Tema 2. Criterios de análisis

Introducción

El arte ha evolucionado con el paso de los años; conforme el hombre va cambiando y evolucionando, éste va tomando conceptos diferentes del arte, modificándolos y avanzando en nuevas técnicas, según cambie su ideología, política, filosofía, etc., y crea símbolos que representan un significado especial que transmite sus emociones.

Cada siglo tiene algo que aportar; cada artista deja una muestra de sus pensamientos e ideales que han transformado el arte al pasar de los años.

En este tema, revisarás la interacción del arte y la sociedad, su importancia e influencia para dejar testimonio de la época.

Explicación

2.1 Tiempo y espacio

En el concepto de la historia se han replanteado dos nuevas definiciones del tiempo y el espacio.
El tiempo no se concibe como algo lineal; tampoco se siguen pistas de las acciones de los artistas y el estilo; de acuerdo con Freeman (1992), el tiempo, más bien se representa como un espacio multidireccional en el que existen varios grupos culturales y socioeconómicos que influyen en la producción artística y en el conocimiento del arte, así como los valores relacionados con él, se configuran por la crisis que sucede al enfrentamiento de clases sociales y culturas.

La historia no es algo únicamente del pasado, por el contrario, todos seguimos viviendo en un espacio cultural e histórico que nos sitúa en algún momento y nos va dando una forma, aunque no existe la posibilidad de cambio, ya que lo sucedido queda estampado en un espacio como conciencia colectiva.

La historia del arte es una disciplina que estudia la evolución del arte a través del tiempo. Un historiador de arte es un experto en el valor histórico. Se basa en la difusión y el tiempo del espacio aplicado a la arquitectura, pintura, escultura, fotografía, literatura, cine, danza y música. Para un historiador de arte es vital no pensar que el tiempo y el espacio son algo separado, sino que uno es parte del otro.

Un historiador debe descifrar una iconografía, atribuir las obras a los artistas y períodos concretos, restaurar el arte y traspasar escritos de investigaciones para registrar e informar hechos específicos. Basado en todo esto, el historiador de arte tiene tres misiones:

Estudiar el objeto artístico

Es un proceso complejo que consta de reunir información de la obra que se estudiará, la cual deberá proporcionar datos que permitan resolver dudas históricas para llegar a un mejor análisis.

Otro proceso es reunir bibliografías e información arqueológica, sobre todo del lenguaje de la época de la obra y de sus técnicas. Con esto se puede hacer un juicio estético y valorar la calidad, profundizar en el autor, hacer comparaciones y descubrir soluciones que respondan preguntas o dudas históricas para llegar a un análisis formal de la obra.

Difundir sus estudios

Una vez que se concluyen las investigaciones de una obra de arte, se deben dar a conocer las conclusiones a través de congresos, libros, tesis, cursos o documentos.
Parte del trabajo del historiador de arte es difundir sus análisis y esto implica mucha honestidad y ética profesional, así como respeto a la autoría de las fuentes usadas en su investigación, por lo que es indispensable citarlas todas, tanto en los apéndices como en el pie de página y en la bibliografía de su trabajo.

Conservar la obra

Su función es participar junto a un equipo de especialistas (como arqueólogos, arquitectos, pintores, petrólogos y geólogos) para conservar una obra y evitar abusos o daños que se puedan hacer a la obra por falta de asesoramiento y conocimiento histórico.

Dentro de esta rama está el restaurador de arte, quien trabaja en la conservación, tratamiento, prevención y cuidado de las obras. Muchos museos tienen su propio taller y equipo de restauradores que dan mantenimiento constante a las obras de arte dañadas o desgastadas. Estos deben saber sobre arte, materiales usados, química de productos y técnicas que se utilizan para restaurar la integridad total del arte.

Museógrafo

Es quien cuida el correcto funcionamiento y organiza las exposiciones, tanto permanentes como temporales en un museo. Verifica la organización interna, así como de la relaciones de la institución en su contexto social y cultural. Además debe organizar su correcta presentación, ambientación, colores, seguridad y cuidado de las obras de arte para que éstas sean bien apreciadas por el espectador, basándose en el ordenamiento, temporalidad y el público como líneas generales para las exposiciones.

