En 1871, un grupo de compositores entre los que se encontraba Sain-Saëns, Emmanuel Chabrier y Gabriel Fauré, fundan la Sociedad Nacional de Música Francesa, en un intento de medir la penetrante influencia de Wagner, con el propósito de inspirar un renacimiento musical de carácter específicamente francés. En ella se trató de resucitar la música absoluta, de volver a los principios de orden y claridad.

La Música Impresionista

El Impresionismo musical es un movimiento estilístico que surgió en Francia a finales del siglo XIX y se extendió hasta principios del XX. Lo encabezó el compositor francés Claude Debussy.

Como característica común, podemos decir que los impresionistas, para lograr sus propósitos expresivos, realzan el color tímbrico, el acorde o el humor, en lugar de profundizar en el desarrollo de formas antiguas como la sonata o la sinfonía.

Las formas preferidas del Impresionismo musical, al igual que las de los pintores impresionistas, no son las grandes formas románticas sino las piezas de carácter descriptivo.

Recurren, por ejemplo, a elementos nuevos como la escala de tonos enteros:

• También utilizan con frecuencia intervalos muy extensos, que apenas habían sido empleados hasta entonces con este sentido, como la novena.
• Asimismo, emplean a menudo sonoridades medievales por medio de intervalos armónicos formados a partir de cuartas y quintas.
• O bien usan directamente antiguos modos medievales.

Debemos señalar que el piano, durante el Impresionismo, exigió de los intérpretes un gran esfuerzo, debido al uso de los pedales para otorgar resonancia y color a las nuevas sonoridades.

En el lenguaje pictórico, el color del acorde se tradujo en la búsqueda de la luz y en el uso de colores dispuestos en finos puntos sobre el lienzo; la difuminación de la melodía se correspondía con la existencia, en los cuadros, de líneas difuminadas.

Además, los pintores impresionistas mostraron su preferencia por la naturaleza y los temas cotidianos, frente a la pintura romántica, llena de héroes y temas grandilocuentes.

Por encima de todas las características del Impresionismo es necesario destacar la búsqueda de la luz, que provoca el uso de sombras coloreadas, lejano de la tradicional concepción del claroscuro.

La literatura de la época, en la que predominaba el Simbolismo, también muestra claros paralelismos con la música. Debemos señalar la exquisitez del lenguaje y la elección de las palabras por su sonoridad y no solo por su significado.

Las nuevas corrientes estéticas influyeron sin duda sobre los compositores de la época, lo que explica la sensación de refinamiento que produce la música impresionista, su carácter expresivo y elegante, y su enorme sensualidad.

Erik Satie y Claude Debussy

Erik Satie

• Estudió arte gótico y música medieval
  • El canto gregoriano como base para un nuevo tipo de melodía postromántica
  • Técnicas como el organum, gymel, fabordón.
• Influencia de la música oriental
• Retoma los viejos modos eclesiásticos, escalas del folclore, escala de tonos enteros y la escala octáfona de secuencia tono-semitono.
• Influencias: música popular, jazz, music-hall.
• Indicaciones humorísticas
  • Sustituye las indicaciones de la interpretación tradicional.
  • Títulos humorísticos tenían el mismo propósito: Preludios flojos, Embriones secos, Tres piezas en forma de pera.

Otras obras: Gymnopédies, Vexations, Parade (ballet), Música de mobiliario.

AUDICION
Tres piezas en forma de pera – Erik Satie

Claude Debussy

• Recursos composicionales a través de la importancia de técnicas de tradiciones distintas como:
  • La música del gamelán.
  • La música medieval: modos gregorianos, organum, gymel, fabordón.
• Impresionismo:
  • Evocación de sentimientos, impresiones, atmósferas
  • Arabescas: tipo de melodía ornamental, melodía libre, de “curvas naturales”
  • Nuevos efectos tímbricos
• Recursos escalísticos: escalas de tonos enteros, exóticas, pentáfonas, modales…
• Estructuras tipo mosaico:
  • Aparecen varias unidades musicales que se combinan por medio de sucesiones, realizadas aparentemente al azar, sin que se den conexiones estrictamente lógicas entre ellas.

