Manet

Parte del Realismo y llega a convertirse en un pintor vanguardista.Obras como El pífano son realistas, aunque formalmente va evolucionando a la vanguardia impresionista que podemos observar en el tipo de pincelada, la forma en la que representa el color.
Los impresionistas “coloreaban las sombras” y oscurecían los colores con sus complementarios.

Relación entre la mirada del pintor con la fotografía:

Manet representa a personajes a medio representar en el cuadro, sin organizar el espacio de forma clásica, por ejemplo en el caso de su obra
Concierto en las Tullerías busca organizar la obra de tal forma que parezca que estamos siendo parte de la obra, de que estamos viendo lo que está pasando. Cada vez se le da más importancia al punto de vista del compositor. Los pintores buscan la nueva mirada del arte en la fotografía, así, se irá replanteando la representación del espacio, volumen, la forma de oscurecer los colores, la composición del cuadro…  Busca dar esa sensación fotográfica de fuera de campo, dejando las composiciones abiertas. Otro de los caminos de evolución de este artista es que llega a la conclusión de que la realidad es luz, por lo que cuando pinte, la realidad cambiará. Por esta razón el conocimiento para representar esta realidad mutable y veleidosa lo encontrarán en la calle, este planteamiento nos llevará a la pintura plein air.  

CC

El último de los pintores clásicos y el primero de los pintores modernos. /Le da importancia al tema. Manet da un paso hacia delante y nos encontraremos con pinturas difícilmente entendibles  porque lo importante no es tanto lo que cuenta sino cómo lo cuenta. / Es la clara personificación del “nuevo artista”. Jugando con el concepto de escandalizar, como en el caso de “Olympia”. Rompe el tabú de utilizar el desnudo como elemento mitológico, sino que hace un retrato de la modernidad./ Manet acaba con el modelado clásico. Utiliza superficies de color mucho mas claras. Esto lo adopta de las estampas japonesas “Ukiyo-e” ./Manet fue un pintor que llega de la tradición a la modernidad, pero no llega a ser un pintor vanguardista. No pertenece al grupo de los impresionistas, ya que él siempre quiso triunfar en la pintura, por lo que siempre se mantuvo en lo académico Manet no obtuvo su éxito hasta la última etapa de su vida./ Tuvo mucho influjo en él la pintura barroca del norte de Europa y la pintura veneciana , en concreto velazquez. / Manet no trabajaba “a la prima”, no es un pintor plenairista. Le da mucha importancia al dibujo, a los personajes y al acabado como para hacerlo en una misma jornada./ No utiliza el negro, ya que hace que pierda saturación las pinturas.  El retrato va a estar siempre presente en su obra. /Realizaba sus pinturas en el estudio, supone muchas más horas de dedicación al acabado, a los detalles, etc

Alfons Mucha

Es eslavo y este destaca desde pequeño como dibujante. Acaba estudiando en Alemania y posteriormente en parís que es donde se produce su eclosión. En su obra veremos referentes que se podrían explicar a través de sus orígenes. Sus formas de enmarcar pueden recordar a veces a los nimbos con los que se chapaba el icono, esto tiene una influencia bizantina que proviene de su niñez. Su gran obra vital fueron unos murales que registraban la historia de los pueblos eslavos. Con la independencia de Checoslovaquia se le encargan billetes, sellos, por lo que su obra se vuelve de carácter popular. Una de las carácterísticas principales de sus carteles es la tendencia a un formato vertical muy alargado, ya que se adapta muy bien a la figura y un encuadre alargado siempre tiene una sensación ascensional, teniendo imágenes que juegan con lo carnal y lo espiritual Toulouse Lautrec
 Personaje en el que se mezclan su vida y su obra, es de procedencia aristocrática y de niño sufre una deformación en las piernas, siendo un enano, esto para él supónía un problema, del que consigue  escapar uníéndose a la  bohemia.Muchos de sus carteles tiene la finalidad de anunciar espectáculos . Se le ha reconocido como pintor de la bohemia Se le considera un pintor postimpresionista. Empieza su obra en el impresionismo, pero este como estilo se agota rápido por lo que este artista se considera postimpresionista. Es un genio del dibujo y su carácterística principal es que es un dibujo muy suelto, con una línea abocetada con más carga expresiva. Sacrifica la excelencia técnica por una representación con mayor carga dinámica. Hay una evolución en el cartel, ya que le da más importancia a la transmisión emocional de los sentimientos, al dinamismo, a la expresividad… Juega con elementos plásticos con más carga expresiva, con elementos de saturación y de contraste, no hay tanto recreamiento en el detalle.

