales y, en buena medida, autobiográficas son Gary Cooper, que estás en los cielos, sobre una mujer que va a sufrir una operación arriesgada y siente próxima la muerte, y Hablamos esta noche. El mundo de los sentimientos está muy presente en Werther y El pájaro de la felicidad, con guiones de Mario Camus, dos obras desgarradas sobre el amor y el desamor que protagoniza Mercedes Sampietro, alter ego de la directora. Realiza con solvencia las adaptaciones literarias del policíaco Beltenebros (según la novela de Muñoz Molina), del clásico El perro del hortelano y del drama Tu nombre envenena mis sueños.

Luis García Berlanga

De familia republicana, se enrola en la División Azul para excarcelar a su padre. Se dedica a la pintura, participa en tertulias, hace crítica de cine y se diploma en la primera promoción del IIEC. Practica el humor y la parodia como instrumentos expresivos para la crítica social, con retratos de grotescos militares, curas, arribistas… un cine de talante ácrata que llega a poseer la identidad de un mundo: lo berlanguiano. Tras el prodigioso comienzo de Esa pareja feliz y, sobre todo, Bienvenido, Mr. Marshall, rueda la sátira amable Novio a la vista, ambientada a principios de siglo, la mal comprendida fábula Calabuch y la radiografía de un pueblo y su picaresca para salir de la pobreza en Los jueves, milagro.

Un registro más amargo adopta en Plácido, donde se pone de manifiesto el clasismo y la hipocresía de una sociedad que hace alardes de generosidad. El verdugo es una sátira tragicómica contra la pena de muerte con momentos mágicos, que ocupa un lugar de honor en el cine español. En estas dos películas, hay una radiografía social de la época. Con dificultades para que sus proyectos sean aprobados por la censura, acepta encargos; critica el desarrollismo en la comedia negra ¡Vivan los novios! y cambia de registro en Tamaño natural una reflexión metafórica sobre el deseo masculino y las relaciones de pareja. A finales de los setenta comienza a realizar la trilogía formada por La escopeta nacional, Patrimonio nacional y Nacional III, que da cuenta de la mentalidad del franquismo sociológico en la transición española; también rueda un viejo guion sobre la sinrazón de la Guerra Civil, La vaquilla. En los últimos años evoluciona profundizando en el esperpento de talante nihilista con sus últimas películas, Moros y cristianos, Todos a la cárcel y París-Tombuctú.

El Cine Norteamericano: Francis Ford Coppola

Estudió cine en la UCLA y se formó en los rodajes de serie B de Roger Corman. Después de rodar en Irlanda Dementia 13, con el equipo prestado por Corman, fue contratado como guionista por la Seven Artists, donde colabora en la escritura de obras de John Huston, Sidney Pollack y Franklin Schaffner, cuyo Patton recibe el Oscar al mejor guion. A partir de un encargo de la Paramount rueda El padrino que se convierte en una trilogía sobre la evolución de una familia mafiosa a lo largo de décadas. Auténtica reflexión sobre el poder, la corrupción y las contradicciones de la cultura italoamericana, en ella Coppola revela el lirismo operístico que caracteriza su mejor cine. Esa misma es la perspectiva que anima las otras obras de los setenta: La conversación, un ejercicio hitchcockiano sobre el poder del conocimiento, y Apocalypse Now, adaptación del viaje a los infiernos de Joseph Conrad ambientado en la guerra de Vietnam, que constituye una ópera de la muerte y la destrucción. Coppola se encuentra en la cima de su poder y con el dinero ganado invierte en comprar un teatro y montar óperas, ampliar su estudio, distribuir y promocionar obras minoritarias. La suerte no le acompaña y busca el éxito con fórmulas sabidas en Cotton Club y Peggy Sue se casó. Otra de sus obras más famosas es Drácula.