En museos como el Louvre de París, existen programas con actividades como visitas guiadas, guías grupales según edades; formación, encuentros para personas con discapacidad cognitiva y física, así como para personas con diferencias sociales. De esta forma se acerca a las personas a la enseñanza del arte y a ampliar sus conocimientos.

Es una figura esencial para cualquier museo; es quien investiga, cataloga y conoce profundamente el patrimonio cultural que posee el museo donde se encuentra.

Como puedes ver, detrás de una pieza de arte hay muchas personas que de una forma u otra logran tener la información a tu disposición y descifrar los enigmas que ha dejado el hombre a través de la historia.

2.2 Arte y ambiente: natural y sociocultural

Para comenzar este tema, primero definamos lo que es el arte:

El arte y sociedad o sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia al arte como producto de la sociedad humana. Para esto se deben analizar diferentes componentes sociales y disciplinas como:

• Sociología
• Política
• Economía
• Antropología
• Filosofía
• Religión

Desde hace muchos siglos que el arte se asocia a la política, religión y economía de manera profunda, sobre todo para mostrar poder e ideolologías, ya que se han movido en función del mecenazgo que ha buscado su exaltación en una obra de arte.

En la Edad Media, época del cristianismo en todo su esplendor, comienzan las indulgencias, estrechamente ligadas al pecado, penitencia, remisión y purgatorio.
Las indulgencias son un pago que se hace a la iglesia católica con el fin de liberar el alma de pecados y del purgatorio. En el Siglo XVI los abusos de éstas dieron pie a la reforma protestante encabezada por Martín Lutero.

Como ejemplo, está la Catedral de Nuestra Señora de la ciudad de Ruan, llamada popularmente Torre de Manteca, dado a que su construcción fue financiada con indulgencias pagadas a la iglesia católica por la venta de anulaciones concedidas para poder consumir carne durante la cuaresma.

A su vez, en la época de la monarquía, después de la Edad Media, se da inicio a una presión económica muy fuerte hacia los burgueses a través de los impuestos que debían pagar al monarca, el cual destinaba este dinero a sus lujos; dentro de ellos estaban la construcción y la pintura.

Con el poder y la economía que tenían como monarcas, podían disponer de la mejor calidad a la hora de hacerse retratar, llamando a los mejores maestros de su momento. De la misma forma, el maestro elegido se enorgullecía en pintar al rey y a su familia, ya que lo dotaba de trabajo, prestigio y una economía segura.

Veamos el ejemplo de Felipe V de Borbón, Rey de España entre 1700 y 1724. Louis-Michel van Loo, pintor francés, fue quien tuvo el honor de ser pintor de cámara de la corte de este reinado en Madrid por muchos años, retratando a la familia individual y grupalmente.

En el Siglo XX, la sociedad cambia constantemente, dando paso a nuevos factores de difusión en medios de comunicación, donde aparece la cultura de masas, creando conceptos nuevos que serán fabricados a gran escala y finalmente con técnicas industriales. Se crea un nuevo concepto apoyado por la mercadotecnia que abre nuevos fundamentos de cultura comercial y sociedad de consumo.

Entre los objetos de estudio de la sociología del arte se encuentran factores que interceden desde un punto de vista social en la formación artística, desde aspectos como el ambiente social del artista o la organización sociocultural del público, hasta el mecenazgo, el mercantilismo y comercialización del arte a través de galerías de arte, coleccionistas, museos, las instituciones de beneficencia artística, entre otras.

Finalmente, el arte va ligado a la sociedad, va pegado con la experiencia estética y la estética con los sentimientos y emociones humanas. Ambos términos no se pueden separar, el arte ha trascendido y se ha modificado porque la sociedad ha cambiado, ha evolucionado, se ha transformado según los acontecimientos que ha vivido.

Como ejemplo, puedes ver que el arte contemporáneo está alejado completamente de la iglesia y de sus ideales, incluso de los ideales que los demás quieren, ya que éste surge de la espontaneidad y la libertad del artista individual, con estilos y movimientos diferentes, extraños, innovadores, independientes e inspirados en ellos mismos; esto va muy ligado a la diferencia de motivación y propósito de reproducir arte. Antes, al pintor le pagaban por pintar algo específico, ya planeado y estructurado; hoy el pintor pinta lo que desea pintar, ¿por qué? Porque la sociedad ha cambiado su forma de ver el arte. 

