El Movimiento Moderno

El movimiento moderno surge como una reacción ante los estilos decorativos imperantes a principios del siglo XX, tanto en arquitectura como en diseño. Como reacción ante estilos como el Art Nouveau, sobre todo en sus vertientes francesa, belga y española.

Su denominación más correcta es la de movimiento moderno, aunque en ocasiones se utiliza el término modernismo, que se puede confundir con el Art Nouveau en su versión española. A partir de la década de los treinta y por su generalización se le denominó estilo internacional. Movimiento moderno y estilo internacional son sinónimos de funcionalismo y racionalismo extremo en la arquitectura y diseño.

Cronológicamente surgió a finales de la década de 1910, tomando sus características en las décadas de los veinte y treinta del siglo XX. Su influencia se extiende hasta la actualidad en cualquier obra de diseño en que sus bases sean la funcionalidad y la racionalidad.

En el movimiento moderno se integraron tendencias como De Stijl, las escuelas de la Bauhaus y Vkhutemas, el Racionalismo italiano, arquitectos y diseñadores como Le Corbusier, la tendencia orgánica de Wright.

Se inspira y tiene como antecedentes el llamado protorracionalismo: la Escuela de Chicago, arquitectos como Loos, el Deutsche Werkbund y las Vanguardias Artísticas.

Como características del movimiento moderno, podemos destacar que:

• Prescindía de la ornamentación innecesaria
• Se buscaba la funcionalidad, racionalidad
• Se partía de productos racionalizados y estandarizados
• Las formas tendían a ser formas geométricas puras.

Antecedentes. Deutsche Werkbund. Behrens

La Deutsche Werkbund fue una asociación de arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Múnich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importante en la historia de la arquitectura moderna, del diseño moderno y precursora de la Bauhaus.

El Werkbund más que un movimiento artístico fue una asociación sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo al nivel de otras potencias como Gran Bretaña o los Estados Unidos.

Hermann Muthesius, su fundador, se inspiró en el movimiento inglés del Arts and Crafts preconizado por William Morris. Aunque a diferencia de esta admitía la utilización de la máquina y el proceso industrial. En ella hubo dos claras tendencias: un sector más individualista y partidario de la ornamentación y el sector más funcionalista.

El Werkbund buscaba una nueva expresión artística concretada en tres aspectos:

• Separar la calidad estética de la calidad material
• Imponer la normalización del formato DIN
• La adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Existió en una primera etapa hasta 1934, sufriendo una pausa en sus actividades en 1918, por los costes en la industria debido a la primera guerra mundial, y se volvió a restablecer después de la segunda guerra mundial en 1950.

El Werkbund se dividía en dos partes: una encargada de la producción del diseño y en la preservación de la expresión artística industrial. Trabajaba en el campo del diseño. Se veían en las páginas de los anuarios de la Werkbund reproducciones de fábricas, de muebles, de lámparas, de locomotoras, ferrocarriles eléctricos, etc.

Los dos arquitectos-diseñadores afiliados a la asociación más significativos fueron el belga Henry van de Velde y Peter Behrens. El Werkbund le encargó comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colonia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alemania por ser ciudadano de un país enemigo.

Walter Gropius decidió reconducir las artes a la arquitectura fundando la Bauhaus en Weimar en 1919.

Peter Behrens, arquitecto y diseñador alemán, fue un miembro importante de la Wekbund. Está considerado como el primer diseñador profesional moderno. Su labor en la empresa eléctrica alemana AEG dio parte de las bases del movimiento. Diseñó su imagen corporativa, productos y sus fábricas. A estas les dio una imagen moderna, una línea nítida, utilizando los nuevos materiales (hormigón y acero).

Por otro lado, en el taller arquitectónico de Behrens colaboraron los futuros puntales del movimiento moderno: Gropius y Mies Van der Rohe.

Vanguardias Artísticas y Diseño

En las primeras décadas del siglo XX aparecieron en Europa una serie de movimientos artísticos que transformaron el arte e influyeron directamente en el diseño gráfico. Se desarrollaron, aproximadamente, entre 1905 y 1920. Fueron los movimientos llamados, también, ismos del siglo XX.

Las vanguardias artísticas supusieron: una ruptura con el academicismo; buscaban ir más allá del impresionismo y pretendieron llegar a nuevas formas de expresión artística. Todo ello desarrollado en un mundo que ya estaba entrando plenamente en la época contemporánea. Las vanguardias artísticas pretendían dar una respuesta a la nueva sociedad moderna.

La influencia de las vanguardias artísticas, también llamadas movimientos formales, en el diseño se concreta en:

• La utilización de formas abstractas.
• La nueva utilización de la tipografía
• La utilización del collage y el fotomontaje.

Estos elementos, estas nuevas técnicas, no afectaron de forma inmediata en el diseño gráfico, se empezaron a utilizar, de forma generalizada, a partir de la década de los veinte.