Claves de la Música Pop

El sociomusicólogo británico Simon Frith define la música pop como: “un tipo de música que se puede cantar y que puede ser interpretada, que no precisa de las habilidades técnicas del jazz y la música clásica.

Establece las siguientes características:

• Es accesible para el público general.
• Posee una orientación comercial.
• Es esencialmente conservadora.
• Se produce profesionalmente.
• Expresa sentimientos comunes como el amor, la pérdida y los celos.

Su forma fundamental es la canción, que es una obra de corta duración, cuya estructura se puede descomponer en versos y estribillos con una introducción y un cierre, y, en ocasiones, un puente musical. La música pop tiene sus orígenes en la música negra estadounidense de la 1ª mitad del S. XX (jazz, swing, blues), que en la década de 1950 hizo posible la gran eclosión del rock con artistas como Elvis Presley o Buddy Holly. En 1957 el rock llega a Europa revolucionando a los jóvenes que encuentran en los nuevos ritmos un revulsivo creativo y de carácter rebelde contra lo establecido. Durante la década de 1960 en Gran Bretaña, aparecen grupos ya míticos como los Beatles o los Rolling Stones.

The Beatles

Este grupo fue fundado por John Lennon, junto con Paul McCartney y George Harrison en 1960 en Liverpool (Ringo Starr se unió en 1962), donde empezaron a tocar en el pub The Cavern. Tras una breve aventura en la ciudad alemana de Hamburgo, el representante Brian Epstein apostó por ellos, creando los cimientos que los convertirían en uno de las bandas más importantes de la historia de la música del S.XX. La revolución de los Beatles vino marcada por tres aspectos fundamentales:

• Establecieron la estructura básica de los grupos con dos guitarras, un bajo, un batería y un cantante.
• Adaptaron el endemoniado ritmo del rock a la tradición musical británica y europea en la que los tiempos eran más lentos.
• Con ellos nació el fenómeno fan mundial, el propio John Lennon llegó a afirmar que eran “más famosos que Jesucristo”.

Su trayectoria como grupo duró diez años debido a sus malas relaciones personales, sus diferencias artísticas y sus presiones financieras y legales a causa de la muerte de Brian Epstein. Esto no significa que no hayan dejado grandes canciones que se han convertido en himnos para varias generaciones: Please Please Me, With The Beatles, A Hard Day’s Night.

Escultura Vasca: Jorge Oteiza y Eduardo Chillida

Jorge Oteiza

Es uno de los artistas vascos fundamentales del arte español del siglo XX, así como uno de los más influyentes. Los ecos de la obra oteiciana en sus diferentes vertientes (plástica o teórica) son perceptibles. De formación autodidacta, Oteiza comenzó realizando esculturas dentro de la órbita del primitivismo desarrollado por Brancusi. Tras una larga estancia en Sudamérica, el escultor va desarrollando teórica y prácticamente los fundamentos de su estética. Esta aventura quedará plasmada en su obra La interpretación estética de la estatuaria megalítica americana. Figura comprendiendo políticamente, Itziar. En su vuelta a España, la escultura masiva y monolítica, con la que Oteiza naturalmente se identificaba, sufre un proceso de desmaterialización, según el cual, la estatua-masa debe ir dando paso a la “trans-estatua”: un tipo de escultura que sea capaz de liberar energía a través de la “fusión” o acoplamiento de unidades ligeras y abiertas. Es fundamental el trabajo de Julio González o Pablo Gargallo. Esto se concretará en el llamado Laboratorio Experimental en el que desarrollará pequeñas esculturas en distintos materiales dando lugar a series como Desocupación de la esfera, Apertura de poliedros, Construcciones vacías. Uno de sus conjuntos escultóricos más importantes es el de la Basílica nueva de Arantzazu, donde relaciona la espiritualidad del arte moderno, con un sentimiento religioso popular. Por ello renunció a la estética abstracta pero sin abandonar sus hallazgos artísticos, pretendía, adecuarse al encargo y conectar con el público. Los trabajos de Oteiza iniciados en 1952, fueron prohibidos por la iglesia en 1954, no pudiéndose concluir hasta 1969. En ella la huella de Henry Moore es claramente perceptible. Entre 1972 y 1974, Oteiza decidió completar algunas de las series que habían quedado inconclusas al abandonar la escultura en 1959 y desarrolla su Laboratorio de Tizas.

