28 Jun
LA MUERTE DE LA VIRGEN
a)- Es una pintura, un óleo sobre tela de 3,7 x 2,5 m. Se encuentra en el Museo del Louvre, en París.- La pintó Michelangelo Merisi, más conocido como Caravaggio, en 1606. La muerte de la Virgen es una de las típicas obras de este periodo de madurez: obra religiosa para decorar una iglesia, con todos lo rasgos propios de su estilo, un estilo que tenía numerosos partidarios entre los pintores afincados en Roma, pero también muchos detractores. Algunas de sus obras fueron rechazadas, destacando la Madonna de los palafreneros, que estaba destinada para la decoración de la basílica de S. Pedro, lo que significó un freno a su carrera artística. De cartácter pendenciero, tuvo varios problemas con la justicia, y en 1606, poco después de entregar La muerte de la Virgen, huyó de Roma tras una reyerta en la que resultó muerto un hombre. Viajó por el sur de Italia hasta que en 1610 emprendió su retorno a Roma. Murió de malaria en el camino de vuelta- La obra fue encargada por Laerzio Cherubini para decorar la iglesia de los monjes Carmelitas Descalzos, Santa María della Scala. La obra fue encargada en 1601, y no se saben las razones del retraso en su entrega.- El contexto es el de una Roma en efervescencia religiosa y con una enorme actividad artística al servicio de la religión. Como en el inicio del s. XVI, en el inicio del s. XVII Roma es el centro del arte, pero con un fundamento ideológico muy diferente, casi antagónico al del neoplatonismo y el humanismo de décadas atrás: la Contrarreforma. Hay que recordar que el enfrentamiento entre catolicismo y las diferentes versiones de la Reforma protestante fue la causa principal o secundaria de numerosas guerras y genocidios en aquella época.- Es una obra aislada. Es una obra en la que el color domina al dibujo. Caravaggio optó por la pintura basada en el color, la tradición veneciana, frente a la pintura basada en el dibujo, la tradición florentina y romana. Las pinceladas, las manchas de color, son las que definen las figuras y los ambientes. Caravaggio no hacía bocetos de sus obras, pintaba directamente, rectificando las veces que fuera necesario, como muestran las radiografías de sus cuadros. La pincelada, como la de los grandes maestros del Cinquecento, es suave, no es evidente.- La luz juega un papel importantísimo. En esta obra, como en todas de la época de madurez del autor, la escena está iluminada parcialmente por un foco concreto, dejando parte de la misma a oscuras. Este juego de claroscuros típico de la obra de Caravaggio es denominado tenebrismo. En este caso, el foco se encuentra por encima del marco de la obra, hacia la izquierda, y la ilumina de forma oblicua, destacando el rostro de la Virgen.- La obra es de un gran realismo. Caravaggio representaba a los personajes y a los ambientes sin idealización. Si los apóstoles eran ancianos de origen campesino, había que representarlos como tales, y tomaba como modelos de estos personajes a los mendigos de Roma. La pobreza de la casa y de las ropas también es destacable. A este realismo extremo, que no esconde los aspectos desagradables de la realidad, le llamamos naturalismo.- En estrecha relación con el tenebrismo y el naturalismo de sus obras, Caravaggio introduce un gran dramatismo en sus obras. Las escenas suelen ser instantáneas de una acción o episodio concreto. Los episodios representados son tratados con grandes dosis de tensión y sentimientos expresados abiertamente. El dolor y el llanto de los que rodean a la Virgen son un buen ejemplo.- Finalmente, la última de las características importantes de esta obra, y del conjunto de pinturas de la etapa de madurez de Caravaggio, es el de la composición. Las líneas dominantes alrededor de las cuales se distribuyen las figuras son inclinadas y oblicuas. Además, en la formación de estas líneas intervienen la luz y los colores. – Es una obra de género religioso. Representa el momento en que la Virgen María muere, rodeada de los apóstoles y María Magdalena. Hay que tener presente que el tema de la Virgen era especialmente complicado en aquella época, pues recordemos que las religiones surgidas de la Reforma no reconocían el papel divino de la Virgen, mientras que los católicos, con la Contrarreforma, lo reforzaron. Según la doctrina católica la Virgen no murió, no pudo morir pues era más divina que humana, lo que sufrió fue un “tránsito”. En el contrato de los carmelitas y Caravaggio figuraba explícitamente que el tratamiento que tenía que hacer del tema era el de un tránsito, no una muerte física.- Caravaggio representó a la Virgen como una mujer cualquiera, como a un ser humano, una vez muerta, sin ningún atributo de divinidad. Está tendida en una cama, destapada, con el vientre hinchado y los pies descalzos. Se rumoreó que el modelo utilizado para la Virgen había sido una prostituta o el cadáver de una mujer ahogada en el Tíber. El autor atrae la atención del espectador y le impone unos recorridos visuales con formas inestables y efectos lumínicos. Este es un recurso que provoca inestabilidad e inquietud en el espectador.- Todas estas características son muy novedosas en relación a la pintura renacentista, en especial la romana. Caravaggio es el iniciador de un nuevo estilo, fue el maestro de varias generaciones de pintores que desarrollaron el estilo que hoy llamamos barroco. – El significado de la obra es sencillo y directo, no difiere mucho del análisis iconográfico. La Virgen, como los apóstoles, era humana, y como tal murió. Y era pobre, y en un ambiente pobre murió. Su experiencia vital, por tanto, no era diferente a la de la mayoría de los cristianos de la primera década del s. XVII.- La función de esta obra es la de difundir la religiosidad de la Contrarreforma. Costó que una parte del clero y del pueblo aceptase la obra de Caravaggio, debido a sus novedades, que podían ser interpretadas como irreverencias o pecados, en una época especiamente sensible en estos aspectos doctrinales.
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