Goya: Un Pionero del Arte Moderno

GOYA Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746- Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje del barroco tardío en su tierra natal, viaja a Italia en 1770, donde entra en contacto con el neoclasicismo y un pintoresquismo costumbrista rococó.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables. Una serie de cuadritos en hojalata, de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, destacando la Guerra de Independencia, de la que derivan una serie de Los desastres de la guerra con una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.

Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Las Pinturas Negras (1819-1823)

Catorce obras murales pintadas al óleo al seco (sobre paredes recubiertas de yeso). Creadas como decoración de los muros de su casa, la Quinta del Sordo. Actualmente se conservan en el Museo del Prado. En ellas, Goya anticipa la pintura contemporánea y los movimientos de vanguardia que marcarán el siglo XX.

Romanticismo: Sentimiento y Reacción

ROMANTICISMO El sentimiento romántico es una reacción apasionada y dinámica contra la perfección neoclásica, estática y llena de normas. Ese sentimiento se ve afectado por la industrialización y los cambios sociales y políticos. Los temas donde enfatiza los sentimientos son: el paisaje, el individuo ante la naturaleza, los sucesos de actualidad, las imágenes simbólicas y oníricas y las escenas orientales y costumbristas.

También se traduce ese sentimiento romántico en una pincelada suelta, trazos sinuosos y contornos menos definidos.

Características Generales

• El romanticismo es una reacción contra el espíritu crítico y racional de la ilustración y el Clasicismo.
• Conciencia del Yo como identidad autónoma, dotada de capacidades variables e individuales como la fantasía y el sentimiento.
• La primacía del Genio creador de un Universo propio.
• Valoración de lo diferente frente a lo común.
• Liberalismo frente al despotismo ilustrado.
• Originalidad frente a la tradición clasicista y la adecuación a los cánones. Cada hombre debe mostrar lo que le hace único.
• Nostalgia de paraísos perdidos (de la infancia o de una nación).
• La obra imperfecta, inacabada y abierta frente a la obra perfecta, concluida y cerrada.
• Evasión del Tiempo (medievalismo), evasión a otros lugares (gusto por lo oriental).
• Importancia de lo misterioso lo sobrenatural.

En el sentimiento romántico se desvanecen las rígidas normas de las academias neoclásicas. Los requisitos de la Academia francesa eran «colores sobrios y bien mezclados, temáticas clásicas, una línea de dibujo exquisita, representación idealizada de la figura humana y temas ambiciosos».

La pintura romántica no es aceptada en las academias por romper esas normas. Los contornos se desdibujan, los colores son fuertes y los temas no están idealizados, son temas orientales, de sucesos reales, no de mitos. Donde la personalidad del artista es realzada, donde su intuición está por encima. Inglaterra no aceptó fácilmente esa moda neoclásica y el romanticismo empezó prematuramente con sus poéticas de lo sublime y lo pintoresco.

Caspar David Friedrich (1774-1840)

Fue uno de los pintores más importantes del romanticismo alemán. Su obra rompe con el neoclasicismo en el que el hombre era la medida de todas las cosas, para presentar al ser humano empequeñecido ante la inmensidad de la naturaleza: las figuras se pierden en el paisaje creando un efecto nostálgico y melancólico. Su obra fue una de las más reproducida en grabados de la época y ha aportado sus influencias hasta nuestros días.

Postimpresionismo: Más Allá de la Impresión

POSTIMPRESIONISMO Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores al impresionismo.

Este término engloba diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Cézanne

Se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

Sus Paisajes

Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar.

Impacto en el Arte Posterior

Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo.

Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo (Los jugadores de naipes, Las grandes bañistas, Paul Cézanne).

Van Gogh: Pasión y Color en el Postimpresionismo

VAN GOGH Vincent van Gogh produjo unas 900 pinturas y 1600 dibujos en solo 10 años (1880-1890), antes de sucumbir a una enfermedad mental. Decidió ser pintor a los 27 años, reflejando la vida en sus obras. Su primera etapa en los Países Bajos (1880-1886) estuvo influenciada por la pintura tradicional, con colores terrosos, destacando Los comedores de patatas. También dibujo mineros, personajes populares y copió obras de Millet, su pintor favorito.

Etapa Impresionista

En París (1886-1887), Van Gogh conoció a los impresionistas y adoptó su enfoque en la luz y el color. Influenciado por Toulouse-Lautrec y Signac, exploró la división de tonos y la simplificación del color. También se inspiró en el arte japonés, que marcó su estilo.

Etapa Postimpresionista

Van Gogh fue una de las figuras clave del postimpresionismo (1885-1915), que se alejó del impresionismo para centrarse en la expresión personal y la vida cotidiana. El término fue acuñado en 1910 por Roger Fry. Artistas como Cézanne, Seurat y, en ocasiones, Matisse y Bonnard también se incluyeron en este movimiento.

Etapa Precursora del Expresionismo y Fauvismo

Van Gogh destacó por su uso del color y una técnica frenética con rasgos expresionistas. A diferencia de Gauguin, que pintaba de memoria en su taller, él necesitaba copiar directamente de la realidad, ya fueran paisajes o modelos.

Su temperamento exaltado lo expresó a través del color.

El expresionismo comenzó a gestarse en las últimas décadas del siglo XIX en obras como La italiana (1887) de Van Gogh, El grito de Edvard Munch y La entrada de Cristo a Bruselas de James Ensor. En 1888, su llegada a Arlés lo llevó a una búsqueda más intensa del color, como se ve en La noche estrellada y Los Olivos de Saint-Rémy (1889). Sus pinturas de Saint-Rémy de Provenza se caracterizan por el uso de remolinos y espirales, reflejando su evolución artística. Sus primeras obras dramatizaban las escenas, mientras que las últimas mostraban una mayor simplificación, anticipando el expresionismo. El crítico Wilhelm Worringer acuñó el término en 1911, consolidando esta tendencia artística.

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