KOUROS DE ANAVYSSOS

ilustración que vamos a examinar exhibe una figura frontal masculina, desnuda, está erguido, adelantando la pierna izquierda pero con los dos pies plantados firmemente en el suelo, los brazos muy pegados a los costados y las manos cerradas y pegadas al cuerpo. El pelo es un conjunto de líneas geométricas con un pequeño flequillo sobre la frente, los ojos salientes mirando al frente, la boca con una ligera sonrisa, los hombros anchos, la cintura esbelta y los muslos redondos./La figura trata una escultura exenta con carácterísticas de bulto redondo. Muestra grandes rasgos: cara ovalada, cejas arqueadas, ojos almendrados, pómulos salientes, peinado geométrico, sonrisa arcaica./Está tallado en piedra caliza./La escultura muestra un canon de proporciones en el cual el cuerpo queda dividido en siete partes iguales del tamaño de la cabeza. Por otro lado la cabeza esta dividida en tres partes iguales que van desde el mentón hasta la nariz, desde la nariz hasta la ceja y desde la ceja hasta el inicio del flequillo. /Los griegos con esta técnica querían representar el Realismo, pero no lo lograron ya que no presenta movimiento sino que presenta un aspecto rígido./El tema es el cuerpo humano entendido en la escultura griega como máximo logro de belleza./Para finalizar, podemos decir que estas esculturas representaban a los vencedores de las competiciones atléticas, se trata de una escultura exenta perteneciente a la época arcaica; la imagen presenta Kouros de anavysos.

HERMES CON DIONISO NIÑO

La ilustración que vamos a examinar representa un grupo escultórico con dos figuras. Está trabajada en mármol. Su autor es Praxíteles y pertenece al clasicismo tardío./La composición se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se centre en el rostro del joven. La figura de éste presenta un contraposto o esquema en S: el brazo derecho está en tensión y elevado (aunque se ha perdido casi totalmente), mientras que el izquierdo se apoya en el soporte; la pierna izquierda, libre de peso, toca el suelo con la punta del pie, y la derecha soporta el peso, resaltando así la línea de la cadera, con un efecto denominado curva praxiteliana. La forma de expresión es figurativa y naturalista, con un indudable interés por la belleza formal, sobre todo en la figura principal, cuya pose relajada resalta los rasgos de una anatomía perfecta, proporcionada, armónica y sensual./Esta pose, en contraposto, proporciona además movimiento a la obra, que no está condicionada por la arquitectura, pero se ajusta a leyes visuales propias de la pintura: se desarrolla en sentido frontal y se da gran importancia al juego de luces./La policromía es inexistente, pero debe tenerse en cuenta que la escultura griega solía ser policromada y, además, que los ejemplares que se conservan son casi siempre copias romanas. PartenónEl Partenón fue erigido entre 447 y 432 a.C por Ictinos y Calícrates, dentro del proyecto de restauración de la acrópolis emprendido por Pericles.Estaba consagrado a Atenea Partenos./Construido con mármol, es un templo dórico, anfipróstilo, períptero y octástilo.El interios está divido en tres partes: pronaos, naos y opistodomos.En los accesos hay pórticos con seis columnas./En la naos hay una columnata dórica, construida para dejar espacio a la imagen de Atena.El opistodomos no tenía acceso desde la naos y en su interior se elevaba una estructura formada por cuatro columnas jónicas./Sobre el estilóbato se erigen las columnas dóricas, sin basa y con fuste de altura moderada.El collarino anticipa el capitel que está formado por ábaco y equino y ofrece un aspecto sobrio y geométrico./Sobre las columnas se levanta el entablamento, formado por el arquitrabe, y el friso. Sobre ellos se apoya la cubierta a dos aguas que en cada lado menor se cierra con un frontón./Guarda una proporción de 8*17 y entre las dimensiones hay una razón matemática.No obstante, los arquitectos introdujeron correciones: el estilóbato está abombado, las columnas inclinadas, las de los extremos son más anchas, etc. Consiguieron con esto la armónía visual./Em esta obra hay influencias jónicas/Este templo era símbolo del triunfo de Atenas sobre los persas y en él se glorificaba a Atena.

Atenea Niké

Se levantó para conmemorar la paz de Nicias, que ponía término a los primeros diez años de la Guerra del Peloponeso. Es un templo jónico, tetrástilo y anfipróstilo, y en el interior solo hay un espacio, la cella. Fue diseñado por Calícrates y se eleva-sobre un espolón-presidiendo la vía sacra.

Erecteion

Es un templo jónico de planta irregular que acoge distintos altares y espacios sagrados. Desde el pórtico norte se accedía al santuario de Atenea Políada.Desde el pórtico oriental, se accedía a diferentes santuarios entre los que destacaban los de Poseidón y el de Erecteo. En el sur está el pórtico de las Cariátides, donde se encuetras las columnas con formas femeninas.

