Introducción a la Música Vocal Barroca

El periodo Barroco, que abarca desde 1600 (estreno de la primera ópera) hasta 1750 (muerte de J. S. Bach), es un lapso de tiempo extenso con una diversidad de estilos y formas musicales.

El término «Barroco» fue utilizado por críticos musicales de la segunda mitad del siglo XVIII para describir la música del periodo anterior de manera despectiva, considerándola extravagante, grotesca, caprichosa y de mal gusto.

Características Generales de la Música Barroca

Las características generales de la música en el Barroco incluyen:

1. Estilos Nacionales y Géneros Diversos: A diferencia del Renacimiento, donde predominaba un estilo internacional, el Barroco presenta diversos estilos nacionales (predominio italiano frente al francés, y la alternativa alemana al final del periodo). Coexisten diversos gustos según el género y la función de la obra (teatro, iglesia, salones, etc.). El compositor del Barroco tardío es un creador políglota que utiliza los diferentes lenguajes disponibles con naturalidad.
2. Expresión de Sentimientos y Emociones: En contraste con las líneas estáticas de la polifonía renacentista, los compositores barrocos buscan la expresión de sentimientos y emociones, conocida como la Teoría de los Afectos. Se esperaba que un solo afecto prevaleciera en cada obra, movimiento o episodio, admitiendo alusiones a su contrario en momentos contrastantes (como en el Aria da capo). Para lograr esto, los compositores barrocos utilizan nuevos recursos musicales:

• Oposición de Contrarios: A diferencia del carácter uniforme de las composiciones renacentistas, la música barroca presenta una constante oposición de contrarios:
  • Dinámicas: Episodios intensos (forte) alternan con episodios suaves (piano) sin mezclarse.
  • Agrupaciones Concertantes: Los instrumentos se integran con las voces, teniendo partes propias e independientes, creando contrastes entre cuerdas/maderas/metales, solista/tutti, voces/instrumentos, etc.
  • Estilo Recitativo vs. Aria: Contraste entre el estilo recitativo y el más melódico del aria.
  • Tempo: Rápido / lento, etc.
• Melodía Acompañada: En contraste con la polifonía vocal renacentista, la música barroca presenta una textura más ligera, con las voces extremas de soprano y bajo (doblado por el clave y un instrumento melódico grave como la viola da gamba: bajo continuo) acumulando importancia. Las voces intermedias de tenor y contralto se limitan a ser un relleno armónico, a menudo improvisado por el intérprete (bajo cifrado).

Riqueza Ornamental: El Barroco se caracteriza por una gran riqueza y exuberancia ornamental, acentuada a partir de mediados del siglo XVII. Los adornos, inicialmente instrumentales, se incorporaron a la voz por imitación. Aunque no solían escribirse, los intérpretes los añadían aplicando normas y convenciones conocidas, resultando en líneas musicales sobrecargadas. Este virtuosismo vocal e instrumental tuvo efectos positivos en el desarrollo de la técnica vocal e instrumental. Ritmo Mecánico: Ritmo mecánico con diseños persistentes. Música Profana Predominante: Mayor importancia de la música profana sobre la religiosa. El estilo operístico invade la iglesia. Nuevas Formas Musicales: Cultivo de nuevas formas vocales (ópera, oratorio, cantata) e instrumentales (sonata, concierto, etc.). Retención de Formas Precedentes: El Barroco retiene algunas formas de la época precedente tanto en lo vocal (misa, motete, anthem, coral) como en lo instrumental (variación). Sistema Tonal Bimodal: El sistema tonal bimodal sustituye al conjunto de modos eclesiásticos medievales.

La Música Vocal en el Barroco

La Música Vocal Profana en el Barroco

Durante el Renacimiento, diversas piezas musicales (villancicos, madrigales, canciones, etc.) se incorporaban a las representaciones teatrales. Algunas de estas piezas, como el madrigal tardío, representaban escenas sucesivas e implicaban una forma escénica elemental.

Los músicos se percataron de la dificultad de expresar sentimientos individuales a través de un conjunto polifónico, por lo que comenzaron a sustituir las voces del madrigal por instrumentos que acompañaban a un solista (melodía acompañada).

La Ópera en Italia

Florencia

A finales del siglo XVI, un grupo de artistas, literatos y músicos florentinos reunidos en torno a los condes Bardi y Corsi, conocidos como la Camerata Florentina, intentaron revivir las antiguas tragedias griegas, asumiendo que eran íntegramente cantadas.

Jacopo Peri, músico de la Camerata, es el autor de “Eurídice”, interpretada en 1600 en el palacio Pitti. Esta obra es considerada la primera ópera, es decir, la primera acción dramática íntegramente cantada.

El nuevo estilo operístico se basa en la consideración de la música como servidora de la palabra y de la representación, utilizando nuevos recursos musicales y textuales:

• Se rechaza la polifonía que dificulta la comprensión del texto e impide la expresión de sentimientos individuales.
• Pasajes melódicos del solista (arias) acompañados por un laúd o instrumento de teclado alternan con el estilo recitativo: declamación dramática, en ritmo libre, con una línea no melódica y un leve acompañamiento instrumental.
• Uso de una voz baja (bajo continuo) con cifras que indican los intervalos de las demás notas del acorde que el intérprete debe improvisar. Era ejecutada por dos instrumentos: un instrumento de cuerda grave (laúd grande o tiorba) y un instrumento de teclado (clavecín).
• Aparición de los libretos: textos preparados especialmente para la representación, inspirados en la mitología griega.