Obras: Prélude à l’après-midi d’un faune, Pelléas et Mélisande (ópera), Nocturnos, La mer.

AUDICION
Prélude à l’après-midi d’un faune – Debussy

Maurice Ravel

• Presenta una gran habilidad para juntar diversos materiales y formar un todo consistente.
• Elementos musicales empleados:
  • Músicas exóticas (Shéhérazade, Rapsodia española)
  • Bailes populares (Valses nobles y sentimentales, La Valse)
  • Danzas antiguas (Le Tombeau de Couperin)
  • Jazz (Concierto para piano en Sol mayor)
• Trabajos de orquestación (Bolero)
• Tipos formales tradicionales
• Influencias de Debussy:
  • Creación de atmósferas: Daphnis et Chloé (ballet), Jeux d’eau, Miroirs (suite).
  • Armonías no convencionales, pero con un empuje tonal mayor.
  • Ideas melódicas breves.
• Técnicas modernas: la bitonalidad (L’enfant et les sortilèges (ópera)).

AUDICION
Concierto para piano en Sol mayor – Maurice Ravel

La Herencia de Wagner

La Música, los Músicos y el Público

La influencia de Wagner en la música del siglo XX es enorme, especialmente en lo que se refiere al lenguaje armónico creado por el compositor alemán en sus últimas obras.

Como vimos en la unidad dedicada a la ópera, Wagner llevó la tonalidad, entendida como transcurso y direccionalidad de la música, a sus límites. Recuerda que en el preludio de su ópera Tristán e Isolda el cromatismo llega a tal punto que confunde las tonalidades. La resolución de las cadencias es infinitamente larga y los acordes poseen tal carga de ambigüedad tonal que dejan en entredicho la tonalidad sobre la que está construida la obra.

Este tratamiento desintegrador de la tonalidad evolucionó hacia una anarquía tonal en la que la mayoría de los compositores se sentían incómodos. El dodecafonismo, inventado por el fundador de la Segunda Escuela de Viena, Arnold Schönberg, fue el paso siguiente en la abolición de las jerarquías tonales clásicas, al convertirse en un nuevo sistema de composición que fue seguido por los músicos más importantes del siglo XX.

La Segunda Escuela de Viena está compuesta por los tres principales representantes del dodecafonismo: Arnold Schönberg, Alban Berg y Anton Webern.

A los músicos de esta generación les tocó vivir momentos dramáticos; el nazismo y la guerra obligaron a emigrar a muchos de ellos. Además, el nuevo sistema de composición resultaba extraño, enigmático y demasiado intelectual para el público de su tiempo, por lo que la mayoría de las obras compuestas en este estilo, al menos al principio, tuvieron que ser estrenadas en salas para un público reducido o en salones o círculos de amigos.

La Segunda Escuela de Viena

Arnold Schönberg

Periodo I

• Influencias:
  • Brahms: Noche transfigurada.
  • Wagner: Pelléas et Mélisande y Gurrelieder.
• Aspectos técnicos:
  • Variación desarrollada: continua evolución y transformación del material temático, evitando repeticiones literales.
  • Prosa musical: discurso musical continuado que carece del equilibrio simétrico producido por las frases o secciones de igual duración y por la existencia de un contenido motívico correspondiente.
  • Escalas de tonos enteros y acordes por cuarta.
• Obra destacada: Sinfonía de cámara.

Periodo II: Expresionista

• Atonalidad: empleo de un espacio cromático libre.
• Aspectos esenciales:
  • Emancipación de la disonancia: la tríada ya no es considerada como la única referencia armónica desde la cual se derivan el resto de las sonoridades verticales.
  • Tendencia a la saturación cromática: utilización de las doce notas en una rotación más o menos contrapuntística.
  • Carácter contrapuntístico.
• Obras:
  • Pierrot lunaire (sprechstimme (cualidad vocal a caballo entre el recitativo y la canción)).

AUDICION
Pierrot lunaire – Llegar a casa (nº 20) – Arnold Schönberg

Periodo III

• Formula su método dodecafónico: permite un control más consciente sobre los materiales cromáticos.

