22 Oct

EL AGUADOR DE Sevilla

Localización: es una obra barroca hecha con una técnica de óleo sobre lienzo y con unas dimensiones de 106,7cm x 81cm. Actualmente se encuentra en Apsley House, Londres, Reino Unido y su autor es Diego Velazquez.

Contexto histórico: el contexto es el de una Europa dominada políticamente por las monarquías absolutistas, con una sociedad estamental e intervenida por el Estado. En el plano religioso es un arte muy apegado al catolicismo en una Europa dividida entre católicos y protestantes.

Análisis: La escena recoge el momento en el que los dos personajes del primer plano se relacionan entre sí. El  aguador de edad madura vestido de forma humilde con capa parda y manga rasgada que deja ver una camisa blanca  ofrece  la copa transparente con un higo dentro para hacer saludable o aromatizar el agua  a su jovencísimo cliente ( con gran  parecido con el niño de la vieja friendo huevos). Por su indumentaria ( atuendo negro con cuello blanco o lechuguilla)  parece que su posición social es mejor. En el fondo muy difuminado  y más alto surge la imagen de un hombre joven  que bebe con ansiedad  de  una jarra . La  individualización de los personajes y su psicología  sugiere  que el cuadro podría representar las tres edades del hombre.

Por  la figura del aguador  que se recorta sobre un fondo neutro, con arrugas en su piel y atuendos  de clases populares; por la calidad matérica de la cántara  que rezuma unas gotas de agua ,  la alcarraza trianera golpeada y  copa de cristal transparente y con un higo para dar sabor al agua. Se puede ver la importancia del dibujo ya que fija claramente los contornos. También se ve un claro Interés por los efectos de luz y sombra influencia de Caravaggio..   Con los efectos de la luz claroscuro crea los volúMenes o idea de materia o cuerpo como en los cachorros;  mediante el efecto de luz y sombra crea una atmósfera  tenebrista con ese fondo difuminado. La composición se estructura en forma de curva . El foco de luz procedente del exterior  incide en el  cántaro  pasa por la taza situada encima de la mesa y concluye en las cabezas  terminando en la manga del aguador.


Localización:Judith decapitando a Holofernes,autor Artemisia Gentileschi,1620,técnica óleo sobre lienzo,movimiento artístico Barroco,ubicación Galería de los Uffizi Florencia

Contextualización: el contexto es el de una Europa dominada políticamente por las monarquías absolutistas, con una sociedad estamental e intervenida por el Estado. En el plano religioso es un arte muy apegado al catolicismo en una Europa dividida entre católicos y protestantes.

Análisis:Las obras de Artemisia suelen reflejar el manejo del claro-oscuro y de la luz propio de Caravaggio con figuras femeninas vigorosas. La luz procede de un lateral y enfoca la escena como punto principal mientras que el fondo es completamente negro. Además, destacan en los ropajes un uso del color llamado “dorado Artemisia” como una carácterística propia de su obra.  Artemisia elige un momento exacto del episodio que es la decapitación con gestos dramatizados y en tensión donde cada personaje mira hacia un punto. Es curioso ver que las mujeres son representadas con fuerza y determinación no como seres delicados mientras que la figura de Holofernes es representada de forma contorsionada y dolorosa.  El uso de la espada por Judith es una metáfora de la Justicia y la sangre llega a brotar hasta la pulsera con camafeos de la diosa Artemisia, diosa virgen de la caza y que ha sido relacionada también con la Virgen María.  


L:obra pictórica.Las Meninas.Xpintor español Diego Velázquez/1656(S.XVII).Estilo Barroco.
Técnica óleo sobre lienzo.3,18×2,76m.Museo del Prado.

C

Nos encontramos con la España del S.XVI gobernada por el conde Duque del Olivares,valido del rey Felipe IV,una España que pierde su hegemonía en Europa,que pierde Portugal y tiene que luchar por conservar Cataluña.Los súbditos sufren epidemias,hambre,etc.En esta España en crisis y contrarreformista aparecen los genios de la pintura:Velázquez,Murillo y la literatura.La obra de las Meninas se sitúa en la última etapa de la obra de Vélazquez que comienza en su segundo viaje a Italia.

