1. Contexto teórico y artístico desde la década de los 90 del siglo XX. Representaciones del cuerpo y la identidad. El cuerpo como lugar de las prácticas artísticas.

Situación Sujeto-Espacio Artístico 2.0

• Nuevo espíritu social con una nueva reflexión sobre la dificultad de constitución de la subjetividad en el escenario del cuerpo (preocupación sobre subjetividad canalizada a través de la expresión del cuerpo).
• Progresivamente, se va pasando de un carácter pesimista y crítico (sobre la relación subjetividad-cuerpo) a propuestas afirmativas: experiencia del cuerpo como afirmación de identidad/existencia del individuo.
• Cuerpo y espacio subjetivo tomados como construcciones pendientes, siempre por construir, pueden cambiar, no como un sujeto ya construido tradicionalmente.

Construcción del sujeto como política (lo político se preocupa por lo personal e íntimo, lo personal es político). La producción del cuerpo como ficción, como producción construida, forma parte de ella.

Contexto General de los 90

• Antecedentes: generaciones anteriores abren camino en temas de injusticia social; artistas políticos.
• En cuanto al cuerpo, los siguientes artistas y exposiciones:

Artistas

• Robert Gober:
  • Nuevo espíritu social con reflexión sobre la dificultad de constitución de la subjetividad en el escenario del cuerpo.
  • Respuesta a la época de represión, sida: soledad, falta de recursos, estigmatización.
  • Bisexualidad + decadencia del cuerpo + enfermedad.
  • Ejemplo: picas, cunas, wedding dress, torso mitad femenino-masculino.
• Félix González-Torres:
  • Homosexual y cubano: sentimiento de ser diferente y extranjero.
  • Piezas que favorecieran el contacto personal, compartir; piezas que la gente se pudiera llevar.
• Orlan:
  • Obra consistente en intervenciones quirúrgicas en su cara: su cuerpo como objeto artístico (también graba sus operaciones).
  • También feminismo.
  • El tema de la máscara (se lleva al extremo con las operaciones).
  • Construir-deconstruir la identidad.
• Louise Bourgeois:
  • Tardó décadas en ser reconocida.
  • Obra basada en su vida (autobiográfica).
  • Variedad de técnicas y materiales.
  • A partir de la muerte de su madre se convierte en artista (tras estudiar matemáticas).
  • Temas: fricción (padre-madre), ansiedad por la soledad, traumas infantiles, cuerpo humano.
  • No se adscribe a ninguna corriente o estilo (no quiere), pero expresionismo abstracto y abstracción excéntrica + surrealismo.
  • Considerada como arte feminista aunque ella no lo considera.
  • Secuencia de días y experiencias.
  • Más conocida por sus esculturas.
  • Materiales arrastrados por la marea (al principio), después usa tejidos.
  • Defendió imágenes sexuales en el arte, LGTB, sida.

Exposiciones: Posthuman (’92)

Proponen imágenes del hombre y su presencia en el mundo. La generación de artistas trabaja en tematizar el disfuncionamiento mismo del cuerpo y la dificultad de construcción o representación de una identidad (y más en la sociedad contemporánea). Refleja el fracaso de una respuesta feliz (en relación a lo anterior). Nuestro cuerpo es incapaz de adaptarse a las imágenes de perfección que construye lo social. La nueva construcción de uno mismo es más conceptual que natural (y no solo física: gustos, relaciones…), la libertad de construir la identidad, las posibilidades de la existencia. Paradójico: crisis del sujeto a la vez que mito de la construcción de uno mismo. Fabricación de una nueva identidad más cercana a las nuevas tecnologías: prótesis tecnológicas, ingeniería genética, cirugía.

• Janine Antoni (1964): Lo que puedo construir con mi cuerpo y lo que queda de ello: acciones más performativas con delicadeza y sensibilidad (pintar con el cuerpo). No somos una identidad fuerte ni preconstruida/duradera: materiales no resistentes (jabón, chocolate, manteca, cuero). La obra como el espacio vacío que deja el cuerpo (en la manteca: Eureka), quiere dejar impronta. Tejer con telar ondas registradas de su cerebro durante el sueño.
• John M. Armleder (1948): Trajes, el uniforme, la apariencia y el lugar que ocupas.
• Peter Fischli & David Weiss: Airports. Lugares de paso. La sociedad moderna ha generado no lugares, lugares cerrados en sí mismos, grandes, iguales de un sitio a otro (aeropuertos, Carrefour), uniformidad. La idea de uniforme: uniformidad, distinción social.
• Damien Hirst: Dèsordres (’92): Selección de artistas que insiste en el carácter híbrido de la identidad nacional de la exposición (Sudamérica, Irlanda, Alemania). Algunos trabajos con tono surrealista o expresionista. Influencia del surrealismo estadounidense (L. Bourgeois), desde el inconsciente. Fisicalidad que distancia del minimalismo. Más cercano al Body Art. Tema del cuerpo tratado de forma más intimista y sosegada. Pone de relieve sistemas de pensamiento opuestos a sistemas formalistas y racionales. La experiencia del tiempo (a través de la experiencia del cuerpo), carácter narrativo. Búsqueda de una nueva ética a través de la anarquía y la fantasía. Disfuncionamiento del cuerpo en la economía occidental: no satisfacción en los objetos que la propia economía (que organiza sus deseos y expectativas) le aporta. Intentan mostrar que los sistemas que organizan el pensamiento no se corresponden con la experiencia vital. Pero no pesimistas ni desesperados. Relevancia de la memoria privada (frente a sistemas formalistas y racionalistas). Artistas mujeres.
• 1. Nan Golding: Foto desde el estómago, no preparada, surge espontáneamente, captar el momento. Fotos de su círculo íntimo de personas, lo cotidiano. Fotos del mundo del sexo, drogadicción, violencia, amor, muerte. Uso del flash, tonalidades muy coloreadas. No un ojo distanciado sino afectivamente partícipe. La balada de la dependencia sexual.
• 2. Jana Sterbak: Idea de hibridación, globalización. Línea conceptual sobre la idea y medida del cuerpo: trabajo con cintas métricas. Hacia la implicación del espectador. Sentir el dolor de un cuerpo oprimido, de un cuerpo que no se siente suyo. Nueva representación de lo real y del sujeto (y sus relaciones). El control, el deseo de escapar.
• 3. Kiki Smith: Funciones básicas-vitales del cuerpo. Trasladar al espacio expositivo fragmentos del cuerpo + fluidos corporales, pero no desde la violencia ni la agresividad. Como si nos costara sentirnos como un todo, integrarnos (fragmentos del cuerpo). Idea de que la sociedad se dé cuenta de las diferencias. También maternidad, fecundidad, lo inexorable de la vida. Dibujos de partos. También vertiente fantástica a partir de mitos. Trabajo con tejidos. También genera espacios para que el espectador participe. Relación de las esculturas con el suelo. Dibujo de animales muertos (comparación con el arca de Noé). Finales abiertos, interpretativos.

Las tres mujeres introducen su universo propio, muy personal, un nuevo modo de tratar el cuerpo de la mujer, sin cuestionarse si es correcto o no.

Etiquetas: arte contemporáneo, cuerpo, década de 1990, identidad, prácticas artísticas