03 Feb
La arquitectura de ingenieros: introducción de nuevos materiales
Simultáneamente esta arquitectura historicista, el progreso exigió encontrar respuestas validas a los nuevos problemas planteados:
- El aumento de la población requirió construcciones rápidas y baratas.
- Los nuevos medios de comunicaron como el ferrocarril, exigieron la edificación de estaciones, la construcción de puentes y grandes obras públicas.
- Las nuevas industrias necesitaban instalaciones de características y dimensiones hasta entonces desconocidas.
- El progreso en cultura y educación llevó a la creación de museos y biblioteca
A finales del siglo XVIII, la nueva concepción arquitectónica estuvo protagonizada por los nuevos materiales, principalmente el vidrio y el hierro colado, un material muy resistente que permite construir grandes vigas para cubrir amplios espacios. En un primer momento el hierro fue utilizado con pretensiones de modernidad, pero fue rechazado por los arquitectos y destinado fundamentalmente a edificios industriales: puentes, graneros, estaciones etc.
A partir de mediedados de siglo se llevaron a cabo experiencias más técnicas y se construyeron grandes pabellones de hierro y cristal en los recintos de exposiciones universales, signo del desarrollo económico y técnico de un país. Finalmente, en el último tercio del siglo XIX, las estructuras metálicas sirvieron de soporte y permitieron limitar la función de los muros a la de elementos de cierre, y el vidrio se utilizó a modo de piel traslúcida para sustituir al muro. A todo ello se añadió, a finales de siglo, el cemento, un nuevo material constructivo y estructural que dominó la arquitectura del siglo XX.
El primer puente de hierro fue construido en Reino Unido llamado el puente Coalbrookdale. Hasta la segunda mitad de siglo XIX el vidrio no adquirió protagonismo en las construcciones, como el museo de historia de la ciencia de Oxford. Las obras más conocidas de este estilo fueron las que se realizaron para las exposiciones universales cOmo el Palacio de cristal de la primera exposición de Londres de 1851, de Joseph Paxton, y la Torre Eiffel, de Alexandre-Gustave Eiffel, para la exposición universal de París de 1889.
La escuela de Chicago
En 1871fue destruida por un incendio la ciudad norteamericana de Chicago y tuvo que ser reconstruida. En su reconstrucción participaron muchos arquitectos, y la falta de espacio y la especulación del suelo obligaron a levantar edificios muy altos, los rascacielos, lo cual fue posible gracias a las estructuras metálicas. Louis Sullivan fue la figura más destacada del grupo de arquitectos. Sullivan construyó en Chicago el Auditorium Building y los almacenes Carson.
Modernismo:
Durante el cambio del siglo XIX al XX surgió en Europa el Modernismo, es un contexto de tensiones latentes entre las grandes potencias debido al imperialismo y esto desencadenara en la Primera Guerra Mundial, este movimiento propone la emancipación de la arquitectura a favor de unas topologías decorativas inspiradas en la naturaleza que reacciona contra el historicismo académico que había denominado el arte del siglo XIX.
El modernismo recibe varios nombres Art Nouveau, Stile Liberty, Jugenstil etc. Pero todas se caracterizan por romper con la tradición y aprovechar las ventajas que ofrecen la tecnología y la industria, uso de líneas serpenteantes y motivos florales y geométricos.
De esta idea se paso a la arquitectura, características:
* Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central,
* Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración
* Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación estrictamente realista
* Miradores y balconadas distintos entre si.
* Encarecimiento de las contriciones ya que no hay nada igual.
