El Arte en el Cinquecento y el Barroco

La Escultura del Cinquecento

En contraposición al siglo XV, y del mismo modo que en arquitectura, el siglo XVI estará marcado por el predominio de lo romano frente a lo florentino. En lo estrictamente formal, las delicadezas del Quattrocento y el amor por el detalle menudo cederán el paso a una grandiosidad monumental y simplificadora, ya intuida en las obras de Jacopo della Quercia.

Miguel Ángel Buonarotti

Uno de los máximos genios de la Historia, Miguel Ángel fue escultor. Su calidad excepcional y su extraordinaria sabiduría frente a las formas del cuerpo y las complejidades del espíritu hacen de él el prototipo universal del escultor, capaz de expresar en mármol cualquier concepto, idea o propósito, incluso el más complejo. Sus figuras, realizadas en mármol blanco de Carrara, son siempre grandiosas, monumentales y muestran una gran vitalidad. En su tiempo fue ya casi divinizado y sus obras, incluso las inacabadas, han sido durante siglos modelos fervorosamente estudiados.

De personalidad llena de rebeldía e idealismo, pasó su vida tras la búsqueda de la Idea de Belleza. Sus figuras no son reales, sino ideales. Sus primeras obras son aún clásicas, inspiradas directamente en las antiguas, pero tras conocer la obra de Jacopo della Quercia, su monumentalidad imprimirá un giro definitivo a su obra. El equilibrio entre forma bella y movimiento, propio del Quattrocento, lo rompe en favor del movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el Barroco.

• Pietá del Vaticano: Virginidad eterna y sin edad.
• David: Desnudo heroico, apreciamos los rasgos de su arte: la “terribilitá”, el carácter terrible y amenazador de sus figuras.

Pintura del Cinquecento

Este movimiento nace en Italia, país que tenía más cerca las fuentes que ahora van a servir de inspiración a los artistas renacentistas. Italia estaba salpicada de innumerables restos del Antiguo Imperio Romano, de los que los humanistas sacarán las mejores enseñanzas. Florencia continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas, o viajan por diversas ciudades.

• Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas.
• La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes; gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, junto con otros recursos (como poner el brazo en primer plano).
• Ya no hay obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo.
• Los paisajes se enriquecen, son más variados: unos luminosos, otros neblinosos o crepusculares, etc.
• La composición es clara, con frecuencia triangular, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal.

• Da Vinci: La Gioconda, La Virgen de las rocas.
• Rafael: La escuela de Atenas.
• Miguel Ángel: Capilla Sixtina.

La influencia de Venecia

La influencia de Venecia en la pintura es capital. En el siglo XV, los Bellini y Carpaccio ponen las bases de la escuela, caracterizada por su culto al color, que siempre prevalece sobre el dibujo. En el siglo XVI, los grandes maestros Giorgione, Tiziano, Veronés y Tintoretto descubren en la pintura posibilidades que se explotarán en el Barroco.

• Además de prestar más atención al color que al dibujo, prefieren la forma a los contornos, dan gran importancia a los temas secundarios y a los paisajes poéticos llenos de luces.
• Influye también en sus composiciones el hecho de que sea una república comercial, que a ella lleguen gentes de lejanos países, la alegría de vivir de su sociedad, su gusto por las fiestas, los banquetes y el lujo en general.

Arte Renacentista Español

Reyes Católicos – Carlos I – Felipe II. Los principales mecenas del arte: monarquía, clero y nobleza, con ausencia de burguesía. Influencia por la Reforma de Lutero, Concilio de Trento. El Renacimiento italiano no se acepta uniformemente. Se divide en 2 periodos: asimilación durante el primer tercio del siglo XVI, y desarrollo durante el segundo tercio del siglo XVI.

Arquitectura

Las características generales son que los estilos se suceden y se solapan, algunos arquitectos evolucionan de uno a otro, tienen una evolución formal, y todo esto viene causado por la influencia italiana.

