Diferencias entre Impresionismo y Postimpresionismo

Las directrices del Impresionismo se resumen en los siguientes puntos:

• Reanudación de la pintura al aire libre (en plein air).
• Velocidad de ejecución.
• Creación de una visión pictórica que intentaba representar los objetos de manera natural y objetiva.

Estas características acercaron la pintura a la fotografía, nacida en esos años. El concepto de Postimpresionismo reside precisamente en la superación de esta visión (casi mecánica) de la realidad. Los pintores postimpresionistas, de hecho, rechazan la mera impresión visual y la nota de color, buscando ir más allá:

• Restauración de la línea de contorno y el diseño.
• Retorno al uso del negro y el marrón.
• Dibujo en fondos monocromos planos.
• Tendencia a la linealidad.
• Predilección por las grandes dimensiones.
• Pintura en el taller (¡ya no al aire libre!).
• Los sujetos eran estudiados previamente con dibujos preparatorios.

Las técnicas utilizadas buscaban dar una impostación subjetiva a las obras, que no fueran solo una rápida visión de la realidad, sino la propia visión del pintor, más allá del objeto.

Noche estrellada de Van Gogh: Un Análisis

Pintado en 1889, «Noche estrellada» de Vincent Van Gogh (del cual existen varias versiones) es, quizás más que cualquier otra obra del gran pintor neerlandés, la suma de su concepción naturalista, no en un sentido estrictamente filosófico, sino en términos de su relación diaria, visual, con el mundo exterior y, en particular, con el firmamento.

Si observamos el tamaño asignado a las figuras, prevalecen las estrellas, el cielo salpicado de astros, el resplandor y los halos. Es evidente la intención del autor de representar un mundo sensible, que fascina, deslumbra y agrada por su grandeza y la energía que emana. La nota expresiva de Van Gogh hace que el cielo cubra el paisaje subyacente, como si lo envolviera para protegerlo con «afecto», en un abrazo fuerte y maternal. Los colores del cielo se reflejan en las casas, montañas y colinas; una gran cantidad de toques de azul, amarillo y verde se yuxtaponen, se mezclan, recordando las composiciones divisionistas de Seurat.

Sin embargo, hay aspectos desconcertantes en la pintura, incluso de miedo (como, por ejemplo, la presencia del ciprés en primer plano, con su forma oscura y enorme, que parece devolver inmediatamente al observador a la realidad del destino humano), aún más «palpable» en la maleza densa, impresa en el lienzo con una energía que no es solo muscular o física, sino que proviene de las profundidades del alma.

Incluso antes que los temas pintados, es esta instintividad, esta fuerza compositiva, la que indica la conflictiva relación del artista con la realidad del mundo y la vida. Todo habla de magia en la obra. De hecho, el pueblo aparece dormido, mágico y encantado, bajo el cielo iluminado por la luna. Sin embargo, la línea sinuosa, rota, a veces oscura, revela el indudable tormento interior del autor. Al mismo tiempo, la elección de tonos terrosos, presentes aquí y allá, como el amarillo y el naranja, ayudan a alegrar el ambiente y ofrecen una sensación de belleza y vida. Del mismo modo, los flujos atmosféricos (o, si se quiere, nebulosas astrales) forman remolinos y espirales resueltos, parecen tener un impulso y una vida propia, y sugieren una matriz superior, divina.

Así, Van Gogh, pintor a menudo solar, de girasoles, campos de trigo y praderas, no pudo escapar al encanto de un paisaje iluminado por la luna, vivido en su corazón como valioso, o incluso más que la luz del sol. Sin embargo, la composición tiene un tono melancólico, común a otros artistas del siglo XIX, incluyendo a Leopardi.

Van Gogh y Leopardi: Una Comparación

El tema del firmamento, y de la luna en particular, está presente en muchos poetas, incluido Leopardi de Recanati, aunque en este último asume deliberadamente las características de una cuestión de fondo para la especulación filosófica y metafísica. Leopardi también reflexiona sobre la relación entre el hombre y la naturaleza, y sobre la imposibilidad del individuo moderno de vivir una relación plena y armoniosa con la realidad de la vida. Un ejemplo adecuado parece ser el «Canto nocturno de un pastor errante de Asia», donde se expresa una vez más su pesimismo cósmico.