Sin embargo a la vez que este en otros países hubo un modernismo mas geométrico, de volúmenes definidos y se combinan en sentido modular y crean así arquitecturas asimétricas, estuvo representada por Charles Rennie
Dentro del modernismo español, el máximo representante es Gaudí del cual muchas de sus imaginativas soluciones arquitectónicas se encuentran fuera del contexto general de la dinámica constructora europea del momento, obras del modernismo en España son La Pedrera o El Parque Guell
POST IMPRESIONISMO:
El año 1886 marco un hito en la historia de la pintura francesa, ya que los impresionistas expusieron juntos por ultima vez y sufrieron nuevos talentos y formas de expresión. En el post impresionismo se encuentran una serie de actitudes y tendencias que son la puerta de entrada al arte del siglo XX. La técnica de la pincelada suelta deriva en el impresionismo científico, que utiliza pequeños puntos de colores primarios combinados con sus complementarios. Georges Seutal llamo divisionismo a la base teórica de esta corriente y puntillismo a su técnica de ejecución. En primer lugar, hay que hablar del neoimpresionismo, que quiso llegar más allá del Impresionismo y dar fundamento científico al proceso visual de la pintura. Para ello desarrollaron la técnica conocida como puntillismo, que consiste en la división del tono en sus componentes. El pintor que plasmó a la perfección todas estas teorías fue Seurat. De su obra hay que destacar, sin duda, Un domingo de verano en la Grande Jatte, la mejor expresión del puntillismo.
Van Gogh (1853-1890). Su vida azarosa y atormentada es sobradamente conocida. Las famosas cartas que escribió a su hermano Theo y sus 35 autorretratos son un documento valiosísimo para conocer su compleja personalidad. Sus primeras obras reflejan el influjo del realismo holandés y tienen, por su temática, una clara intención de denuncia social. Posteriormente evoluciona hacia lo que será totalmente característico de su pintura la exaltación del color, que se convierte en vehículo de transmisión de sentimientos y emociones. Sus problemas psíquicos hacen que su pintura sea cada vez más exaltada, reflejo de su atormentada vida interior. Como magnífico ejemplo de su obra estudiaremos la Noche estrellada.
Gauguin (1848-1903). Su trayectoria vital fue agitada. En su obra reflejó la vida sencilla y pura de estas tierras, su exuberante vegetación y la sensualidad de los cuerpos de las mujeres indígenas, como en sus Tahitianas. Su arte es ordenado y reflexivo: utiliza composiciones sencillas y equilibradas. Aplica el color de una manera arbitraria, como reflejo de emociones y no de forma realista. Colores lisos, sobre formas simples rodeados por un trazo más oscuro, técnica que se conoce como “cloisonnisme”. Mujeres de Tahití será la obra que estudiaremos de este artista.
Toulouse-Lautrec (1864-1901). Al igual que Van Gogh, tuvo una existencia trágica debido a su deformidad física. La temática de su obra giró en torno a la vida nocturna de Montmartre, donde vivió. Retrató a algunas de las artistas más famosas de su tiempo. Agudo observador, supo expresar con pocos rasgos las características de sus personajes y toda su profunda humanidad. Instrumentos de su lenguaje pictórico son un dibujo simplificado y expresivo, el color extendido en zonas planas y uniformes y las figuras captadas dinámicamente como siluetas. La influencia del arte japonés se advierte en sus composiciones asimétricas o en sus encuadres atrevidos Cézanne (1839-1906). Es una figura fundamental para comprender el arte moderno. Inaugura un nuevo modo de ver y llevar al lienzo las formas de la naturaleza de una forma sintética, basada en el rigor geométrico. Reduce la realidad a su esencia y anuncia así el cubismo. En su pintura reinan el orden y la claridad. Aplica el color en tintas planas y trazos
EL IMPRESIONISMO
En el último cuarto del siglo XIX, el Impresionismo culmino la tendencia de unir visión y luz, inherente a la pintura occidental desde el Renacimiento. La captación de la luz mediante toques cromáticos sueltos fue la ambición de todos los grandes maestros de pintura, pero los antecedentes más directos los encontramos especialmente en los paisajistas ingleses Constable y Turner. Manet expuso su cuadro Almuerzo campestre, que escandalizo a los sectores. Los pintores impresionistas estuvieron en contra del academicismo y del arte oficial e intentaron que sus obras fueran admitidas en el Salón de París, pero al ser rechazados, las expusieron en el Salón des Refusées. A los artistas se les unió un sentimiento de amistad y luchaban juntos por sus ideales estéticos. Aunque no existió la escuela impresionista como tal, los artistas impresionistas se reunían en tertulias y en los cafés paisitos para discutir sobre cuestiones pictóricas.