• Estilo plateresco: Fue el «periodo de penetración», y se basaba en edificios góticos con sus fachadas llenas de elementos decorativos clásicos. Aquí conviven diferentes posturas: las últimas catedrales góticas en Salamanca y Segovia, con edificios con elementos tradicionales como la Universidad de Salamanca, y edificios renovadores inspirados en modelos italianos como el Palacio de Cogolludo.
• Estilo purista: Fue el «periodo de asimilación», y este responde a una progresiva decantación purista de la arquitectura. Todos sus artistas estaban formados en Italia. Este estilo estaba apoyado por la monarquía, y toda la decoración se reduce a elementos clásicos y ventanas (Fachada Universidad de Alcalá: Rodrigo Gil; Palacio de Carlos V: Pedro Machuca; Diego de Siloé: Catedral de Granada).
• Estilo herreriano: Fue el «periodo de imposición de los modelos clásicos», y procede de la obra de Juan de Herrera en el Monasterio de San Lorenzo del Escorial, construido alrededor de 1575. Las características de este estilo eran que el edificio está sometido a un enorme rigor geométrico, y la ausencia casi total de elementos decorativos.

Escultura

Los principales clientes siguen siendo la monarquía, la nobleza y la Iglesia, con necesidades y estilos distintos:

• La iglesia busca imágenes para provocar la devoción, para lo que mantiene la tradición del gótico flamenco que enlaza con el manierismo: todas sus figuras son estilizadas e idealizadas para ser más espirituales (Juan de Juni: Santo Entierro), se mantiene la madera policromada como material (Berruguete: Retablo de San Benito).
• La monarquía y la nobleza buscan en la influencia clásica la representación del poder: encargan a artistas italianos, usan el mármol y bronce como materiales (Ordóñez y Leoni: Sepulcro de los reyes Católicos, Carlos V).

Pintura

• Predominio casi absoluto de los temas religiosos orientados a la devoción.
• Predominio de la figura humana, sin interés por el paisaje, la perspectiva o temas clásicos.
• La monarquía mantiene el gusto por la pintura italiana (Tiziano) y flamenca (El Bosco).
• El retrato toma importancia debido a la monarquía.

Los principales artistas fueron:

• Berruguete (Auto de fe y Rey David).
• El Greco (Entierro del conde Orgaz, San Pedro <-retrato).
• Pintores de corte como Sánchez Coello y Pantoja de la Cruz (<-retrato).

El Barroco

El Barroco es el período del arte comprendido entre los años 1600 y 1780. Nacido en Roma a partir de las formas del “Cinquecento” renacentista, pronto se diversificó en varios estilos paralelos, conforme lo iba adoptando y adaptando a su propia idiosincrasia cada país europeo.

Uno de los rasgos esenciales de este amplio período artístico es que durante su apogeo las artes plásticas lograron una integración total: la arquitectura es monumental, con fachadas pletóricas de mármoles y estucos, caracterizadas por la proyección tridimensional de planos cóncavos y convexos, que sirvieron de marco teatral ideal a las apoteósicas pinturas de las bóvedas y los cuadros y a las dramáticas esculturas de mármol blanco que decoraban sus interiores.

Pero se caracterizó principalmente por la colosalidad de las dimensiones, la opulencia de las formas y la excesiva decoración. Es el estilo de la grandilocuencia y la exageración.

El por qué de estas peculiaridades lo encontramos en el hecho de que el Barroco fue una especie de expresión propagandística: el absolutismo monárquico y la Iglesia de la Contrarreforma lo utilizaron como manifestación de su grandeza.

Arquitectura

• Se desarrolla el urbanismo, que venía de Roma (calles anchas que conectan los puntos importantes de la ciudad), el elemento central es la plaza mayor.
• Ruptura del equilibrio clásico y búsqueda del movimiento y la inestabilidad a partir del uso de plantas elípticas y curvadas, también aplicado a las bóvedas.
• Fachadas y entablamentos curvos y en líneas discontinuas, juegos de luces muy contrastados, columnas retorcidas (salomónicas), elementos decorativos basados en la curva (frontones, vanos).

Arquitectura Barroca Italiana

El centro de la arquitectura barroca italiana será la ciudad de Roma, donde se producen grandes transformaciones urbanas mediante transformaciones ornamentales, que consisten en el embellecimiento de la ciudad mediante grandes fachadas, fuentes, arquitecturas efímeras, etc.