Periodo IV

• Desarrolló un inesperado interés por la tonalidad que influyó en algunas de sus obras dodecafónicas como en la Oda a Napoleón.

La Continuación de Arnold Schönberg

Anton Webern

La biografía de Anton Webern (1883-1945) está estrechamente ligada a la de Schönberg, de quien fue alumno a partir de 1904. La influencia del maestro pronto se hizo evidente, tanto en las ideas filosóficas como en la técnica compositiva.

La llegada de los nazis al poder obligó a Schönberg (de origen judío) a huir de Alemania. Webern, por su parte, tuvo que dedicarse a trabajar como lector y corrector de pruebas editoriales.

El estilo de Anton Webern se caracteriza por una prodigiosa capacidad para sintetizar y condensar todo el material de la serie dodecafónica en obras muy cortas y concisas.

AUDICION
Seis piezas para orquesta op. 6 – Anton Webern

Alban Berg

Alban Berg, también representante de la Segunda Escuela de Viena, al cual ya hemos estudiado en el bloque dedicado a la ópera del siglo XX, combinaba en sus obras fragmentos tonales con otros dodecafónicos. En algunas ocasiones, como en el Concierto para violín, intentó que las series dodecafónicas incluyeran acordes tradicionales, con lo cual creó una música más afín a los oídos del público al que iba dirigida. Por ello, Berg es el autor de la Segunda Escuela de Viena más asiduo en las programaciones de conciertos actuales, aun cuando los seguidores acérrimos del serialismo prefieran la música de Webern.

AUDICION
Concierto para violín – Alban Berg

Otros Caminos en la Música del Siglo XX

La Música, los Músicos y el Público

Hasta aquí hemos esbozado un panorama de las diferentes tendencias que conviven en la música del siglo XX. Pero esta clasificación no deja de ser incompleta y parcial, ya que la mayoría de los autores tratados hasta aquí no se limitaron a componer en los estilos en que los hemos clasificado, sino que exploraron otros campos. Por ejemplo, Stravinski pasó del ballet posromántico a un estilo personal; compuso obras neoclásicas, pero también obras serialistas y otras difícilmente etiquetables. Lo mismo ocurre con Olivier Messiaen, Pierre Boulez, etc.

En esta unidad vamos a estudiar aquellos autores que escapan a cualquier intento de clasificación, por tratarse de músicos que demostraron un estilo propio, a pesar de que en muchas de sus obras encontremos elementos que podemos identificar como pertenecientes a estilos conocidos. Algunos de ellos pueden ser considerados visionarios, ya que sus obras se adelantaron a la música de su tiempo utilizando técnicas impensables para la época en que fueron escritas; otros, por el contrario, buscaron la fuente de inspiración en elementos musicales remotos.

Los Visionarios

Charles Ives

Este autor (1874-1954), que tuvo que dedicarse a vender seguros para subsistir, compuso una serie de obras que anticiparon muchas de las técnicas vanguardistas que hemos estudiado en la unidad anterior. En efecto, Ives empleó técnicas muy avanzadas para su tiempo:

• Politonalidad (consiste en superponer varias tonalidades, lo que produce una sensación de pérdida tonal): Variations on «America» para órgano (1888).
• Cuartos de tono: Three quarter-tone pieces.
• Collage: From the Steeples and the Mountains.

También es autor de Tres lugares de Nueva Inglaterra y Cuarteto de cuerda, obras de marcado carácter vanguardista.

Otro compositor visionario estadounidense conocido por sus innovaciones y su gran variedad de tendencias es Henry Dixon Cowell (1897-1965).

• Obras de carácter experimental
  • Utilización de series de alturas y de ritmos.
  • Espacialidad (La pregunta sin respuesta)

El Neoclasicismo

El Neoclasicismo es un estilo musical que se basa en la recuperación de la claridad de las formas y la contención expresiva propias de los periodos Barroco y Clásico. Nació en el periodo de entreguerras como una respuesta más a los excesos del Posromanticismo. Aunque no emplea las técnicas de la recién descubierta dodecafonía, utiliza la disonancia para crear atmósferas.