Laocoonte

Copia en mármol de un original de bronce de época helenística.Fue realizado por tres escultores: Agesandro, Polidoro y Atanadoro.Re presenta la muerte de Laocoonte.Este sacerdote de Apolo fue estrangulado junto a sus hijos por dos serpientes que envió el contra Poseidón para que no revelara que el caballo regalado por los griegos a la ciudad de Troya era una trampa/ El grupo escultórico tiene una comlpeja composición. Para enlazar las figuras establecieron un triángulo entre ellas y emplearon serpientes para unificar la composición./El cuerpo de Laocoonte describe una diagonal con la se cruzan otras diagonales menores.Es una composición habitual en el helenismo que introduce dinamismo e inestabilidad en la escena y que obliga a colocar la figura en una posición casi sedente, pero muy efectiva desde el punto de vista dramático.Su cuerpo tiene poderosa anatomía: los músculos, las venas y tendones, reproducidos con Realismo.El rostro expresa desesperación y agonía, y muestra acusados contrastes de luces y sombras, con marcadas arrugas, los ojos hundidos y el cabello voluminoso y revuelto./las figuras tienen una disposición frontal y cabe pensar que fue diseñada para ser observada desde este punto de vista/Esta obra muestra la investigación sobre la anatomía y la expresión de los sentimientos que se llevó a cabo durante siglos. Aunque, los autores de la obra fueron más allá y utulizaron la posición inverosímil para conseguir más dramatismo. Es propio de esta etapa sacrificar los principios cl´´asicos en favor de un mayor efectismo.

MENINAS

Obra pictórica perteneciente al Barroco español de mediados del Siglo XVII. Obra de Velázquez, considerada como una de las obras más importantes del arte español por su calidad técnica impecable./En la imagen se ve cómo el pintor autorretratado está pintando en su estudio a los reyes de España, y la Infanta Margarita también les observa rodeada de miembros de la Corte Española. La obra está caracterizada por un gran Realismo, por la captación de un instante en al vida de la Corte Española, por la influencia del tenebrismo, por el estudio de calidades, por introducir obras de arte dentro de otras, por el estatismo general, por la profundidad, la perspectiva y por el simbolismo./La obra tiene siete elementos a describir: Primero, observamos un autorretrato de Velázquez en la parte izquierda de la imagen, éste se encuentra con su paleta frente a cuadro que está pintando apoyado sobre el caballete. Velázquez aparece entre penumbras y mira al espectador (los reyes posando). En este personajes podemos ver la influencia del tenebrismo de la pintura barroca internacional. /Segundo, vemos el primer trío de personajes, es la Infanta Margarita con dos de sus sirvientas. El perfil psicológico se capta fácilmente en el rostro de la Infanta, arrogante y distante pese a ser una niña, además, tiene una pose como si fuese una mujer adulta. El vestido que lleva es el típico de la Corte española de la época, y aquí hay un gran estudio de las calidades de las distintas telas del ropaje. Vemos también cómo ella está girada y mira al espectador. La gran variedad de tonalidades es espectacular. La dos sirvientas se arrodillan ante la Infanta, como simbolización del poder y el estatus de la Infanta frente a las otras dos. En ellas se observan sendos escorzos laterales, y los tocados están recreados con una gran técnica, con pinceladas sueltas. La luz impacta sobre esta parte de la obra./

Tercero, vemos el segundo trío de figuras a la derecha del cuadro. Vemos dos enanos y un perro. El enano más alto mira al infinito, y el otro al perro, con el cual juega. El perro es símbolo de fidelidad, en él se aprecian buenas calidades en su pelaje, y está retratado con un gran Realismo. Los enanos eran utilizados por la Corte como divertimento, como se aprecia en la imagen sus rostros son deformes en al mayoría de los casos. Estos enanos están retratados con un gran Realismo y con una gran dignificación./Cuarto, en las sombras a la derecha de la imagen podemos ver a una monja charlando con un hombre. Ambos aparecen en penumbra al margen de la escena principal ./Quinto, al fondo de la estancia, observamos un espejo en el cual se refleja, atención, a los reyes que está pintando Velázquez. Ésto nos remite al cuadro del Matrimonio Arnolfini, que cuenta con el mismo detalle. En este espejo se ve al Rey, a la Reina y un cortinaje rojo en la parte superior derecha del espejo ./Sexto, al fondo de la habitación vemos la puerta abierta, que genera mayor profundidad, dejando ver unas escaleras de subida y al posadero vijilando al escena y mirando al espectador. La luz entra por al puerta./Séptimo, el fondo que vemos en al imagen es de cuadros del propio pintor en su estudio. La paredes generan sensación de profundidad y perspectivas. Esta parte de la composición se encuentra en penumbras./ La líneas del cuadro están equilibradas, no predominan ni líneas verticales, ni horizontales ni diagonales. Se podría decir que es un cuadro de dimensiones internas proporcionadas. /La luz de la obra penetra en la estancia por un gran ventanal a la derecha de la imagen e impacta sobre las escenas que se quieren resaltar. Además, la luz entra por la puerta abierta del fondo.