2.3  Arte como símbolo

Hay ocasiones en que una obra de arte provoca una emoción o sensación en el espectador a través de lo que nuestros sentidos son capaces de captar. Algunos estilos buscan representar la realidad tal cual de la escena, otros simplemente buscan que esa realidad se sienta y otros no quieren propiciar ningún sentido más bien que el espectador sienta lo que quiera.

El símbolo es una representación perceptible de una idea; sólo posee un vínculo convencional entre un significado y un significante.

Un símbolo es un pictograma con algún significado propio

Esto varía según la cultura, la sociedad, política, etc. Este pictograma quiere exteriorizar un pensamiento o una idea para expresar algo a través de un significado. El arte se aprecia como símbolo cuando la imagen tiene un segundo significado, además del visual, que es muy obvio para el espectador.

Veamos un ejemplo, el cuadro de la Ejecución de Lady Jane Grey en 1554, pintado por Paúl Delaroche.

En esta breve descripción puedes observar varios símbolos:

• El color del vestuario del verdugo, su postura y el hacha
• Postura de la persona que la ayuda
• Una doncella mirando la pared
• Una doncella llorando
• El vestido blanco de Jane
• Los ojos vendados de Jane
• La oscuridad del fondo de la escena

Aunque el cuadro fue pintado 270 años después, el pintor se basó en las crónicas de las narraciones anónimas de la ejecución de la reina, las cuales describían la situación. A pesar de no retratar los detalles protocolares de la realeza, aun así, usa los simbolismos de tal forma que logra plasmar la expectativa de mantener la angustia y el horror de asistir como espectadores a uno de los actos más atroces que fue capaz de realizar el ser humano.

Museógrafo

Es quien cuida el correcto funcionamiento y organiza las exposiciones, tanto permanentes como temporales en un museo. Verifica la organización interna, así como de la relaciones de la institución en su contexto social y cultural. Además debe organizar su correcta presentación, ambientación, colores, seguridad y cuidado de las obras de arte para que éstas sean bien apreciadas por el espectador, basándose en el ordenamiento, temporalidad y el público como líneas generales para las exposiciones.

En museos como el Louvre de París, existen programas con actividades como visitas guiadas, guías grupales según edades; formación, encuentros para personas con discapacidad cognitiva y física, así como para personas con diferencias sociales. De esta forma se acerca a las personas a la enseñanza del arte y a ampliar sus conocimientos.

Es una figura esencial para cualquier museo; es quien investiga, cataloga y conoce profundamente el patrimonio cultural que posee el museo donde se encuentra.

Como puedes ver, detrás de una pieza de arte hay muchas personas que de una forma u otra logran tener la información a tu disposición y descifrar los enigmas que ha dejado el hombre a través de la historia.

2.2 Arte y ambiente: natural y sociocultural

Para comenzar este tema, primero definamos lo que es el arte:

El arte y sociedad o sociología del arte es una disciplina de las ciencias sociales que estudia al arte como producto de la sociedad humana. Para esto se deben analizar diferentes componentes sociales y disciplinas como:

• Sociología
• Política
• Economía
• Antropología
• Filosofía
• Religión

Desde hace muchos siglos que el arte se asocia a la política, religión y economía de manera profunda, sobre todo para mostrar poder e ideolologías, ya que se han movido en función del mecenazgo que ha buscado su exaltación en una obra de arte.

En la Edad Media, época del cristianismo en todo su esplendor, comienzan las indulgencias, estrechamente ligadas al pecado, penitencia, remisión y purgatorio.
Las indulgencias son un pago que se hace a la iglesia católica con el fin de liberar el alma de pecados y del purgatorio. En el Siglo XVI los abusos de éstas dieron pie a la reforma protestante encabezada por Martín Lutero.

Como ejemplo, está la Catedral de Nuestra Señora de la ciudad de Ruan, llamada popularmente Torre de Manteca, dado a que su construcción fue financiada con indulgencias pagadas a la iglesia católica por la venta de anulaciones concedidas para poder consumir carne durante la cuaresma.