Para completar la comparación entre ambos artistas, cabe señalar que el paisaje de Van Gogh es físico, concreto, aunque termina por inducir al espectador a consideraciones existenciales y superiores, mientras que la luna descrita por Leopardi es silenciosa y abstracta, en general lejana, demasiado lejana de los hombres para dar respuestas a las muchas preguntas que se plantean, y que a menudo terminan perdiéndose, como siempre sucede ante un misterio inescrutable.

La luna de Van Gogh (un artista obsesionado por sus asuntos personales, además de participar más o menos conscientemente en los acontecimientos de la decadencia de fin de siglo) tiene la calidez, el encanto y la energía para consolar; la de Leopardi aparece solo como una enorme roca en el cielo, que no tiene razón de existir, porque nada puede hacer por el hombre, si no es iluminar, físicamente, su viaje.

La luna de Van Gogh es romántica, amable, cálida como la pasión impetuosa y contundente por la vida; la de Leopardi es una luna más racional, pero no menos bella y conmovedora. Lo que une a los artistas es, por supuesto, el mismo siglo, pero también el mismo sentimiento lírico y consternado por la variedad de la existencia.

El Postimpresionismo de Van Gogh

Van Gogh, a diferencia de los impresionistas, tiende a proyectarse en la realidad misma y, por lo tanto, a transformarla, a transfigurarla según sus sentimientos.

Al igual que Gauguin, Van Gogh utiliza la línea no como un elemento descriptivo, sino con una función expresiva, haciendo que el color real sea sugerente: el color no es, por lo tanto, el real, sino un color que sugiere la emoción, un color a través del cual Van Gogh se expresa con más fuerza.

Lo importante, por lo tanto, no es describir los hechos narrados de forma objetiva, sino el sentido humano de lo que se representa, cómo se siente.

En 1886 (año en que se traslada a París), hay un punto de inflexión en la pintura de Van Gogh, porque comprende plenamente la lección impresionista, aclarando su paleta (hasta entonces oscura y monótona), y entra en contacto con las teorías de Seurat, que adopta con entusiasmo. Sin embargo, no se puede hablar de Puntillismo, sino de Divisionismo, ya que los puntos se yuxtaponen como fichas de colores dispuestas según la forma de la línea del sujeto (como se ve en su *Retrato*).

En 1888 se traslada a Arles, al sur de la Provenza, una región rica en color y brillo. Planea abrir un estudio en el Sur, un lugar donde todos los artistas que quisieran buscar paz y tranquilidad pudieran refugiarse; en cambio, su situación mental empeora y se ve obligado a ser hospitalizado varias veces en clínicas de reposo. A pesar de todo, en este tiempo pintó unas 200 obras del más alto nivel.

Durante mucho tiempo, Van Gogh fue estudiado desde el punto de vista del psicoanálisis, tratando de comprender cómo su perturbación mental pudo influir en su forma de expresión. Lo importante no es eso, sino que las obras de Van Gogh parecen la expresión de la angustia existencial del hombre en crisis de la modernidad, en un momento de grandes valores tradicionales que habían tranquilizado durante el siglo XIX.

Características Principales del Arte de Van Gogh

En resumen, las características principales son:

1. Pintura realista y social, oscura y dramática, signo de una profunda tragedia interior.
2. Eliminación del realismo y alejamiento de las formas originales de Millet.
3. Uso simbólico del color y la pincelada, expresivos de su estado de ánimo.
4. Profundo interés en la representación del color y la luz, pero separado del «cientificismo» típico de los «puntillistas».
5. Aplicación de la separación progresiva del color según la lección de Gauguin; una disposición en pinceladas y filamentos que se convierten en la característica del pintor.
6. Su obra parece una anticipación del Expresionismo.