A:

retrato grupal en el interior de una estancia decorada con cuadros en las paredes que identificamos como el estudio del pintor en el alcázar real de Madrid.Aparecen 10 figuras situándose casi en su totalidad en la mitad inferior del cuadro creando un gran campo visual correspondiente a la estancia,campo que se amplía mediante el recurso de una puerta que se abre al fondo.El centro de la obra lo ocupa la figura de una niña rubia de unos 5 años,que identificamos como la infanta Margarita.A sus lados aparecen 2 damas de honor,conocida por el nombre de meninas que dan nombre a la obra en conjunto.La de la izquierda,Agustina Sarmiento,se inclina hacía la infanta para ofrecerle en bandeja de plata una pequeña jarra con agua.A la derecha se sitúa una segunda menina,Isabel de Velasco.Delante de ellas,en el ángulo inferior derecho aparecen 2 personajes que por sus rasgos identificamos como bufones.Justo detrás de Isabel de Sanmiento encontramos al propio pintor,Diego Velázquez quien lleva elementos propios de su oficio ,como el pincel y la paleta,pues se encuentra realizando su trabajo delante de un lienzo del que solo vemos su parte trasera.En un plano posterior,entre penumbras distinguimos 2 personajes adultos que parecen dialogar, uno de ellos se identifica como una mujer, Marcela Ulloa,señora del honor.Al final de la estancia descendiendo unas escalera y enmarcado por la puerta aparece José Nieto.En la pared del fondo hay un espejo que refleja al rey Felipe IV y la reina Mariona de Austria.Sobre la luz,la estancia aparece en semi penumbra iluminada por 2 focos de luz,una ventana y la puerta abierta.Respecto a la perspectiva,el pintor domina la perspectiva lineal de manera que la habitación forma un espacio cúbico cuyas líneas convergen en un punto de fuga.Los colores usados son oscuros,dominan los grises,plateados,azules oscuros y ocres.


L:
Obra pictórica,rendición de breda x español Diego Velázquez (1634-1635. S.XVII).Estilo Barroco.Técnica de óleo sobre lienzo,3,87m x 3,67 m.Museo del prado de Madrid.

C

Para entender la obra hay que remontarse en lo que estaba sucediendo desde finales del S.XVI a principios del S.XVII. Los países bajos estaban inmersos en la guerra de los 80 años en la que luchaban por independizarse de España. En 1590 la ciudad de Breda fué tomada por los Holandeses, Felipe IV reanudó la guerra con su llegada al trono en 1621 y su intención era recuperar esa plaza desde la cual se podría maniobrar para organizar otras conquistas.

A:

la obra se divide en 2 partes divididas por el eje vertical que está protagonizado por la llave. Una imaginaria línea horizontal divide la parte superior ocupada por el cielo y los estragos de la batalla y la parte inferior ocupada por la masa de los combatientes. La disposición de los combatientes es diferente, a nuestra derecha los vencedores,los oficiales se quitan el sombrero de forma ceremonial y los soldados alzan las lanzas, todo ello formando estructuras verticales. Rompe esta barrera de estatismo la bandera diagonal que nos conduce hacia la llave, la mirada de un soldado( posiblemente Velazquez) que nos introduce en el cuadro y la posición del caballo que crea profundidad. A nuestra izquierda se encuentran los vencidos pero estoicos Holandeses, detrás una gran columna de humo. Uno de ellos mira al espectador y otro con camisa blanca que construye un punto luminoso es consolado por un compañero. Para introducirnos en el cuadro como recursos del Barroco coloca figuras en escorzo, de espaldas, y personajes que nos miran.El tratamiento de las figuras es realista,El canon de las figuras es natural y a su modelado contribuye una poderosa luz que procede de nuestra izquierda ayudando al efecto de corporalidad y creando zonas de brillo en las chaquetas y grupas del caballo dando efectos de  claroscuro y de sombra en el suelo. Predomina el color sobre la línea,los colores son diversos, cálidos en 1 plano y fríos en el horizonte y la pincelada es diferente, diluida y suelta en la lejanía y detallada especialmente en el caballo como sus crines. El efecto de profundidad se consigue mediante la perspectiva aérea. El paisaje está visto de un modo panorámico, hecho que induce a pensar que el pintor se inspiró en mapas o grabados.


L
Micheangelo Merisi, Caravaggio (1599-1600),Iglesia de San Luis de los Franceses de Roma, capilla Conterelli.Barroco Italiano,técnica es Óleo sobre lienzo.

C

El Barroco es un estadio evolucionado del proceso de la Edad Moderna, legítimo continuador del Renacimiento. – Primitivamente «Barroco» designaba los productos de arte, pero sólo aquellos que eran irregulares, extravagantes o incorrectos.