Igor Stravinsky

• Periodo ruso: uso de materiales folclóricos rusos (hasta 1920)
  • Influencia de Rimsky-Korsakov: escalas no occidentales y orquestación brillante
  • Complicidad rítmica:
  • Conjuntos musicales poco numerosos
• Obras:
  • Las bodas
  • La historia de un soldado
• Ballets:
  • El pájaro de fuego
  • Petrushka
  • La consagración de la primavera
• Periodo neoclásico: vuelta al pasado
  • Tipos de obras:
    • Las que expresan composiciones reales como modelo
    • Las que toman rasgos estilísticos para composiciones originales
  • Obras:
    • Pulcinella
    • Octeto para instrumentos de viento

El Grupo de los Seis (Les Six)

• Francis Poulenc
• Darius Milhaud
• Arthur Honegger
• Georges Auric
• Germaine Tailleferre
• Louis Durey

Francis Poulenc

• Lenguaje conservador:
  • Vuelta a la tonalidad
  • Armonía triádica
  • Inflexiones modales y progresiones armónicas atípicas
• Contornos melódicos claros y gran lirismo.
• Repertorio:
  • Primeras obras: Movimientos perpetuos, Los ciervos
  • Obras religiosas: Stabat Mater
  • Ópera: Diálogos de carmelitas

Darius Milhaud

• Ballets:
  • Le Bœuf sur le Toit (música popular brasileña)
  • Le Train Bleu (gay, frívola y superficial a la manera de Offenbach)
  • La Création du Monde (influyó en el jazz americano)
• Opéras-minutes
  • Temas de la mitología griega
  • 10 minutos de duración
• Canciones: basadas en textos extraídos de catálogos.
  • Máquinas agrícolas
  • Catálogos de flores
• Politonalidad
  • Saudades do Brasil
• Ópera
  • Christophe Colomb

AUDICION
Le Bœuf sur le Toit – Milhaud

Caminos Solitarios

Italia

Luigi Nono

Dotó al serialismo de un gran poder expresivo en Il canto sospeso (1956), pero en su último periodo compuso obras de gran lirismo, como La lontananza utopica futura o No hay caminos, hay que caminar….

Bruno Maderna

• Obra destacada: Hyperion (ópera), Don Perlimpín (ópera)
• Influido por el estilo neoclásico, estudió posteriormente la técnica dodecafónica aplicándola de una forma muy personal
• Exploró las vías del serialismo combinando la exactitud de las operaciones de transformación con evocaciones melódicas antiguas o con el uso de melodías folclóricas

Luciano Berio

Participó de todas las vanguardias de forma tan original que resulta imposible encasillarlo.

• Recuperó músicas populares, sin detenerse exclusivamente en lo pintoresco y folclórico, como en sus Folk Songs o en los arreglos que realizó sobre música de los Beatles.
• Investigó nuevas posibilidades instrumentales en las series de obras denominadas Sequenza y Chemins.

Por su enorme creatividad, Luciano Berio es considerado uno de los mejores compositores del siglo XX.

Francia

Olivier Messiaen

Situado en el origen de las vanguardias, el caso de Messiaen es tremendamente atípico. A pesar de que su Mode de valeurs et d’intensités fue el germen de la música serial absoluta, este compositor abandonó muy pronto la determinación de los parámetros sonoros y su misticismo católico le llevó a preocuparse por otras cuestiones, como la relación entre el tiempo y el espacio, o la búsqueda de un «tiempo musical sin tiempo» por medio del uso de microrritmos que disolvieran la sensación de direccionalidad. Estudió los cantos de los pájaros, que se dedicó a transcribir, y que tomó como patrones melódico-rítmicos para sus obras, y también realizó un estudio exhaustivo de las posibilidades de la modalidad.

Messiaen fue uno de los pocos músicos que, durante la posguerra, difundió las técnicas de Schönberg. Sus composiciones Cuarteto para el fin de los tiempos (1941), la sinfonía Turangalila o Los pájaros exóticos (1956-1958) representan y resumen el modo de pensar de los músicos del siglo XX.