Las aportaciones técnicas de los impresionistas fueron las siguientes: 1. teoría de los colores, que se basa en los cubrimientos de los científicos Chevreul y Rood. 2. la plasmación de la luz, se descubrió que los colores no son inmutables y que la incidencia de la luz es determinante. 3. las apariencias sucesivas: un mismo paisaje puede ser objeto de múltiples plasmaciones con tonalidades diversas. 4. la coloración de sombras en el detrimento del claroscuro. 5. la pincelada suelta 6. plein air, que es el tipo de pintura realizada al aire libre.
* Historicismo: La arquitectura historicista es una de las grandes corrientes de la arquitectura del siglo XIX, la más utilizada en el nuevo paisaje urbano, resultado del crecimiento de las ciudades. Está muy unida al Romanticismo. Aunque presentará numerosas modalidades: neorrománico, neorrenacimiento, neobarroco.., la corriente más difundida dentro del historicismo es el neogótico, que alcanzó un notable éxito durante la época romántica. Es un tipo de arquitectura que se preocupa esencialmente del aspecto exterior de los edificios, sin que haya siempre una correspondencia con el interior. Entre sus mejores ejemplos hay que destacar el monumental conjunto del Parlamento británico de Londres, que Charles Barry y Pugin iniciaron y entre los teóricos e investigadores de esta tendencia se encuentra el arquitecto francés Viollet-le-Duc, especializado en la restauración de edificios, a él se debe la restauración de las principales catedrales góticas francesas como Notre Dame, Chartres o Reims.
* Eclecticismo: Durante la segunda mitad del siglo XIX, la aparición de los ideales nacionalistas propiciaron la indagación en el pasado en busca de las propias raíces. Este afán nacionalista supuso la existencia de tendencias artísticas, aunque fueran contradictorias entre sí. Este eclecticismo o mezcla de estilos arquitectónicos tiene su precedente en la arquitectura historicista y su mejor ejemplo se encuentra en los edificios del Ring de Viena, construidos en diversos estilos, según la función de cada uno: el parlamento, de estilo neogriego; la universidad, en estilo neorrenacimiento; la iglesia, en neogótico.
De estas corrientes, la más importante fue el neogótico, atracción por el mundo medieval. El arquitecto más relevante de esta corriente fue A. Pugin que junto con Charles Barry, construyó el Parlamento de Londres. En Francia restauró Viollet-Le-Duc restauro la Notre-Dame de París. En España, Elies Rogent construyó el edificio principal de la Universidad Central de Barcelona.
En esta arquitectura se mezclan con absoluta libertad elementos inspirados en el arte egipcio, clásico o medieval. La Ópera de París, de Charles Garnier. Es el edificio más representativo de esta arquitectura y la referencia de muchos edificios construidos en el resto de Europa.
Artes plásticas en el siglo XIX
La Rev Francesa y la Rev Industrial provocaron procesos de transformación política, económica y social que se desarrollaron durante el s. XIX. Le Rev Francesa supuso el triunfo de la burguesía y el fin del Antiguo Régimen, y la Rev Industrial favoreció la aparición del proletariado. Las revueltas y la difusión de los ideales revolucionarios desembocaron una conciencia nacional que se materializó en la creación de nuevos estados. Desde el punto de vista artístico, se pueden considerar como núcleos básicos de todo este periodo las ciudades de Roma y París
Romanticismo: En Francia, el término Romanticismo se utilizó para referirse a la pintura y para oponerlo a la pintura neoclásica. De ahí que los movimientos sean poco claros y los encuentren mezclados en artistas de una misma época. Los términos romanticismo y romántico se usan a menudo para expresar una determinada actitud sentimental, pero Romanticismo como una actitud vital que afecta tanto al arte, la literatura y la música. Después del totalitarismo racional neoclásico, se propone un nuevo orden ideológico sustentando en la exaltación vitalista y en la necesidad de explorar nuevos campos.
La pintura romántica: El Romanticismo fue un movimiento eminentemente pictórico, en el que se distinguen 5 rasgos fundamentales.
* La diversidad opuesta a la uniformidad, y la exaltación del individuo y de las tradiciones.
* La aspiración a la libertad individual
* El historicismo como la búsqueda de las raíces nacionales en el pasado.