A

Jesucristo, al que localizamos en la parte derecha del lienzo, acaba de entrar en la taberna acompañado de Pedro, otro apóstol, y extiende su mano y señala al elegido, Mateo, sentado a la mesa y rodeado de otros cuatro personajes vestidos a la moda romana de la época; sobre él y tras él, brilla un potente foco de luz. La luz ha entrado en las tinieblas con Cristo y rasga el espacio diagonalmente para ir a buscar a la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando que sea a él a quien busca. El rayo de luz reproduce el gesto de Cristo, alargando de manera magistral su alcance y simbolismo. El gesto de Jesús recuerda a la «Creación de Adán» de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel. Un compañero de Mateo, vestido como un caballero fanfarrón de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar.Los personajes se concentran en la parte inferior del lienzo; Cristoo queda relegado al margen derecho, y aunque las miradas y la luz crean un movimiento visual hacia él, apenas percibimos en un primer instante parte de su rostro de perfil.El auténtico protagonista de este lienzo es la luz; una luz que no parece tener un foco natural. El rayo de luz externo ilumina en violenta diagonal los rostros mientras otras zonas quedan en penumbra y oscuridad total.Caravaggio representa un texto evangélicolos rostros no están idealizados,Todo ello tiene una enorme fuerza provocadora, lo que generó polémica al considerar que las figuras sagradas resultaban demasiado vulgares.Caravaggio en su arrogancia, se había resistido durante su juventud a realizar encargos de temas religiosos. Cuando lo haga siempre buscará temas poco representados, situaciones a los que la puesta en escena, los contrastes de luces y sombras le dieran un sentido y una fuerza diferentes,como aquí. .


L:La fragua de Vulcanox español Velazquez,técnica del óleo sobre lienzo,S.VII,Barroco,Museo del Prado, Madrid.C:Cuando realiza esta obra , hacia 1630, el reino de España se encuentra sumido en una profunda crisis consecuencia de la guerra de los Treinta Años que no concluye hasta 1648. Al agotamiento en personas , se suman las malas cosechas, la peste para hacer de este Siglo XVII un siglo nefasto para la población y para el país que perderá su hegemonía en Europa. Sin embargo y por contraste desde el punto de vista cultural es el Siglo de Oro en el que brilla la literatura: Lope, Calderón, Quevedo y el arte : sobre todo la pintura: Ribera, Zurbarán , Velázquez , Murillo. El hecho de ser el pintor de la Corte le va a permitir una vida holgada y la oportunidad de conocer los cuadro de la Corte y realizar dos viajes a Italia el primero en 1629 y el segundo en 1648.

A

La composición es compleja, casi todos personajes se inscriben en una elipse que queda cerrada por el cíclope de la espalda curvada y cuyo escorzo sirve para dar profundidad .A la izquierda la figura de Apolo se recorta sobre un vano que de esta forma extiende la profundidad más allá de este espacio interior, Pero el núcleo central de la escena es un círculo formado por los cuatro personajes que tiene como centro el hierro incandescente y el yunque. Las formas son realistas. Probablemente influenciado por el estudio de la estatuaria clásica y de la obra de Miguel Ángel.El tema le da pie para introducir un desnudo.No obstante existe como en el mundo Barroco contraste entre la idealización del cuerpo de Apolo y el Naturalismo de los artesanos representados como gente del pueblo. Gran detallismo y calidad en el tratamiento de los objetos:. En cuanto la luz,Velázquez abandona el tenebrismo, ese fuerte contraste entre luces y sombras. La luz que parece frontal sirve para modelar los cuerpos con los matices de luces y sombras.La graduación es creadora de profundidad y es un precedente de la perspectiva aérea.Colores,predomina gama de colores terrosos con predominio de los tonos ocres, junto a estos la gama de azules, el verde,el blanco azulado,gris plateado de la armadura.Rojos anaranjados.La profundidad, es una de las grandes preocupaciones del pintor.Gran importancia de las expresiones, del análisis psicológico. Así de la ira de Vulcano,mostrada en su mirada, pasamos a la sorpresa de los trabajadores, como el que con la boca abierta asiste sorprendido al «chivatazo «. Es un cuadro cuyo ritmo viene marcado por las diferentes actitudes de los personajes.