• Técnicas de su lenguaje
  • Escalas sintéticas: escalas de transposiciones limitadas
  • Música carente de medida: ritmos por adición o disminución
  • Fuentes alejadas de la música occidental
    • Música hindú
    • Canto gregoriano
    • Canto de los pájaros: catálogo de pájaros
  • Naturaleza mística y religiosa: Veinte miradas sobre el Niño Jesús
  • Época experimental: Mode de valeurs et d’intensités
    • Cromatismo total
    • Técnicas seriales y dodecafónicas
    • Serialización rítmica, de articulación y dinámica
• Composiciones
  • Cuarteto para el fin de los tiempos
  • Sinfonía Turangalila
  • Los pájaros exóticos

AUDICION
Sinfonía Turangalila – Messiaen

Europa del Este

Béla Bartók

Fascinado por el folclore de su tierra (Hungría), hacia 1905 Bartók descubrió que la música popular de su país tenía como base música gitana reordenada según los criterios centroeuropeos. El propio Bartók, con ayuda de su amigo y compatriota, el compositor Zoltán Kodály, recogió de forma sistemática melodías originales húngaras. De este trabajo surgieron 12 volúmenes con 2.700 partituras de origen magiar, 3.500 de procedencia magiar-rumana y varios cientos de origen turco y del norte de África.

Tras estos descubrimientos, Bartók comenzó a desarrollar una especie de folclore imaginario que adornó con un contrapunto exquisito y una gran perfección formal basada en las relaciones matemáticas de las diferentes secciones. En sus obras, Bartók no transcribe el folclore de forma literal, sino que reescribe sus rasgos esenciales; el resultado es una música basada en escalas modales que pueden llegar a producir acordes tremendamente disonantes. Esto, unido al ritmo irregular y a las frases asimétricas, constituye lo esencial de su estilo.

En sus Seis cuartetos para cuerda puede verse la evolución del compositor. Destaca también su serie Mikrokosmos (1935), formada por seis volúmenes, que contiene 150 piezas para piano de dificultad progresiva. Su Música para percusión, cuerdas y celesta (1936) culmina su estilo compositivo.

AUDICION
Música para cuerdas, percusión y celesta (4º movimiento) – Béla Bartók

Witold Lutosławski

Este compositor polaco (1913-1994) se caracteriza por utilizar la técnica dodecafónica de forma muy personal (al igual que Bartók, usa las doce notas de forma libre, especialmente en grupos de tres notas), junto con técnicas aleatorias al estilo de las que hemos explicado en la unidad anterior.

En 1961 conoció a John Cage, y comenzó a incluir en sus composiciones secciones ad libitum, donde cada instrumento es independiente de los demás en cuanto al ritmo.

Desde entonces, este ha sido uno de los elementos característicos de las obras de Lutosławski.

Entre sus obras podemos destacar las piezas Chain («Cadena 1», 1983; «Cadena 2», 1985; «Cadena 3», 1986) compuestas por partes independientes que se escuchan juntas, pero no a la vez, sino unidas a modo de eslabones de una cadena; también son importantes la Sinfonía n.° 3 (1983), el Concierto para piano (1988) y la Sinfonía n.° 4 (1992), su última gran obra.

AUDICION
Concierto para orquesta – Witold Lutosławski

György Ligeti

• Sus inicios son una extensión del lenguaje de Bartók (Musica ricercata)
• Música electrónica:
  • Composiciones electrónicas
  • Música instrumental con influencias de la electroacústica: Atmosphères (orquesta)
• Alejamiento del cromatismo:
  • Influencia de Steve Reich y Terry Riley
  • Interés por los ritmos africanos
• Otras obras:
  • Le Grand Macabre (ópera): basada en el teatro del absurdo
  • Lux Aeterna
  • Requiem

AUDICION
Le Grand Macabre – György Ligeti

Etiquetas: Claude Debussy, dodecafonismo, Erik Satie, Impresionismo musical, Musica siglo xx, Neoclasicismo Musical, Segunda Escuela de Viena