De Stijl, “el estilo” sería su traducción al castellano, fue un grupo de arte, arquitectura y diseño, fundado en Holanda en 1917, en torno a una revista del mismo título. Fue un grupo pionero en los planteamientos funcionales-racionales del movimiento moderno. Se inspiraba en la filosofía neoplatónica de los teosófistas, que buscaban los elementos comunes de las grandes religiones. Sus miembros más importantes fueron el pintor Piet Mondrian, el diseñador y teórico Theo van Doesburg y el diseñador Gerrit Rietveld.

De Stijl creó una nueva estética, empleaba:

• Colores primarios
• Buscaban la universalidad, lo que denominaban elementalismo
• Formas geométricas simples
• Planos horizontales y verticales

Gerrit Thomas Rietveld fue el más significativo diseñador del movimiento. Partía de una formación como ebanista. Posteriormente se integró en el grupo de De Stijl. Su silla Roja y Azul (1918) fue una de las primeras expresiones del mobiliario del movimiento moderno. Construida con planchas de aglomerado de madera, simplemente atornilladas, era la propuesta de un objeto básico. Una de las primeras muestras de mobiliario del movimiento moderno, de mobiliario racional-funcional. Fue la base del posterior mobiliario diseñado en la escuela de la Vkhutemas y la Bauhaus.

Los conceptos de Rietveld influyeron de forma importante en el movimiento moderno.

Bauhaus. Vkhutemas

La escuela Bauhaus (“casa de la construcción”) fue la base del movimiento moderno, el lugar desde donde los conceptos del movimiento moderno se difundieron al mundo occidental.

Bauhaus fue una escuela de arte, arquitectura y diseño alemana. Sus enseñanzas se desarrollaron entre 1919 a 1933.

Su creador y primer director fue Walter Gropius.

Walter Gropius era un arquitecto alemán, uno de los más importantes teóricos del movimiento moderno. En un primer momento siguió los planteamientos del Jugendstil, pero su formación en el estudio de Peter Behrens y su integración en el Deutsche Werkbund le llevaron a una concepción de diseño estrictamente racional-funcional. Sus bases funcionalistas se pueden observar en su proyecto, junto con H. Mayer, para la fábrica Fagus (1910-1914).

Van de Velde, miembro de la Werkbund y seguidor del Art Nouveau, lo propuso como nuevo director (en su sustitución) de las escuelas de Arte y Diseño de Weimar en plena Primera Guerra Mundial. Gropius fue nombrado director después de la guerra y la escuela se abrió en 1919.

Gropius planteó un nuevo concepto para la escuela. Tuvo como principales objetivos: la enseñanza simultánea de las artes y los oficios y el ser un puente entre el arte y la industria. Su nivel pedagógico fue muy importante. Su planteamiento de curso preparatorio y talleres-departamentos específicos, supuso una revolución en la época. Se ponía énfasis en los aspectos prácticos (análisis de materiales, técnicas productivas) y teóricos en función del producto a realizar. Funcionó sobre todo como centro experimental de las bellas artes y de la producción.

En la institución se crearon distintos departamentos-talleres: textil, del metal, de la madera…

Johannes Ittem, un diseñador de tendencias zoroastristas suizo, fue el primer responsable del curso preliminar básico. En esta primera etapa hubo conflictos entre la doble figura de los responsables teóricos y prácticos de cada taller. Hasta el año 1923 la escuela tiene una tendencia relacionada con el expresionismo y buscando la relación entre diseño e industria.

La elección de un gobierno conservador en la ciudad de Weimar hace que Bauhaus se quede sin fondos y deje la ciudad. En 1925 la Bauhaus, se traslada a Dessau, una ciudad con un gobierno socialdemócrata que ofrece a la institución su traslado. Una nueva sede, con nuevos edificios. Se inicia una nueva fase que se prolonga hasta 1928. En esta fase la escuela mantiene su concepto racional-funcional, que parte de la idea del movimiento moderno.

En 1928, Walter Gropius dimitió como director y fue sustituido por el arquitecto radical Hannes Meyer, que creía que la escuela se había quedado demasiado aislada y necesitaba tener más contactos con el mundo exterior. Se establecieron relaciones con la industria. Se creó un nuevo departamento de diseño interior, responsable de muebles y accesorios, con el departamento de arquitectura como base. Las simpatías de Meyer por el Partido Comunista lo hicieron impopular entre las autoridades y los habitantes de Dessau, y en 1930 se le obligó a dimitir.

A Meyer le sustituyó el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe. La llegada de Mies no fue bien acogida por los estudiantes, cuyos intereses iban dirigidos a las casas populares y a las posibilidades radicales del diseño moderno. Van der Rohe encaminó a la escuela hacia sobre todo el campo de la arquitectura.