Leonetto Cappielo

 Dibujante italiano al que se le puede atribuir la paternidad de los carteles que empiezan a funcionar como reclamos publicitarios. Piensa mucho la estrategia, sus obras están concebidas como auténticos carteles, centrados en exponer el objeto que se está publicitando con el objetivo de crear una imagen memorable. Utiliza una técnica sencilla pero una reflexión sobre el cromatismo, la composición… que hace que sean imágenes muy potentes. Sus imágenes son simples en lo formal pero juega mucho más con la retórica. Otra carácterísticas que le acercan al lenguaje publicitario es el uso del humor (ironía). Sus figuras tienen una función conativa, usando el contraste. Introduce otros temas como los diablos, duendes, payasos de la comedia del arte…

1 La conciencia de modernidad:

 Encontraremos una investigación sobre los distintos materiales y su aplicación. En la arquitectura se usará el  hierro forjado con lo que se harán las líneas látigo, elementos de carácter figurativo…Gran cromatismo en los materiales. Se usan ladrillos vidriados convirtiéndose en vidrieras laicas / Huyen de las formas academicistas, desaparecen los órdenes arquitectónicos clásicos /Huyen del historicismo 2 Se utiliza como punto de partida la naturaleza, es una naturaleza estilizada y elegante: 
Al gusto por la naturaleza se le suma el interés entomológico. Es el primer estilo que utiliza insectos como elementos decorativos. Se utilizan temas zoomorfos y vegetales (orgánicas).

3Equilibrio entre la estética y la funcionalidad:

Las formas se hacen estilizadas /Búsqueda de la comicidad /Gran interés por la decoración /Creaciones exclusivas huyendo de lo repetitivo.Se busca una virtud que antes no formaba parte del ideario, la originalidad. /Imposición del cromatismo alejándose de la sobriedad academicista. Interés por las esculturas criselefantinas.  / Búsqueda de la belleza moderna y personalizada. Se empieza a valorar la posesión de la riqueza 4Influencia del movimiento de las Arts and Crafts 
Muy importante en las artes aplicadas. / Fueron los primeros en reflexionar sobre el diseño / Los complementos adquieren gran protagonismo, perfección técnica y calidad estética. 

5Nuevas soluciones técnicas y estéticas

Se huye del pasado enseñando nuevos tipos de arcos (como la catenaria), nuevos tipos de fachada (jugando con curvas, uso de vidrio, hierro), de soportes (columnas), paramentos (trencadís) / En artes gráficas se impone la litografía./ La figura de la mujer se usa como motivo decorativo. 

6 Japonismo

Cuándo finaliza en japón el período Edo, Japón comienza a ser de gran interés. 

7 Imagen de la mujer 8Arabesco

Curva que se cierra sobre sí misma, muy común en la decoración (lazos ornamentales, cabelleras…) 

9Combinación de técnico con lo orgánico

Se intenta conjugar el avance del Modernismo con una base natural, mezclando los avances científicos con las formas híbridas. 

10Revivificación de las épocas artísticas “locales”

Hay algunos elementos de épocas pasadas que se utilizan desde el punto de vista de una vuelta formalista a rescatar lo que estéticamente parece asumible y puede ayudar a crear una estética moderna. 

11Abarca la totalidad de las artes

Habla de una corriente vital que lo abarca todo, esto nos lleva a lo conocido como la obra de arte total, en la que se mezclan las distintas artes La importancia del cartel Se pueden conseguir imágenes de buena calidad convirtiendo la pintura, en un Mass Media La repercusión de esto es que el arte influye en todas las capas de la sociedad, convirtiéndose en un canal de progreso social.