• Carlo Maderno: Maderno es uno de los más importantes arquitectos del periodo de transición, durante las primeras décadas del barroco romano (San Pedro del Vaticano: Prolongación de la fachada).
• Bernini: Se inspira en Miguel Ángel y en la Roma antigua, pero con criterios de teatralidad, escenográficos y urbanos. Su arquitectura será sencilla, pero de gran monumentalidad y criterio escenográfico, multiplicando el dinamismo y la decoración (Baldaquino de San Pedro del Vaticano: Manifiesto en bronce de la estética barroca sobre la tumba del apóstol).
• Borromini: Lleva hasta sus últimos extremos el dinamismo en la arquitectura barroca. Fue precursor de las plantas en elipse, fachadas teatrales, en las que a los elementos cóncavos corresponden otros convexos (San Carlos de las Cuatro Fuentes: De planta elíptica y capillas radiales, utiliza el muro curvo con elementos cóncavo-convexos, cubriendo el conjunto con una cúpula oval).

Arquitectura Barroca Francesa

En Francia, las artes se pusieron al servicio del sistema político mediante la organización de las Academias, que controlaban el desarrollo literario y artístico. El proteccionismo estatal sustituyó al mecenazgo renacentista, lo que fomentó un arte clasicista en el que domina la monumentalidad y la grandeza, sobre todo en la construcción de palacios, que se situó a la cabeza de la producción arquitectónica del Barroco en Francia.

• Palacio de Versalles: El arquitecto Mansart convirtió Versalles en el prototipo de los futuros palacios europeos del siglo XVIII, que tendrá su máxima eclosión en Italia y España con Juvara; al exterior es majestuoso y de relativa pureza clásica, pero en oposición a esto, la suntuosidad de espejos y decorados dominan en el interior.

Arquitectura Barroca Española

En España, el Barroco coincide con el período cultural que se ha denominado el Siglo de Oro. Es un período de máximo desarrollo de las letras y las artes, que contrasta con la profunda y compleja crisis política, social y económica que se vive en España.

En la arquitectura barroca española se observa una mezcla de ornamentación y sobriedad, alternándose en un mismo edificio tramos muy barrocos, de abundante y complicada decoración, con otros paramentos completamente lisos, en los que sobresale la claridad de los esquemas constructivos. Además, la arquitectura barroca española se caracteriza por no modificar substancialmente las plantas ni los muros, al contrario de lo visto en Italia, y por la utilización de materiales pobres, salvo en algunas fachadas donde sí se utiliza la piedra.

Tiene 3 periodos:

• Arquitectura Herreriana: Refleja la influencia de El Escorial y se impone en las obras reales tanto civiles como religiosas. Construcciones severas, de volúmenes simples y macizos, tanto en palacios como iglesias. Se construyen los muros en ladrillo y se reserva la piedra para las esquinas, vanos y portadas. Importancia de vanos y ventanas para crear ritmos en fachadas. Acentuación de la monumentalidad de las construcciones. Se mantienen los tejados de pizarras, los chapiteles y las bolas esculiarenses. (Juan Gómez de Mora: Convento de la Encarnación de Madrid, Palacio de Santa Cruz de Madrid, Plaza Mayor de Madrid).
• Barroco pleno: Pleno desarrollo de la arquitectura barroca: llega la influencia italiana. Las novedades no afectan ni a estructuras ni a plantas, se concentran en la decoración de las fachadas. Tuvo unos focos regionales:
  • Castilla: Pedro de Ribera (Centra casi todos los elementos decorativos en sus estrechas fachadas, que contrastan con la austeridad del resto del muro, utilizando los elementos ornamentales del vocabulario churrigueresco, Antiguo Hospicio de Madrid) y Churriguera (Características plenamente barrocas aparecen solamente en sus retablos, ya que son más conservadores en sus obras propiamente arquitectónicas, donde la decoración se concentra exclusivamente en algunas zonas del edificio, Retablo de San Esteban de Salamanca).
  • Valencia: Hipólito Rovira (Palacio de San Telmo).
  • Andalucía: Leonardo de Figueroa (Arquitecto cuya obra es una síntesis de lo árabe, el plateresco y el barroco. Colegio de San Telmo de Sevilla: espléndida fachada barroca en la que destaca la portada, de desarrollo vertical y realizada en piedra, contrastando con las alas horizontales y construidas en ladrillo).
  • Galicia: Fernando de Casas Novoa (Entre sus obras sobresale la Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de Compostela: gigantesco arco de triunfo entre dos torres, del que destacan la abundancia de elementos curvados, la sensación de ascenso y el empleo de grandes ventanales como en el estilo gótico).
• Barroco Clasicista: La nueva dinastía de los Borbones aporta la influencia italiana y francesa. Edificios de desarrollo vertical, fachadas planas con escasa decoración y amplios jardines de estilo francés. Palacio Real de Madrid: De planta cuadrada, con salientes en los ángulos, gran patio central y un saliente en la fachada posterior correspondiente a la capilla.