Roma

En Roma se sitúa el origen de la ópera bufa (cómica), introduciendo escenas cómicas entre los actos de una ópera seria.

Venecia

A mediados del XVII, Venecia tomó el relevo de la ópera romana. En esta ciudad se abrió el primer teatro público de taquilla (1637, San Casiano). Claudio Monteverdi es el más grande músico italiano del siglo XVII, consagrando el nuevo género musical con obras como El retorno de Ulises (1641) y La coronación de Popea (1642).

Nápoles

En la transición del siglo XVII al XVIII, Nápoles recogió el movimiento operístico, aportando:

• Codificación del género serio. Alessandro Scarlatti compuso más de 60 obras teatrales, y la ópera napolitana conquistó toda Italia y Europa. La ópera seria era solemne, sofisticada, brillante y repleta de convencionalismos.
  • Los libretos estaban basados en la historia antigua y la leyenda.
  • La acción se desarrolla en tres actos con recitativos secos y arias. La ópera seria se convirtió en un recital de arias individuales, enlazadas por breves recitativos.
  • Estructura del aria (ABA): introducción instrumental, sección virtuosa (A), sección melódica sencilla (B), y repetición variada de la primera sección (Aria da capo).
  • Aparición del Bel Canto, un alto desarrollo de la técnica vocal.
• Los Intermezzi, u óperas bufas o cómicas, eran un género de menor prestigio, interpretado por compañías más baratas y para públicos más populares. A partir del siglo XVIII, la ópera cómica ganó popularidad, narrando asuntos cotidianos con música fácil y ligera. Entre sus cultivadores se encuentran Pergolessi (La serva padrona) y Cimarosa (El matrimonio secreto).

Difusión de la Ópera en Francia

Francia fue inicialmente reacia a la ópera italiana. La primera ópera francesa conservada (Pomone, 1671) fue fruto de la colaboración de Cambert y Perrin. Hasta entonces, los franceses practicaban los aires y los ballets de corte, representaciones suntuosas con danzas, coros y canciones alternadas con partes habladas.

A partir del tercer cuarto del siglo XVII, con J. B. Lully, triunfaron las primeras representaciones operísticas. Lully, colaborando con Moliere, creó un nuevo estilo de óperas ballet (tragedias líricas) caracterizado por:

• Libretos poéticamente superiores, basados en obras de Corneille y Racine.
• Arias con música al servicio de la expresión dramática.
• Recitativos adaptados a la declamación francesa.
• Importancia de las danzas y los coros.
• Desarrollo de una obertura instrumental diferente de la italiana: sección lenta con valores rítmicos con puntillo, sección animada en estilo contrapuntístico y repetición de la primera sección.

Después de la muerte de Lully, surgieron tensiones entre los partidarios de la ópera italiana y la ópera francesa. Estas tensiones continuaron con Rameau y la querella de los bufones, finalizando con la reforma de Gluck.

J. P. Rameau es el más alto representante de la ópera francesa de la primera mitad del siglo XVIII. Compuso su primera ópera (Hipólito y Aricia, 1733) a los 50 años, introduciendo novedades como riqueza armónica, uso de los instrumentos y esquemas formales italianizantes.

Difusión de la Ópera en Inglaterra

Entre los precedentes operísticos ingleses se encuentran las mascaradas, cercanas al ballet de la corte francesa. En ellas alternaban partes cantadas con otras habladas o danzadas.

La mezcla de estos precedentes con influencias francesas e italianas dio lugar, con H. Purcell, al nacimiento de la genuina ópera inglesa. Su obra cumbre es Dido y Eneas, que sintetiza las influencias francesas e italianas con la finura inglesa.

Después de la muerte de Purcell, compañías de músicos italianos (Geminiani, Bononcini, Gallupi, Haendel) dominaron el panorama inglés, suplantando el idioma inglés por el italiano.

Haendel compuso unas 43 óperas, uniendo la severidad alemana, la gracia italiana y la majestuosidad inglesa. En el segundo cuarto del siglo XVIII surgió la ópera balada como parodia burlesca de la gran ópera. El ejemplo más famoso es La ópera del mendigo de Gay y Pepusch (1728).

Difusión de la Ópera en España

Ver tema 12: la zarzuela.

Cuestiones sobre la Música Vocal Profana en el Barroco

1. ¿Por qué la melodía acompañada?
2. Pretensiones de la camerata.
3. Elementos del estilo operístico florentino.
4. La ópera en Roma.
5. La ópera en Venecia.
6. Aportaciones de Nápoles a la ópera.
7. La ópera en Francia: Antecedentes y autores.
8. La ópera en Inglaterra: antecedentes y autores.