* La comprensión y el sentimiento de la naturaleza
* Predilección por lo exótico, lo imaginario y lo irracional
la pintura romántica presenta una gran diversidad estilística, fruto del individualismo y el nacionalismo, así como de la libertad creativa. Se pueden distinguir dos grandes tendencias: la composición barroca, con predominio del color y la clasicista, con predominio del dibujo. Hay que mencionar también la creación de pequeños grupos o escuelas de pintores como los nazarenos alemanes o los prerrafaelitas ingleses.
En cuanto a los temas, el Romanticismo se muestra muy homogéneo. Destacan el género histórico y el género del paisaje.
La escultura romántica
Podemos encontrar en la obra de los artistas de este periodo una nueva sensibilidad, próxima a los postulados románticos que se traduce en mayor complejidad compositiva, grandes contrastes de luces y sombras, expresividad en los gestos, que reflejan intensas emociones y profundos sentimientos. Una de las obras más representativas de esta nueva sensibilidad será La Marsellesa de François Rude.
Realismo
La segunda mitad del siglo XIX se caracterizó por una serie de acontecimientos históricos como la unificación italiana, la caída del segundo Imperio, la consolidación de los EEUU…
Es España, el panorama político se vio alterado por la Revolución de 1868, la proclamación de la Primera República y la Restauración monárquica. El arte apeló al gusto de las clases dominantes con la producción de diversas obras.
El centro artístico europeo más importante del arte de la segunda mitad del siglo XIX fue París. La capital francesa se convirtió en centro creador de las principales tendencias pictóricas: Realismo, Impresionismo, Postimpresionismo y Simbolismo
Realismo: Pintura realista :Es en la pintura donde podemos verdaderamente estudiar el Realismo como nueva corriente artística que se desarrolla entre 1840 y 1880. Supone una reacción contra la pintura romántica, rechazada por los pintores realistas al considerarla demasiado emotiva y alejada de la realidad. Su principal aspiración es, por tanto, la representación objetiva de la realidad que nos rodea. La vida cotidiana de los trabajadores, campesinos o proletarios, es representada sin idealización alguna. Los mejores ejemplos de esta corriente los encontramos en la obra de Courbet, Millet y Daumier. Gustave Courbet es el mejor representante del realismo pictórico. Fue un hombre comprometido con la sociedad en la que vivía y con los movimientos sociales que intentaban transformarla, como el socialismo. Su obra, en la que destacamos El entierro en Ornans, tiene como principal objetivo reflejar en toda su verdad la realidad de nuestro entorno. Jean François Millet. Pintor de origen campesino. Se instala en Barbizon para vivir en el campo, en una cabaña en la que desde entonces habitó muy humildemente, mientras la burguesía parisina rechazaba su pintura. Allí se dedicó a pintar cuadros como El Ángelus, en los que plasmó la dureza de la vida campesina. Honoré Daumier. Artista muy crítico con la sociedad de su tiempo, de la que nos ofrece una crónica mordaz mostrando la miseria de los sectores sociales más desfavorecidos.
Rodin
Escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica, expresada a través del modelado y la textura.
En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista, que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz, la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Rodin colaboró, en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. Viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento, Donatello y Miguel Ángel.
Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación autentica del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.
Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos.
El estilo más característicorevela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma.
Su reconocimiento llegó con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso.
Esta desmitificación y la representación del amor como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e indecente a El Beso. No obstante, la obra gozó de notable aceptación popular. Supone a un tiempo la apoteosis de la belleza y el movimiento, con la multiplicación de planos y la suave ondulación de la superficie, Ugolino, El pensador , Adán y Eva.
Su estilo deriva en plena madurez hacia las formas simbólicas, como en La catedral, reducida a dos manos en posición orante en la que las formas sugieren dimensiones que desbordan sus límites visibles o La mano de Dios, en la que de una etérea nube de mármol brota un cuerpo humano. Estas versiones intelectuales de los temas se desenvuelven en un plano de superación de lo sensible, similar al que acomete Cézanne en pintura. En 1886 terminó Los burgueses de Calais (Los burgueses de Calais anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo). Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, también hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. Murió en Meudon, cerca de París. Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París.
La obra de Rodin marca , a la par del Impresionismo en pintura, el nacimiento de la escultura contemporánea, aunque su figura desborda los límites de ese movimiento para convertirse en uno de los escultores más grandes de todos lo tiempos.
Deja un comentario