Eduardo Chillida

Este artista vasco es el máximo representante de la escultura informalista en España. Disfrutó de fama y reconocimiento internacionales en una época en la que nuestro país estaba cerrado al exterior. Aunque estudió arquitectura, Chillida se dedicó a la escultura desde 1947 y sus primeras obras arrancan de la escultura primitiva desarrollada por Brancusi -de la Grecia arcaica y los kouroi-, como la serie Torsos, y de Henry Moore, al que conoció en sus viajes. De la primera extrae la solidez y el aire totémico, y del segundo, la idea de monumento sólido. En Hernani, introduce el hierro, trabajando con un herrero en la forja. Allí encuentra sus raíces: las tradiciones vascas, propias de una sociedad rural y también la artesanía de esa sociedad. A partir de entonces, a partir de Ilarik (piedras funerarias, en euskera), la estela funeraria que realiza en 1951, su primera escultura abstracta o no figurativa, Chillida pone sus esculturas «hablar en euskera» y esto es importante en un Estado que prohibió las lenguas vernáculas. Desarrolla la serie de las Lurrak (tierras) realizadas en barro cocido, en las que una geometría blanda se llena de surcos, hendiduras, piezas que encajan, laberintos, nudos,…Materiales tradicionales -madera y hierro forjado- y formas que se enraízan en la cultura vasca, instrumentos de labranza hincados con fuerza en el tronco de madera, que deja de ser base para convertirse en escultura. Este discurso en euskera tiene un momento especial en 1944 cuando colabora en la basílica de Aránzazu, con Oteiza, y realiza las puertas de hierro que son, esculturas. En su evolución artística también apreciamos un interés por el vacío, que viene directamente de las concepciones de Julio González y de Gargallo. Las disputas dialécticas entre los dos autores por los hallazgos escultóricos son constantes a lo largo de sus vidas. Chillida parece ganar la partida y se le considera el verdadero motor del arte vasco de aquella época. Con los años Chillida aumenta la escala de sus esculturas, construyendo cobijos, que tanto son esculturas como arquitecturas Gure Aitaren Etxea, de, en Guernica-, fabricadas con materiales arquitectónicos como el cemento armado. Y también es cada vez más fuerte la llamada de la naturaleza: Chillida trabaja con ella, la hace formar parte de su escultura. Elogio del horizonte, en Gijón, o El peine de los vientos en San Sebastián, rebasan su condición de esculturas para hacerse paisaje.

Paco de Lucía: El Flamenco Universal

Paco de Lucía es el flamenco y el flamenco es Paco de Lucía. Componen un tándem inseparable que siempre ha estado en continua renovación. El arte se ha popularizado en todo el mundo gracias a la revolucionaria guitarra del algecireño y a su prestigioso ritmo y éste ha conseguido ser su referente mundial con su guitarra entre las manos. Francisco Sánchez Gómez, de nombre artístico Paco de Lucía, nació en Algeciras en diciembre de 1947, hijo de Lucía Goméz ‘La Portuguesa’, de la que heredaría el ‘de Lucía’, y de Antonio Sánchez, de quien recibió sus primeras lecciones de guitarra, y a los doce años arrancó la carrera musical que se acabó convirtiendo en el mejor guitarrista de la historia. Sus primeros discos los grabó con Camarón de la Isla, una de las parejas más míticas del flamenco más puro y con quien después fusionaría el arte con ritmos de música rock, pop jazz, para dar el salto de los tablaos a los grandes recintos y a atraer a los más jóvenes. Es uno de los artistas que más ha contribuido a la internacionalización del flamenco. Reconocido por la crítica, ha llevado su personal estilo, lleno de ritmo y energía, a los grandes escenarios. En su biografía hay una treintena de discos, desde el Friday night in San Francisco, grabado con John McLaughlin y Al Di Meola, que se vendieron más de un millón de copias, a su último trabajo Cositas Buenas, del año 2004, y tal vez sea Entre dos aguas la que más contribuyó a acercar el flamenco al gran público. El maestro de Algeciras también pasará a la historia del flamenco por la incorporación del cajón, de procedencia afroperuana. Capaz de introducir percusión en este arte, el cajón se ha convertido en imprescindible en el flamenco contemporáneo. El Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Medalla de Andalucía o el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, atestiguan el reconocimiento que Paco de Lucía, que también es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz, ha recibido a lo largo de su trayectoria profesional. Europa Press. Paco de Lucía, el maestro que renovó y popularizó el flamenco.