El Modernismo no puede considerarse un estilo monolítico, sino que presenta una gran diversidad temática y formal que solo podemos agrupar en un mismo estilo artístico porque tienen en común las mismas motivaciones, pero su forma concreta varía según los artistas o los focos. 

Variedad orgánica o vegetal:

Se da sobre todo en Bélgica, Francia o Cataluña, son todo superficies curvas, columnas arbóreas, cromatismos, revivals de la vidriera, recuperan la luz cromática. Nos aleja de la geometría y nos lleva a una estructura orgánica. 

Variedad geométrica:

Lo importante es el espacio. No se hacen concesiones estéticas. La idea es que la arquitectura nace de dentro hacia fuera,. Es carácterístico el round plan, con el que se comenzaba a hacer la casa desde dentro, primero creando la organización de la casa y posteriormente, la fachada. Esta arquitectura se usa en la sezession vienesa y en el modern style inglés. 

Antonio Gaudi

CC

Pertenece al Modernismo catalán / Utiliza la línea curva, cóncavo, convexo… no es un arquitecto esteticista ya que hay una clara preocupación estructural. Al principio de su obra se ven las influencias nacionalistas. Sintetiza la estética con lo tectónico y lo simbólico / Utiliza nuevos materiales en la decoración, la piedra, el hierro forjado, la cerámica y el vidrio / Integración de las artes aplicadas. / Formas orgánicas. Todas sus formas recuerdan a elementos naturales./ Usaba la maqueta antes que planos / Desarrollo nuevas e imaginativas soluciones/ Tiene algunas obras de influencia neogótica como en “el capricho”. El hecho de usar el ladrillo de esa forma recuerda mucho al arte neomudéjar. El arte neomudéjar también se ve incorporado en la obra de Gaudí./  Es una arquitectura eficiente/ En cuanto a lo simbólico, se ve en elementos que recuerdan a formas religiosas. / Inspirado en Viollet Le Duc Elementos estructurales novedosos de Gaudí: Arcos catenarios (para cubiertas) y parabólicos (para sujetar el peso de los forjados). /Los materiales más usados eran la piedra, el ladrillo Su inspiración es la naturaleza. / Pilares inclinados y ramificados. Aplican a los pilares la forma de el arco parabólico. No usa el sistema clásico, lo que hace es ramificar los arcos. Metíéndole incluso torsiones, para conseguir mayor fuerza a la hora de canalizar las fuerzas horizontales / Las columnas de árbol, usadas mucho en “La Sagrada Familia”/ Dobles cubiertas, mediante arcos catenarios. / Transforma los conductos de ventilación y las chimeneas en esculturas. El detallismo en sus trabajos es excepcional / Planta libre. Utilizan el muro cortina para que tenga más luminosidad el edificio. 

IMPRESIONISMO

La pintura deja de tener finalidad narrativa, no nos cuenta nada, no hay relato, no es pintura narrativa./ Banalización de tema/ La disolución de las formas / Cuadros inacabados /Primacía el color y la libertad temática /No utilizan el pigmento negro. /Solo preparan con blanco el lienzo. / Descarta los colores sombra, sombrear con colores oscuros ríos, azules, mezclando complementarios, sombras coloreadasEn el  impresionismo se utiliza el tema del concepto de tiempo en la imagen fija. No es exactamente un estilo científico, pero algunos de  los principios del método científico si los utiliza, por ejemplo la orientación. Lo realiza gente cultivada más allá del arte, descubren los estudios de Chevreul sobre la luz y el color, con lo que entendían que el color no es una propiedad de los objetos. En el impresionismo se colorean las sombras, son sombras que juegan con lo frío y lo cálido con el color complementario de la forma que se sombrea… El color se aplica con pinceladas cortas, pinceladas sueltas, estilo abocetado, disolución de las formas. Mezclan los colores directamente en el lienzo y siguiendo las leyes de Chevreul, dejan pinceladas de distintos colores yuxtapuestas para que los colores se mezclen en nuestra retina, utilizan pocos colores y muchas mezclas. Debemos entender que hasta hace poco las pinturas se hacían preparando primero el lienzo, estas imprimaciones a veces las hacían utilizando un poco de pigmento. Los impresionistas dejan claro que hay que pintar siempre sobre un lienzo blanco, ya que nos permite percibir mejor el color. Temas no son narrativos, se mantienen los géneros del paisaje, el bodegón…  el paisaje urbano se convierte en un tema muy común, y el paisaje urbano nocturno casi se considera un género por sí mismo. Para realizar sus obras utilizan el plein air. El japonismo influyó mucho ya que sus composiciones y temática aparecen bastantes en los pintores impresionistas. El impresionismo rompe con la tradición pictórica de la cultura occidental con la idea de que no pintas objetos tridimensionales si no la luz que representan esos objetos. Ya no se representa el espacio con perspectiva aérea, no se recrea el espacio de forma convencional. El impresionismo no busca reclamación social, se centra en la sensación, es una pintura puramente sensitiva. Los títulos serán convencionales, casi todos son descriptivos y geográficos. Otra carácterística importante es la desmaterialización, dándole así a la pintura una nueva dimensión hasta tal punto que  nos conducirá a la abstracción. 

