09 Oct
Escultura del Quattrocento
Recupera elementos de la estatuaria clásica, con más dinamismo y grandeza compositiva. La temática religiosa, el mundo simbólico y el retrato laico son recurrentes. Los materiales más usados son el mármol y el bronce.
Donatello
En su obra combina la serenidad y el equilibrio con gran expresividad que lo aleja de la belleza idealizada (David, primer desnudo en bronce). Emplea materiales como piedra, mármol, madera y bronce. Utiliza la técnica del bulto redondo y del relieve, representando imágenes religiosas o cantorías esculpidas con altorrelieves.
Pintura del Quattrocento
Temática variada: pinturas religiosas en iglesias o capillas, temática mitológica, retratos y representaciones de temática histórica. Se utiliza la técnica del fresco, del temple sobre tabla y del óleo.
Masaccio
Renuncia a la elegancia del arte gótico y propone recuperar los valores del arte clásico y el volumen de las figuras, con luz homogénea en cuerpos e indumentarias.
Botticelli
Se opone al naturalismo, con un sentimiento delicado, exuberancia decorativa y línea precisa. Su temática es mitológica o clásica.
Arte del Cinquecento (Alto Renacimiento)
Entre 1500 y 1520 el arte renacentista alcanza su máxima plenitud: el Alto Renacimiento. La arquitectura de Bramante y Miguel Ángel sacrifica la ornamentación del periodo anterior y se centra en la estructura del edificio. En escultura aparecen la grandiosidad y la monumentalidad. En pintura se llega a uno de los momentos de mayor equilibrio y armonía. El arte se traslada gracias al impulso de los papas, que se constituyen en los nuevos mecenas.
A partir de 1525 se empieza a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. Las composiciones pierden la simetría, la proporción y la serenidad. La atención se centra en el decorativismo más que en la estructura formal. Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el inicio del Manierismo.
Arquitectura
Sentido decorativo, racionalismo, armonía y horizontalidad.
Bramante
Su obra se divide en dos etapas: en la primera sobresalen las reconstrucciones de iglesias; en la segunda abandona todo elemento ornamental y se centra en la estructura del edificio. Bramante superpuso dos galerías: la inferior, con arcos de medio punto, y la superior, con columnas jónicas sin adorno.
Escultura del Cinquecento
Miguel Ángel
Trabaja el mármol y el bronce, lo que lo sitúa al frente de la escultura del Cinquecento. En sus inicios recogió la tradición del relieve pictórico de Donatello, pero en un viaje conoció una obra que le marcó por el interés en la anatomía de sus composiciones. Sus primeras obras reflejan la grandiosidad e idealización de las figuras de clara influencia grecorromana: perfección extrema, idealización equilibrada, elegante sensibilidad estética. La imagen de la Virgen refleja la idea universal de la virginidad y el concepto de belleza suprema.
Pronto se intensificó la grandiosidad monumental y la tensión en sus figuras al dotarlas de dignidad y robustez, como ocurre con el David, que rompe con la tipología de Donatello. Esta obra es una mezcla de belleza idealizada y la ferviente capacidad expresiva que toma impulso en las obras posteriores.
Pintura del Cinquecento
Sintetiza equilibrio y armonía, color y luz. Importancia de la luz y las sombras. Aparece con el Renacimiento el Manierismo. Los valores de la belleza pictórica, la unidad compositiva y el equilibrio fueron desapareciendo y dieron lugar a composiciones desequilibradas, asimétricas, con exceso de decorativismo.
El Greco
Nació en Creta y se formó en las tradiciones bizantinas e italianas, aunque maduró como artista en España. La evolución de su pintura pasa por un momento greco-veneciano que se transforma en un estilo manierista de personajes distorsionados, formas alargadas y planteamientos antinaturalistas. En su obra se observan diferencias en las diferentes etapas. Fue perfeccionando su arte, recorrió el impresionismo de Tiziano, la potencia dinámica y el claroscuro de Tintoretto y el cálido luminismo de Bassano; de otros tomó el tratamiento del desnudo y el sentido de la composición alargada y serpenteante.
Sus obras presentan modelos y proporciones que evocan lo italiano, la herencia del manierismo romano, la fuerza de Miguel Ángel, el claroscuro… La luz y el color son elementos básicos. Pintura colorista con brillos y reflejos, texturas… Acentúa el relieve, violenta los escorzos, retuerce las figuras y su movimiento. La evolución que experimentó le hizo ir configurando un estilo más irreal e independiente, exagerando la realidad como símbolo natural de la perfección de lo sobrenatural.
En los últimos años acentúa las deformidades de las figuras, alarga y descompone las formas, distorsiona los cuerpos, siempre dentro de la espiritualización manierista. Se va agudizando la tensión mística; sus formas llegan a ser etéreas y fantasmagóricas. El colorido se descompone y adquiere tonalidades grisáceas. Establece una nueva iconografía de figuras aisladas de santos, apóstoles… con rostros en actitud suplicante. El carácter de los retratos es común, aunque con un toque suelto y ligero.
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