Camarón de la Isla y Paco de Lucía: Una Leyenda Flamenca

Cuando Camarón de la Isla, José Monge Cruz llega a Madrid se encuentra con Paco de Lucía, ya habían tenido algún encuentro anterior, pero la capital española fue el lugar decisivo. El destino del tiempo quiso que dos artistas cruzaran sus caminos, comenzó una pareja artística que difícilmente se repetirá en el futuro. Sorprenden porque entre Camarón y Paco de Lucía se interpreta el cante flamenco y su correspondiente acompañamiento a la guitarra al mayor nivel de afinación y compás que se ha conocido en la historia. Entre 1969 y 1977 nueve discos, uno por año, grabados por Phillips. Grabaciones rápidas, dirigidas por Antonio Sánchez, padre de Paco. Graban de todo. Si José cuando era un niño era capaz de cantar y acompañarse una soleá magistral en la Venta Vargas de La Isla, al llegar a la mayoría de edad Paco registraría momentos para la eternidad. En esta etapa no tardaron mucho en aparecer inventos. Fue en 1972 cuando surgió un cante nuevo, la canastera a partir del onubense fandango. Camarón no llegaba solamente para ser el cantaor de su tiempo. Artistas como la Perla de Cádiz declaraban que las versiones camaroneras superaban la idea original. Ya se había demostrado que Camarón era el más largo, todo lo que aprendía lo mejoraba. Estilo propio inigualable. Llega la gran evolución que parte desde el conocimiento. Por eso La Leyenda del Tiempo es un disco para la historia. Aunque no fuera un superventas en su lanzamiento, Camarón trasciende más allá del flamenco, es un auténtico rock star hasta en la portada del disco. La guitarra de Tomatito, los artistas de lo que después se conocería como Alameda, el carácter venenoso de Kiko y Raimundo, las percusiones de Rubem, todos reunidos por Ricardo Pachón para un disco que marca un antes y un después en el flamenco. Demostrando ser un arte vivo. Así comenzó una nueva etapa, los años en los que el artista agotaba las entradas del lugar donde actuara. El artista al que las gitanas llevaban sus niños recién nacidos para que el mito les tocara. Los regresos junto a Paco, orquestas sinfónicas, nuevos instrumentos, investigaciones en arreglos, los conciertos con Tomatito, surgen conceptos en estudios de grabación que ahora se ven normales en los discos de flamenco.

Miles Davis: Innovación en el Jazz

Miles Davis, trompetista y compositor estadounidense de jazz, se trata de una de las figuras más relevantes, innovadoras e influyentes de la historia del jazz. Su carrera abarca cincuenta años a lo largo de la segunda mitad del siglo XX, se caracteriza por su evolución y búsqueda de nuevos caminos artísticos: Davis destaca en la implantación de la vanguardia jazzística, sobre todo en su vertiente modal y de fusión con el rock.