En 1932 vencen en las elecciones de Dessau los Nacionalsocialistas, que cierran la escuela, para los Nazis el arte y diseño propugnado por la Bauhaus era «arte degenerado». Mies van der Rohe y algunos profesores de la escuela intentaron reabrir la escuela en Berlín, pero como centro privado y sin subvenciones. Las escuelas, sin medios, cerró definitivamente el veinte de julio de 1933.

La escuela de Vkhutemas es un producto de la Revolución Rusa. Los artistas rusos de vanguardia se dedicaron a satisfacer las necesidades del proletariado con un arte y diseño de base más material y racional. Participaron en este intento diseñadores como Vladimir Tatlin, Alexander Rodchenko, Barbara Stepanova y El Lissitsky. Se pusieron a trabajar al servicio de la revolución.

El nuevo gobierno soviético creó escuelas de arte y diseño. La más importante fue la Vkutemas. Fue una escuela de arte y diseño que funcionaba partiendo de un curso preparatorio y talleres. Realizó objetos prácticos y funcionales. Diseñadores constructivistas, como en el caso de los de De Stijl, influyeron en el desarrollo de la Bauhaus. Con la llegada al poder de Stalin, se dejaron de lado los planteamientos constructivistas.

Estilo Déco. Moderne. Aerodinámico

El término Déco proviene de la Exposition Internationale des Arts Decoratives et Industriel Moderne. El término se utilizó por primera vez en 1966, en París en el Museo de Artes Decorativas se celebró una muestra retrospectiva llamada: Los años veinticinco. Esta retrospectiva conmemoraba la exposición más arriba citada. Esta exposición se consideró como el punto central de un estilo propio, que en los años que se desarrolló no tenía una denominación propia.

Fue más un estilo decorativo internacional que un movimiento de diseño. Podemos entenderlo como la última manifestación de las artes decorativas. Como un término que se utiliza para designar el arte decorativo que se produjo en el período de entreguerras, en las décadas de los veinte y treinta del siglo XX. Ha sido un término que ha obtenido gran aceptación pero que ha llevado a múltiples confusiones y que se ha relacionado con un gran número de estilos y escuelas: desde un estilo puramente decorativo, relacionado con el Art Nouveau, hasta formas racionalistas. Una especie de cajón de sastre en que se ha incluido todo el diseño de las décadas de los veinte y treinta. Como estilo nunca existió. La historia del diseño en general no ha tratado el Art Déco como estilo. Durante muchos años se ha estudiado como una moda (la mayor parte de estudios sobre el movimiento se realizaron a partir de finales de la década de los sesenta). El interés de su estudio está en que aún dando importancia a los aspectos decorativos, sus planteamientos ya eran plenamente industriales.

Se pueden señalar dos tendencias del Art Déco. Una puramente decorativa, inspiradas en estilos del pasado. Estará centrada sobre todo en Europa y más concretamente en Francia. Su mejor representante será Ruhlman. Otra tendencia es lo que algunos denominan el estilo moderne o el art déco popular. Una especie de funcionalismo-racionalismo elegante, influido por el movimiento moderno que se está desarrollando en la época. Se desarrolla sobre todo en EE.UU y, en parte, en Francia e Inglaterra.

Como antecedentes podemos destacar la influencia en su versión más decorativa de: la antigua cultura egipcia y mesopotámica, del arte tribal, de las culturas mesoamericanas (Maya y Azteca), del Neoclasicismo y de los ballets rusos de Diaghilev. En su versión de racionalismo elegante, Moderne, de: la Secesión de Viena, del Constructivismo ruso, vanguardias artísticas (cubismo, futurismo, surrealismo y constructivismo) y del movimiento moderno.

Su centro fue Francia, también se desarrolló de forma importante en Gran Bretaña y EE.UU.

Las características generales del Art Déco serán la utilización de:

• Motivos decorativos como: la idea de la velocidad (coches, trenes en velocidad, aviones, con formas suaves y aerodinámicas); ángulos redondeados (en edificios, exterior e interior); formas geométricas (círculo, semicírculo, triángulo, octógono, cubo) En mobiliario y accesorios: salidas de sol, abanicos, árboles estilizados, flores, fuentes, formas de animales (sobre todo ciervos y cabras montesas)
• Formas cubistas, futuristas, racionalistas simplificados y con un fin decorativo
• Materiales de lujo (ébano, u otros materiales que pretenden dar un aire decorativo y lujoso), maderas naturales, cromo, cristal, cuero, laca, zapa, marfil
• Colores brillantes en oposición a los colores lánguidos del Art Nouveau
• Elementos exóticos de otras culturas (egipcia, mesopotámica, azteca, inca…)

Podemos considerar que el Art Déco tiene su antecedente en 1910. Pero su real aparición fue en París en los años veinte.

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