L Éxtasis de Santa Teresax Gian Lorenzo Bernini.Siglo XII.Estilo Barroco.Mármol y bronce. Capilla Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria uno de las más representativas del Barroco en toda su extensión. Debemos recordar que tras el Concilio de Trento, 1545-1563 la Iglesia Católica plantea sendas reformas no sólo en su organización sino también en su comunicación con los fieles. El arte será un lenguaje visual con la función de persuadir a los fieles, frente a las nuevas formas protestantes. Así la teatralidad, el movimiento, el dinamismo, serán los recursos más empleados.Se trata de un conjunto escultórico de bulto redondo, sin embargo,

está concebido para que exista un único punto de vista, el frontal.Está realizado en mármol, aunque aparecen piezas de otros materiales como el dardo que sostiene el ángel realizado en bronce. La composición es de gran teatralidad, con un amplio uso de diagonales, partiendo desde el mismo cuerpo de Santa Teresa que parece inclinado, la posición del dardo o la mirada del ángel que se dirige en diagonal al rostro de la santa.
La factura es exquisita, no sólo por la maestría en la ejecución sino por la variedad de texturas que extrae el artista del mármol, desde la piel sedosa del ángel, los cabellos del mismo trabajados a trépano y la artificiosidad de los ropajes de la santa, a los que no sólo dota de volumen sino de cierta pesadez, lo que hace aumentar el efecto de elevación o levitación de Santa Teresa transportándola a un espacio irreal, que tiene más que ver con el espectro divino que con lo humano, sobre un vaporosa nube. Bernini supo trasladar las emociones y sentimientos que se experimentan en el encuentro místico. Si observamos el rostro de Santa Teresa, mantiene un gesto contenido lleno de sensualidad. Bernini utiliza este recurso uniendo misticismo y sensualidad, espíritu y carne para hacernos entender, como bien relataría Santa Teresa, el inefable encuentro con Dios.El conjunto además estaría iluminado por una luz cenital,proveniente de un vano de la capilla cerrado por un cristal amarillo,del que se desprenden rayos de luz realizados en bronce,añadiendo más teatralidad, más irrealidad y más misterio a laescena. En los laterales, se situarían dos palcos con miembros de la Familia Connaro. Esta escultura se realizó para la capilla funeraria de la familia Connaro,así que su función sería decorativa y al tiempo conmemorativa. Su significado, sería la uníón con Dios después de la muerte.


Nos encontramos con la obra el Éxtasis de Santa Teresa del autor Gian Lorenzo Bernini.Realizado en el Siglo XII perteneciendo al estilo Barroco. El material utilizado es mármol y bronce. Podemos encontrarla en la Capilla Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria.

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El Éxtasis de Santa Teresa no sólo es una de las obras más representativas de la madurez de Bernini, sino uno de las más representativas del Barroco en toda su extensión. Debemos recordar que tras el Concilio de Trento, 1545-1563 la Iglesia Católica plantea sendas reformas no sólo en su organización sino también en su comunicación con los fieles. El arte será un lenguaje visual con la función de persuadir a los fieles, frente a las nuevas formas protestantes. Así la teatralidad, el movimiento, el dinamismo, serán los recursos más empleados.

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Se trata de un conjunto escultórico de bulto redondo, sin embargo, está concebido para que exista un único punto de vista, el frontal.Está realizado en mármol, aunque aparecen piezas de otros materiales como el dardo que sostiene el ángel realizado en bronce. La composición es de gran teatralidad, con un amplio uso de diagonales, partiendo desde el mismo cuerpo de Santa Teresa que parece inclinado, la posición del dardo o la mirada del ángel que se dirige en diagonal al rostro de la santa. El artista extrae el artista del mármol, desde la piel sedosa del ángel, los cabellos del mismo trabajados a trépano y la artificiosidad de los ropajes de la santa, a los que no sólo dota de volumen sino de cierta pesadez, lo que hace aumentar el efecto de elevación o levitación de Santa Teresa transportándola a un espacio irreal, que tiene más que ver con el espectro divino que con lo humano, sobre un vaporosa nube. Bernini supo trasladar las emociones y sentimientos que se experimentan en el encuentro místico. Si observamos el rostro de Santa Teresa, mantiene un gesto contenido lleno de sensualidad. Bernini utiliza este recurso uniendo misticismo y sensualidad, espíritu y carne para hacernos entender, como bien relataría Santa Teresa, el inefable encuentro con Dios.El conjunto además estaría iluminado por una luz cenital,proveniente de un vano de la capilla cerrado por un cristal amarillo.En los laterales, se situarían dos palcos con miembros de la Familia Connaro. Esta escultura se realizó para la capilla funeraria de la familia Connaro,así que su función sería decorativa y al tiempo conmemorativa. Su significado, sería la uníón con Dios después de la muerte.

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