• En 1959 llegó su álbum Kind of Blue pionero del modal jazz. La música modal desarrolla casi siempre una sutil tensión producida por el hecho de que las líneas del solo, aunque melódicas, no siempre progresan o se resuelven exactamente como el oyente está acostumbrado a oír. Cada vez que un nuevo modo se introduce, el centro tonal cambia, lo que implica que el oyente es transportado a un desequilibrio con una impredecibilidad no aparente. La tensión melódica traduce el estado de ánimo del artista.
• A finales de los sesenta incorporó teclados y guitarras eléctricas en discos rupturistas y extraños como In a Silent Way y Bitches Brew. Era el jazz fusion, resultado de su interés por el rock.

El sonido de su trompeta es característico por su uso de la sordina de acero, que le proporcionaba un toque más personal e íntimo; el sonido es suave y melódico, a base de notas cortas, tendente al lirismo y a la introspección. Su genialidad se basaba en la improvisación y en la innovación permanente. «El ayer está muerto» o «La vida debe vivirse hacia delante, pero solo puede entenderse hacia atrás» son dos frases clave, y reflejan los caminos que siguió su música. No sólo cambió el jazz pues influyó en todos los estilos y géneros. Sentó las bases del hip-hop, influyó en el funky y contribuyó a la mezcla de estilos con grandes coloridos y matices. Kind of Blue, In A Silent Way, Bitches Brew.

Chet Baker: El Jazz Cool y una Vida Tormentosa

Chet Baker, trompetista, cantante y músico estadounidense de jazz, exponente del estilo cool. La música de Chet Baker es seductora, triste, evocadora. El genial trompetista, uno de los músicos más atractivos de la historia, tenía un don para transmitir emociones a través del viento que cruzaba su trompeta. Su vida fue terriblemente desastrosa. Todo el talento que tenía como músico, todos esos dones, chocaban con una personalidad destructiva y egoísta asfixiada por las adicciones. Chet Baker conquistó la gloria en los clubes de jazz de Estados Unidos gracias a su don, a ese sonido suave de la Costa Oeste de EEUU. Baker transformó el jazz en algo diferente tanto por su música como por su imagen de actor de Hollywood rebosante de carisma y elegancia. De esta época destacan My Funny Valentine, Chet Baker Sings, y Chet. Arruinado por las drogas tanto en lo económico como en lo personal, se trasladó a Europa. En los años sesenta acabó pasando algo más de un año en la cárcel. A su salida de prisión en 1962 editó el eterno Chet is back!, aunque en realidad no había vuelto. La droga provocó su expulsión de Italia, Francia y Alemania hasta que finalmente fue deportado a EEUU. De vuelta a casa terminó de tocar fondo cuando unas deudas fueron la causa de una paliza que le destrozó la boca afectando a su forma de tocar. Sin embargo, consiguió resurgir, volver a grabar y a tocar con acierto durante los años setenta y buena parte de los ochenta. Volvió a instalarse en Europa a finales de los 70 y centró su carrera en los escenarios europeos.

Características de los Segundos Expresionismos

El Informalismo Europeo

El término Art Informel lo acuñó en 1952, Michel Tapié, y se aplica actualmente al movimiento artístico surgido en Francia al final de la Segunda Guerra Mundial y vigente en Europa hasta finales de los 50. El Informalismo se desarrolló en el ambiente pesimista de la posguerra. Su rasgo más definitorio es la fuerza expresiva, que comienza en el propio acto creador, pasional y a veces violento, y se concreta en obras de una figuración muy distorsionada. Otro rasgo interesante en algunos artistas fue la incorporación al cuadro de todo tipo de materiales y la aplicación de cortes, desgarros, etc. Esta pintura, denominada matérica, valora los materiales empleados, por su capacidad expresiva. El núcleo del Informalismo estuvo en Francia, destaca la figura de Jean Dubuffet.