A su vez, en la época de la monarquía, después de la Edad Media, se da inicio a una presión económica muy fuerte hacia los burgueses a través de los impuestos que debían pagar al monarca, el cual destinaba este dinero a sus lujos; dentro de ellos estaban la construcción y la pintura.

Con el poder y la economía que tenían como monarcas, podían disponer de la mejor calidad a la hora de hacerse retratar, llamando a los mejores maestros de su momento. De la misma forma, el maestro elegido se enorgullecía en pintar al rey y a su familia, ya que lo dotaba de trabajo, prestigio y una economía segura.

Veamos el ejemplo de Felipe V de Borbón, Rey de España entre 1700 y 1724. Louis-Michel van Loo, pintor francés, fue quien tuvo el honor de ser pintor de cámara de la corte de este reinado en Madrid por muchos años, retratando a la familia individual y grupalmente.

En el Siglo XX, la sociedad cambia constantemente, dando paso a nuevos factores de difusión en medios de comunicación, donde aparece la cultura de masas, creando conceptos nuevos que serán fabricados a gran escala y finalmente con técnicas industriales. Se crea un nuevo concepto apoyado por la mercadotecnia que abre nuevos fundamentos de cultura comercial y sociedad de consumo.

Entre los objetos de estudio de la sociología del arte se encuentran factores que interceden desde un punto de vista social en la formación artística, desde aspectos como el ambiente social del artista o la organización sociocultural del público, hasta el mecenazgo, el mercantilismo y comercialización del arte a través de galerías de arte, coleccionistas, museos, las instituciones de beneficencia artística, entre otras.

Finalmente, el arte va ligado a la sociedad, va pegado con la experiencia estética y la estética con los sentimientos y emociones humanas. Ambos términos no se pueden separar, el arte ha trascendido y se ha modificado porque la sociedad ha cambiado, ha evolucionado, se ha transformado según los acontecimientos que ha vivido.

Como ejemplo, puedes ver que el arte contemporáneo está alejado completamente de la iglesia y de sus ideales, incluso de los ideales que los demás quieren, ya que éste surge de la espontaneidad y la libertad del artista individual, con estilos y movimientos diferentes, extraños, innovadores, independientes e inspirados en ellos mismos; esto va muy ligado a la diferencia de motivación y propósito de reproducir arte. Antes, al pintor le pagaban por pintar algo específico, ya planeado y estructurado; hoy el pintor pinta lo que desea pintar, ¿por qué? Porque la sociedad ha cambiado su forma de ver el arte. 

2.3  Arte como símbolo

Hay ocasiones en que una obra de arte provoca una emoción o sensación en el espectador a través de lo que nuestros sentidos son capaces de captar. Algunos estilos buscan representar la realidad tal cual de la escena, otros simplemente buscan que esa realidad se sienta y otros no quieren propiciar ningún sentido más bien que el espectador sienta lo que quiera.

El símbolo es una representación perceptible de una idea; sólo posee un vínculo convencional entre un significado y un significante.

Un símbolo es un pictograma con algún significado propio

Esto varía según la cultura, la sociedad, política, etc. Este pictograma quiere exteriorizar un pensamiento o una idea para expresar algo a través de un significado. El arte se aprecia como símbolo cuando la imagen tiene un segundo significado, además del visual, que es muy obvio para el espectador.

Veamos un ejemplo, el cuadro de la Ejecución de Lady Jane Grey en 1554, pintado por Paúl Delaroche.

En esta breve descripción puedes observar varios símbolos:

• El color del vestuario del verdugo, su postura y el hacha
• Postura de la persona que la ayuda
• Una doncella mirando la pared
• Una doncella llorando
• El vestido blanco de Jane
• Los ojos vendados de Jane
• La oscuridad del fondo de la escena

Aunque el cuadro fue pintado 270 años después, el pintor se basó en las crónicas de las narraciones anónimas de la ejecución de la reina, las cuales describían la situación. A pesar de no retratar los detalles protocolares de la realeza, aun así, usa los simbolismos de tal forma que logra plasmar la expectativa de mantener la angustia y el horror de asistir como espectadores a uno de los actos más atroces que fue capaz de realizar el ser humano.