08 Feb
Funciones Esenciales de la Banda Sonora en el Cine
La banda sonora en el cine cumple un rol crucial, mucho más allá de simplemente acompañar las imágenes. Estas son algunas de sus funciones principales:
Crear una Reacción Emocional Inconsciente
Una banda sonora efectiva canaliza la reacción emocional del público de manera organizada. Permite que los espectadores sientan emociones específicas, a menudo sin ser plenamente conscientes del origen de estas, facilitando así la catarsis.
Acentuar Escenas de Alto Impacto Dramático
La música ayuda a resaltar los pilares fundamentales y las escenas de mayor peso dramático. Cumple funciones de anticipación e intensificación, subrayando los momentos clave de la narrativa.
Establecer la Atmósfera
La banda sonora tiene el poder de crear atmósferas diversas: paz, nerviosismo, tensión, romance, etc. Un ejemplo notable es la música de Thelma y Louise, que evoca el ambiente de una road movie.
Engañar al Público (Crear Expectativas Falsas)
Así como se crea una atmósfera, la música puede usarse para engañar al público. Una melodía idílica o con timbres infantiles en una película de terror, justo antes de un evento trágico, es un claro ejemplo de cómo la música puede generar un giro inesperado.
Contribuir a la Tensión Dramática y al «Momentum»
La música anticipa y contribuye a generar la tensión dramática, aumentando el momentum narrativo.
Orientar al Espectador
El tipo de música puede indicar la ubicación geográfica o incluso el período histórico en el que se desarrolla la acción.
Identificar Personajes, Localizaciones u Objetos
Es posible identificar a un personaje con un instrumento musical específico o una melodía característica (leitmotiv). Esta técnica también se aplica a localizaciones u objetos de importancia dramática.
Características del Cine Mudo: Un Arte en Silencio
Técnicas de Actuación
- Se requería un gran dominio del lenguaje corporal, con especial énfasis en la expresión facial.
- Las actuaciones eran teatrales (pantomima), más gestuales y enfáticas.
- Se utilizaba el humor a través de gags visuales, sin el uso de la palabra.
Montaje
- En los primeros filmes, predominaba el montaje lineal y la sucesión de planos individuales.
- Posteriormente, se introdujo el montaje en paralelo: yuxtaposición de planos. La vida de un bombero americano de Edwin S. Porter es un ejemplo temprano de esta técnica.
Música en Vivo y Sonido
- La música en vivo intentaba representar los sucesos de la pantalla de manera exagerada y poco sutil.
- Se utilizaban ritmos rápidos para persecuciones, sonidos graves en momentos misteriosos y melodías románticas para escenas de amor.
- Surgió la «Música de Photoplay», música recopilada específicamente para acompañar los filmes.
Velocidad de Proyección
La mayoría de las películas mudas se filmaban a velocidades más lentas que las películas con sonido, aunque se proyectaban a una velocidad mayor, lo que generaba el efecto de «cámara rápida».
Elementos Visuales
- En los inicios del cine mudo, predominaban los planos generales debido al peso del cinematógrafo.
- D.W. Griffith, con El nacimiento de una nación, fue pionero en utilizar diferentes tamaños de plano según las necesidades expresivas o dramáticas.
Intertítulos
Los intertítulos se convirtieron en elementos gráficos que ofrecían ilustraciones y decoraciones abstractas, además de comentarios sobre la acción.
El Color
Inicialmente, las películas eran en blanco y negro o monocromáticas. Se obtenía el color sumergiendo segmentos de película o la película completa en un tinte. En algunos casos, se pintaban a mano los fotogramas con anilinas.
Pioneros del Cine: Los Inicios de un Arte
La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Los hermanos Lumière crearon el cinematógrafo, que permitía la toma, proyección y copiado de imágenes en movimiento.
George Méliès, un ilusionista, utilizó el cinematógrafo inicialmente como un elemento más para sus espectáculos. Luego, desarrolló técnicas cinematográficas creando rudimentarios pero eficaces efectos especiales. Su obra más conocida es Viaje a la Luna.
«Gags» Visuales en la Comedia Cinematográfica
Los «tipos» cómicos, con sus bufonadas, adquirieron gran popularidad. Se escenificaban peleas y persecuciones con caídas y acrobacias imposibles. Se empleaba el Slapstick como recurso cómico, un subgénero de la comedia originado en la Commedia dell’arte italiana (s. XVI).
Los Sketches son escenas generalmente humorísticas, a veces improvisadas, de corta duración (entre uno y diez minutos).
Max Linder fue un gran innovador de la escuela cómica francesa.
El «Star-System»: La Era Dorada de Hollywood
El «Star-System» era el sistema de contratación de actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios de Hollywood en su época dorada. Este sistema buscaba asegurar el éxito de las películas a través de la fama y el atractivo de sus estrellas.
Charles Chaplin: El Genio de Charlot
Charles Chaplin (Londres, 1889 – 1977) comenzó a trabajar como mimo desde niño. Las giras con su compañía por Estados Unidos le permitieron entrar en contacto con Mack Sennett, con quien firmó su primer contrato en Hollywood en 1913. Así comenzó a dar forma a su célebre personaje, Charlot, el vagabundo romántico, de buenos modales y cierta picardía. La trascendencia de Charlot radica en la dimensión humana que Chaplin incorporó al personaje.
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