Escultura del Barroco

• Desarrollo de la influencia de Miguel Ángel y del helenismo griego.
• Se busca la ruptura total del equilibrio clásico mediante la representación extrema del movimiento, con composiciones abiertas e inestables en diagonales y espirales.
• El naturalismo se lleva a su extremo, se capta la fugacidad del paso del tiempo.
• Se mantienen los materiales clásicos y los temas mitológicos y religiosos.

Escultura Barroca Italiana

• Bernini: Sus obras escultóricas se caracterizan por un profundo naturalismo, por la búsqueda de calidades texturales, casi pictóricas, tanto en pieles como en vestidos u otros elementos, por emplear escenografías barrocas en sus composiciones, donde es protagonista el movimiento, los gestos son siempre exaltados y las actitudes teatrales.
  • David: Representado en plena acción, con el cuerpo retorcido y el rostro extremadamente expresivo; continúa la evolución del tratamiento de este tema, desde Donatello y Miguel Ángel hasta este de Bernini.
  • Apolo y Dafne: Se representa el momento en el que la ninfa se metamorfosea en laurel, produciéndose una dicotomía entre el movimiento y la quietud, por un lado, y lo pulido y lo rugoso, por otro.

Pintura del Barroco

• Importancia de temas religiosos.
• Monarquía y nobleza encargan temas políticos, mitos y retratos.
• Aparece la burguesía como nuevo cliente.
• Se mejora la consideración social de los pintores.

Sus características son:

• Se generaliza la pintura al óleo.
• Se plantea el conflicto entre dibujo/color.
• Se recupera la preocupación por la perspectiva.
• Se trabaja sobre la representación de la luz.
• Las composiciones se vuelven asimétricas y dinámicas.

Pintura Barroca Italiana

• Sigue siendo el centro artístico de Europa.
• Se rechaza la pintura antinaturalista del manierismo, a favor de una pintura más inmediata y creíble.
• Caravaggio: El tenebrismo, consistente en exagerar los contrastes lumínicos mediante la utilización del claroscuro, aprovechando todas las posibilidades expresivas de la luz, fue iniciado por él. Además, se caracteriza por su extremado naturalismo, reflejando en su obra hasta los aspectos más desagradables de la realidad. Asimismo, destacan sus composiciones con escorzos violentos y puntos de vista muy bajos. La vocación de San Mateo: La obra más claramente tenebrista del pintor, la luz cruza la estancia en una diagonal que ilumina a las figuras teatralmente; además, en ella se aprecian el resto de sus características compositivas.
• Escuela Boloñesa: Se caracterizan por el esplendor, el lujo y el gran efecto ornamental de sus composiciones al fresco. Aníbal Carracci: Frescos de la bóveda de la Galería del Palacio Farnesio de Roma, protagonizado por un escenario arquitectónico plagado de escorzos y puntos de vista forzados por la perspectiva.

Pintura Barroca Holandesa

• Se mantienen los temas religiosos y aparecen otros nuevos como el bodegón, los paisajes, etc.
• Se reproduce fiel y detalladamente la realidad cotidiana.
• Rembrandt: Fue el gran maestro de los efectos poéticos de la luz y de la aplicación del color mediante gruesas manchas. Descendimiento de la cruz: Tema religioso en el que un rayo de luz rompe las tinieblas e ilumina dramáticamente el descenso del cuerpo muerto de Cristo.

Pintura Barroca Flamenca

• Se combina el catolicismo y la cultura clásica.
• Rubens: Trabaja todos los géneros de la pintura. Sus composiciones están llenas de vitalidad y movimiento, en las que predominan las espirales y diagonales, y las figuras son voluminosas y rotundas. El Descendimiento de la Cruz: Compositivamente, está elaborada a partir de una diagonal ascendente; refleja las dos principales características del pintor: colorismo veneciano y gusto por la musculatura hercúlea.
• Anton Van Dyck: Su arte recibe claras influencias de su maestro y también de Tiziano; pero, sin embargo, destacó por fijar las pautas estilístico-formales y tipológicas del retrato europeo. Autorretrato con sir Endymion Porter, El rey Carlos I de Inglaterra.

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