El Expresionismo Abstracto Norteamericano

En Estados Unidos, surgió el Expresionismo Abstracto, también conocido como Escuela de Nueva York, que fue la corriente dominante durante toda la década de los 50. Numerosos artistas europeos, entre ellos la mayoría de los surrealistas, huyendo de la Segunda Guerra Mundial se habían refugiado en Estados Unidos. La propuesta surrealista, unida al interés por la abstracción de muchos de estos pintores, dio como resultado este estilo. Los artistas del Expresionismo Abstracto se sirvieron de la pintura para liberar sus emociones y estados de ánimo, en grandes formatos. Destacaremos dos, en cierta forma antitéticas:

• La Action Painting (pintura de acción), la más gestual y expresiva, hasta el punto de que muchos críticos hacen de esta denominación un sinónimo del Expresionismo Abstracto.
• La Colour Field Painting (pintura de superficies de color), que algunos consideran un estilo independiente.

Jackson Pollock fue el más representante de la Action Painting. Su trágica muerte en un accidente de automóvil, tras unos años de inactividad por el alcoholismo, hicieron de él una leyenda. Sus creaciones son de gran formato. En vez de ejecutarlas sobre caballete, extendía las telas en el suelo y aplicaba los colores mediante la técnica del «dripping». Esta consistía en recoger con largos palos o pinceles los colores de los botes de pintura para cubrir la tela con salpicaduras. Era una forma de aplicar el automatismo propugnado por los surrealistas como medio de expresión. De este modo el interés de la obra ya no estaba tanto en el resultado final. En los cuadros de Pollock la pintura es un gesto que se extiende como un continuo por toda la tela. One Number 31, Autumn Rhythm.

Francis Bacon: La Distorsión de la Figura Humana

Bacon es una de las grandes figuras de la pintura contemporánea. Nació en Dublín, pero fue expulsado del hogar familiar por su homosexualidad y se trasladó a la casa de un pariente. Su compleja psicología y su vida desordenada explican en gran medida su obra, controvertida y absolutamente personal, que resulta imposible de clasificar en ningún movimiento concreto, aunque a veces se le incluye dentro de la llamada Nueva Figuración. Mientras el arte de la posguerra se decantaba por la abstracción y la modernidad, él practicó una pintura figurativa y expresionista de múltiples influencias, tanto contemporáneas como antiguas. El rasgo más característico de la pintura de Bacon es la representación de la figura humana distorsionada, en solitario o en grupos muy reducidos, en ambientes interiores cuyos fondos, a menudo de colores planos. En general, su obra transmite una sensación de aislamiento, soledad y angustia. Destaca el retrato del Papa Inocencio X, de Velázquez, semejante a la de El grito de Munch.

Hiperrealismo: La Realidad Detallada

A finales de los 60 y en contraposición de ciertos movimientos, como el Minimalismo o el Arte Conceptual, un grupo de artistas británicos y norteamericanos, decidieron volver su mirada a la realidad para reproducirla con fidelidad absoluta, tanto en pinturas como en esculturas. Los pintores del Hiperrealismo abarcan un amplio abanico temático y trabajaban con frecuencia a partir de fotografías, que reproducían en sus lienzos. Por esta razón a veces al Hiperrealismo Pictórico se le denomina Realismo Fotográfico o Fotorrealismo. Entre sus figuras más destacadas el norteamericano Richard Estes, famoso por sus cuadros de vistas o escenas urbanas. El Hiperrealismo también ha tenido seguidores en España, donde surgió un interesante grupo de artistas de esta corriente. La figura más destacada y de mayor proyección internacional es Antonio López García, que ha trabajado tanto la pintura al óleo como la escultura en madera, en ambos casos con sorprendente minuciosidad y detalle. Entre sus cuadros más famosos está La Gran Vía madrileña, óleo sobre lienzo que empezó en el año del título, su método de trabajo es lento y meticuloso, basado en una observación directa, atenta y emocionada del tema. Nevera de hielo.

Etiquetas: Arte, Cine, Musica, Transición Española, Vanguardias