PALACIO DE PERSÉPOLIS

En la imagen se aprecia un conjunto de restos donde se ve en un primer plano una entrada monumental adintelada o arquitrabada, en sus jambas tienen toros llamados lamasus. En el segundo plano se pueden observar varias columnas con fustes estriados y sus con prótomos-posiblemente formados por toros o caballos-. Todo se encuentra realizado en piedra, cuya técnica es la piedra esculpa. A partir de esta descripción creemos que puede tratarse del Palacio de Persépolis, construido bajo el reinado de Darío I. En esta foto, concretamente, muestra la sala de audiencias, llamada apadana, la cual está presidida por los lamasus, los cuales se creían que servían de protección. La forma con la que se construían los capitales daba lugar a la colocación de vigas que formaban el techo, era plano y decorado. A lo largo de todo el palacio y por influencia asiria, los palacios persas estaban decorados con relieves que aludían al carácter sagrado del monarca. En algunas zonas había muestras religiosas en las que se enfrentaban leones y ciervos, que representaban el mal y el bien. Debido a la influencia babilónica representaron grandes dragones y guerreros que cumplían la misma función que los lamasus, proteger el palacio. El palacio estaba organizado en salas hipóstilas y terrazas. Estaba decorado por animales y por el ejército. La arquitectura persa estaba constituida por palacios y tumbas. Los palacios eran tan importantes debido a la inexistencia de templos, ya que estos eran el centro de decisiones y servían para la celebración de ceremonias. Otro palacio importante fue el que mandó a construir Ciro II, llamado Pasargada.

PIRÁMIDES DE KEOPS, KEFREN Y MIKERINOS

Es una fotografía del exterior de las pirámides de los faraones Keops, Kefren y Mikerinos. Son tres pirámides regulares de distinto tamaño y está construida con piedras y ladrillos de barro cocido. La pirámide está formada por cuatro muros inclinados y triangulares, que acaban en un vértice superior central la pirámide regular. Tienen una estructura perfectamente alienada frente a las de tipo escalonado y acodado. Los elementos decorativos más destacables se encuentran en su interior: en las cámaras funerarias y en el templo funerario y en el templo del valle. Las pirámides están dispuestas de forma alineada. Este conjunto piramidal tiene una gran armónía, aunque sus pirámides tienen distinta altura. Son edificios funerarios en conmemoración a los faraones de la tercera dinastía del Imperio Antiguo (Keops, Kefren y Mikerinos). Está situada en la meseta de Giza, en la zona oeste del Nilo. El sentido era la permanencia del difunto en la ultratumba, la eterna estancia en su reino, y se elegía la zona oeste del río para que la entrada de los templos estuvieran orientados de cara al sol, y eran edificados en la orilla del río porque éste era símbolo de poder y buenas cosechas.

NEFERTITI

Es una escultura de bulto redondo, un busto, y el material del que está hecha es la caliza policromada. Se sitúa en el Imperio nuevo egipcio; en este período se produce la revolución religiosa monoteísta. Se representa principalmente para ser vista de frente, por eso debe ser contemplada de esta manera, aunque también puede ser vista de perfil. Está representada con muchos colores, aunque predomina el azul. Se trata de una figura humana y su naturaleza es realista, ya que la belleza que podemos observar en el busto, es real. El rostro es inexpresivo, distante y con la mirada dirigida al frente y perdida. Su anatomía es proporcionada y correcta, y representa unas facciones modernizadas.

LA VOCACIÓN DE SAN MATEO

Este lienzo está ubicado en la capilla funeraria de un noble francés, junto a otros dos del mismo autor. Fue pintado hacia el año 1600 y es una de las obras más representativas del naturalimo Barroco./El cuadro relata un episodio del evagenlio: Cristo llama a un reacaudador de impuestos para que se una a él.La escena se desarrolla en un interior oscuro, en la que las figuras ocupan la parte inferior del cuadro.Las figuras forman dos grupos:el de Mateo, que pregunta asombrado si es a él a quien Cristo llama, y el que forman Cristo y San Pedro.El hombre que aparece de espaldas sirve de nexo entre los dos grupos./Las figuras están individualizadas y cuentas con facciones de personas realies.Caravaggio viste a San Mateo y sus comñaeros según la moda de su tiempo, mientras que Cristo y San Pedro llevan túnicas y mantaos. En la obra la llamada de Cristo aparece como un gesto sencillo, ya que los protagonistas no muestran mayor transcendencia./las figuras aparecen iluminadas de forma muy constrastada por la luz que entra por la parte superior derecha.Sirve para destacar aquellos detalles que aportan verimos a la escena./La pintura religiosa de Caravaggio fue criticada con frecuencia por su falta de decoro y dignidad, aunque muchos también la admiraron por traer a la realidad contidiana los mensajes del Evangelio. El Realismo de la escena muestra los milagros como parte de este mundo, y la forma en que representa a Cristo-casi oculto- recuerd ala humildad de su origen y su mensaje./

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