Antecedentes del impresionismo

 

Escuela de Barbizon:

representada por Corot, Millet y Courbet, que aclararon la paleta y se dedicaron a la pintura de bocetos al aire libre, usando el plein air.
 William Turner, Goya y Velázquez  por su tratamiento del color. 

Realismo

Reflejaban la realidad contemporánea.

Rodin:

Es un escultor paradigmático ya que en su obra se ve el cambio de un concepto artístico a otro nuevo y radicalmente distinto. Empieza formando parte de un taller, haciendo las funciones manuales, desde ahí empieza a destacar su capacidad para el modelado. Sus referencias vienen de los modelos clásicos de Italia donde a parte de estos referentes también estudia a Miguel Ángel desde otro punto de vista, viendo el tratamiento de la anatomía las poses, la idea de que a través de la pose y el gesto se pueden tratar todas las caras de la personalidad, sin embargo, para esto hay que renunciar al clasicismo ya que tiende a las posturas impostadas y canónicas Rodin pide a sus modelos que se paseen desnudos por el estudio, de tal forma que el escultor pudiese descubrir en alguna de sus poses algo distinto a lo visto hasta entonces en la historia de la escultura. Con este ánimo vital es con el que empiezan a surgir cambios que influyen directamente en la escultura. Uno de los primeros éxitos de Rodin es La edad del bronce en la que Rodin busca representar al hombre primitivo, haciendo una figura de tamaño natural con un modelado trabajado con Naturalismo y más Realismo del que había hasta entonces, viendo a una figura verosímil, más humana. Por la que le acusaron de haber tomado moldes mediante la técnica del vaciado de una persona real, y de ahí haber construido la escultura.La importancia de la fotografía en esta época se ve en que puedes tomar fotos de los modelos para ayudarte a sacar la pose que parece más adecuada a lo que se busca contar, como si las imágenes fueran bocetos.Ël usa el tratamiento de la luz es impresionista y un poco miguelangelesco. Rodin también le da mucha importancia al diseño. La parte fundamental de su obra es que trabajaba sobre la idea, esto hace que haya muchas reproducciones de su obra firmadas por él, de distintos materiales y tamaños. Busca representar las profundidades abisales de la psique humana, a través de lo externo, de la pose o el gesto. Se mueve entre el estilo impresionista y el expresionista, se ve por sus deformaciones expresivas, con los tamaños desproporcionados para ofrecer a la figura más dramatismo. La fragmentación es una evolución, por así decirlo, del non finito. La seriación es otra carácterística, que se basa en su consideración del escultor como un diseñador. Por eso utiliza el mismo modelo de tallado para obras distintas. Los temas más representados en sus obras son los retratos, los cuales sufren una gran evolución. Cuando ya obtiene un nombre las administraciones le contratan para monumentos y obras públicas, como las puertas del infierno. Representa esculturas que pierdan el peso natural de la propia escultura. Que creen la sensación de perder el peso natural y tener la fuerza espiritual para saber livianas e ingrávidas.