La Música Vocal Religiosa en el Barroco

Introducción

Durante el siglo XVII coexistieron dos estilos religiosos diferentes:

• El Stile antico o prima prattica (estilo renacentista de polifonía a capella), representado por Palestrina.
• El stile concertato, stile moderno o 2ª prattica, con arias, recitativos, coros e instrumentos, influenciado por la ópera. Se distingue entre música religiosa litúrgica (cantata alemana) y no litúrgica (oratorio). La escuela veneciana de los Gabrielli influyó en este estilo concertante.

Formas de la Música Religiosa

Las formas religiosas se distinguieron poco de las formas profanas en su espíritu y estructura.

Durante el siglo XVII, la música religiosa experimentó una decadencia, quedando supeditada a la ópera y perdiendo la mística autoridad del siglo XVI.

Italia

La mayor parte de la música para la iglesia fue compuesta por los mismos autores de la música operística: Monteverdi, A. Scarlatti, etc.

El desarrollo del oratorio es el acontecimiento más importante dentro de la música religiosa italiana del siglo XVII: musicalización de un texto religioso con voces e instrumentos, sin escenografía ni acción. Incluye obertura, narrador, voces solistas (arias y recitativos), coro y orquesta.

Evolución del oratorio:

• A mediados del siglo XVI, S. Felipe Neri instituyó reuniones de jóvenes en un oratorio de Roma, donde se dramatizaban lecturas edificantes.
• El primer oratorio representado conservado es Representación del alma y del cuerpo (1600), de Emilio Cavalieri.
• Pronto se distinguieron dos tipos de oratorio: el latino (sobre textos bíblicos y en latín) y el vulgar (sobre textos libres y en lengua italiana).
• Carissimi fijó la forma del oratorio con obras como Jefté, El juicio de Salomón y Baltasar.
• Durante el siglo XVIII destacaron A. Scarlatti y Pergolesi.

Alemania

La cantata, aunque también tuvo realizaciones profanas, se convirtió en una de las formas más importantes de la música religiosa. Consistía en una alternancia de arias y recitativos con bajo continuo, incluyendo coros, acompañamientos e intermedios orquestales.

A diferencia del oratorio, la cantata tenía una finalidad festiva y conmemorativa.

La pasión evolucionó hasta asimilarse a la cantata religiosa y al oratorio:

• Su origen radica en la lectura y recitación de la pasión del Señor durante el viernes santo.
• En el siglo XII, el relato era recitado en estilo salmódico por tres clérigos.
• En el siglo XV, se interpretaba en el estilo del motete.
• Desde principios del siglo XVII, se usó el recitativo para el narrador y arias, coro y orquesta para el resto.
• El tipo Pasión Coral añadió corales protestantes intercalados durante el relato evangélico.

Antes de Bach, H. Schütz fue la máxima figura de la música religiosa alemana.

En el siglo XVIII, J. S. Bach adaptó las reglas de la narración operística italiana a las necesidades germánicas. Su producción religiosa incluye:

• 371 corales: melodías sencillas armonizadas a cuatro voces en estilo homofónico.
• Unas 300 cantatas religiosas: cinco ciclos completos para domingos y fiestas escritas para el culto luterano.
• Oratorio de Navidad.
• Pasiones: según San Juan, según San Mateo (para dos coros, dos orquestas, dos órganos y solistas).
• Cuatro Misas protestantes y la misa católica en Si menor.

Francia

El gran motete es una creación francesa que participa de la suntuosidad del estilo de Lully en Versalles. Consta de acompañamiento orquestal para solistas y gran coro. Entre sus cultivadores se encuentran Campra, Charpentier y Lalande.

Inglaterra

El Anthem, nacido en el siglo XVI, se convierte en el siglo XVII en una especie de cantata religiosa para solos y coros con acompañamiento instrumental. J. Blow y H. Purcell son autores destacados.

Durante el siglo XVIII, G. F. Haendel escribió unos 32 oratorios en lengua inglesa, destacando Israel en Egipto y El Mesías. Introdujo los coros como parte fundamental, extrayendo efectos dramáticos que suscitaron la admiración del público londinense.

España

A partir de la segunda mitad del siglo XVII, se notó la influencia de las corrientes musicales italianas. La forma más importante es el villancico, paralelo a la cantata extranjera para solista, coros e instrumentos.

Entre los autores más representativos de música religiosa del siglo XVIII se encuentran Francisco Valls, D. Teixidor, Literes y Antonio Rodríguez de Hita.

La Misa

Oratorios, cantatas, pasiones, motetes, anthems y villancicos son realizaciones musicales religiosas de circunstancias. Frente a estas realizaciones, la misa contiene partes del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei).

Cuestiones sobre la Música Vocal Religiosa en el Barroco

1. Estilos de música religiosa en el siglo XVII.
2. Definición de oratorio.
3. Origen del oratorio.
4. Tipos de oratorio.
5. La cantata: definición.
6. Tipos de cantata.
7. La pasión: evolución histórica.
8. Obra religiosa de J. S. Bach.
9. Obra religiosa de G. F. Haendel.
10. Música religiosa en España.
11. Haz un esquema del tema completo (música religiosa y profana).

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