Franz Liszt

Liszt fue el primer compositor que dio conciertos en grandes salas (pionero en recitales) e instauró la técnica de tocar de memoria, interpretando un múltiple repertorio, desde Bach hasta obras propias. De gran talento, estudió con Czerny y Salieri. Está considerado como el padre del poema sinfónico. Fue director en Weimar, donde alentó el movimiento romántico y fue precursor del nacionalismo húngaro.

Liszt tenía una capacidad inmensa de trabajo (concibió más de 1300 obras, sobre todo de piano) con un estilo ecléctico (por rachas) y muy variado.

Rasgos más notables

• Herencia húngara (Rapsodias): Se inspira en melodías húngaras.
• Temperamento apasionado.
• Instrucción germánica inicial en Viena.
• París: Vivió el romanticismo literario francés.
• Conoció a Berlioz y concibió la música programática.
• Tomó de Chopin los efectos pianísticos y agregó desarrollos e innovaciones armónicas.
• Cambió idiomáticamente el lenguaje del piano, llevándolo a límites extremos e introduciendo innovaciones de innegable trasfondo musical.

Tipos de Obras Principales

Transcripciones

Arregló óperas y grandes obras para el piano, donde cabe destacar la transferencia de recursos orquestales al piano, aumentando así sus posibilidades.

Composiciones con melodías húngaras

Concibió 19 Rapsodias Húngaras durante toda su vida. Son muy heterogéneas y tienen melodías que recuerdan a Hungría.

Estudios

Despliegan el virtuosismo técnico en el piano (recuerdan a Paganini). Realizó continuas revisiones: en un principio, los publicó como estudios para ayudar a los alumnos, y más tarde les incrementó la dificultad, elevándolos a piezas de concierto.

Obras poemáticas

Piezas muy breves que se refieren a lugares concretos. Son de sus mejores piezas. Se inspiró en relatos, y destaca Años de peregrinación, en la que muestra las sensaciones artísticas experimentadas por Liszt en tres cuadernos (el primero en Suiza y el resto en Italia). Es una de sus piezas más descriptivas para piano.

Sonata en si menor

(AUDICIÓN)

Frédéric Chopin

Chopin fue el padre del nacionalismo polaco. Estuvo 20 años de gira por Europa y, cuando llegó a París, concibió polonesas y mazurcas, evocando a su patria.

Características notables del estilo de Chopin

• Compuso casi exclusivamente para piano (2 conciertos, 3 sonatas, 4 scherzos, junto con toda la producción musical de apego patriótico).
• No empleó las formas clásicas (excepto la sonata y el concierto).
• Sus formas favoritas eran aquellas formadas por un solo movimiento (base de sus géneros breves, en los que plasmaba sus sentimientos [subjetivismo] y traducía sus estados de ánimo).
• Empleo imaginativo de los pedales.
• Rubato Chopin: Ligero impulso-retención de la mano derecha mientras la izquierda mantiene un tiempo estricto.

Motivos de inspiración

Presenta tres motivos principales de inspiración:

• Sentimientos: Música autobiográfica.
• Patriotismo.
• Búsqueda de sonoridades del piano: Encontró varios recursos, como el uso expresivo del pedal, la escritura de carácter improvisado y el tempo rubato.

Tipos de Obras Principales

Preludios

Obras más íntimas, junto con los nocturnos. Cada uno está dedicado a una dificultad técnica completa con un motivo musical único (elevó el estudio a pieza de concierto).

Nocturnos

Piezas muy breves y lentas (reciben el nombre de John Field).

Mazurcas

Junto con las polonesas, son piezas de carácter patriótico, impregnadas del folklore polaco (ritmos, armonías y rasgos de la música popular polaca). Son sus piezas más autobiográficas.

Conciertos y sonatas: Muy diferentes estilísticamente, de carácter dr

Música Sinfónica en el Romanticismo

La música sinfónica presenta dos vertientes principales, que tienen en común el carácter romántico de expresión musical, junto con avances en armonía y timbre:

• Música programática: Utiliza formas no convencionales (tendencia RADICAL). Se basa en la imaginación impulsada por elementos extramusicales y literarios, con un título descriptivo donde la idea del programa forma parte de la sinfonía.
• Música absoluta: Sigue las formas y estructuras clásicas (tendencia CONSERVADORA).

Los compositores que militan en estas tendencias son:

• Conservadores: Schubert, Mendelssohn y BRAHMS.
• Radicales: Berlioz, Liszt y WAGNER (tienden al colosalismo).

La Ópera en Francia

Ya desde tiempos de Lully, la música estaba vinculada al espectáculo, con un libreto basado en el ballet, coro y escenas multitudinarias. También se hacen notar varias vertientes:

Grand opéra

Destaca Meyerbeer como el gran compositor de la gran ópera francesa. Junto a Véron (director de la Ópera de París) consolidan la grand opéra como un espectáculo monumental basado en la representación de la grandiosidad económica de la burguesía (incluye vestuarios, escenarios, junto con ballets, escenas multitudinarias, etc.).

Ópera cómica

Dirigida a las clases más bajas, utiliza diálogo hablado en lugar de recitativo. Es más corta que la ópera seria y con más variación temática. Sus argumentos se basan en comedias lisas y llanas, en contraposición a los de la seria, con un lenguaje musical bastante más sencillo (elementos melódico-rítmicos) y esquemas formales convencionales en las arias. Destaca Offenbach.

Ópera lírica

Un punto intermedio entre la ópera seria y la cómica, basado en temáticas de fantasía o drama romántico (ej. Sansón y Dalila de Saint-Saëns).

La Ópera en Italia

La ópera en Italia es una tradición arraigada, de invención barroca, y fue menos susceptible de absorber los movimientos románticos que predominaban en la Europa septentrional. Estos motivos tardaron en llegar, aunque finalmente lo hicieron. Los compositores escribían casi exclusivamente para la ópera (los experimentos románticos fueron pocos). Se mantuvo una actitud conservadora, aunque poco a poco comenzaron a llegar los recursos románticos (su aplicación fue más lenta que en Alemania). Todavía estaba presente la diferencia entre la ópera seria y la cómica.

Los grandes cambios se darán con Verdi. La ópera presenta el belcanto como característica más relevante (se destacan al máximo las posibilidades de la voz). Estos cambios son apreciables a mediados de siglo, donde destaca la orquesta (más colorido musical, con más importancia) y el empleo y predominancia de coros.

Gioachino Rossini

Rossini es un compositor entre el Clasicismo y el Romanticismo. Siguió la tradición de la ópera seria y cómica (destacando en esta última). Es el compositor más belcantista de toda Italia, con gran lucimiento vocal y contrastes. Se trata de un compositor muy preocupado por la acción dramática. Creó una escuela en la que la voz es el reflejo de las pasiones, tratando que tuviera un contenido que mostrara las emociones.

Características notables de sus óperas

• Las melodías presentan ritmos muy claros con frases y estructuras sobrias.
• Las orquestaciones son limpias y discriminatorias.
• El elemento típico en sus óperas son los números de conjunto (compuso 39 óperas).
• El elemento más original es el crescendo Rossini: dentro de la melodía y en los conjuntos, se produce un incremento de la agitación dramática mediante la repetición de una frase cada vez con más intensidad y más aguda.
• Emplea el recitativo seco.
• Escribe la forma completa de todas las coloraturas y cadencias.
• Las arias se dividen en dos partes: Cavatina (introducción lenta y muy ornamentada, que representa pena, tristeza, meditación) y la cabaletta (parte más viva y animada, que representa alegría, ira, etc.).

Obras destacadas

Cabe destacar entre sus óperas Semiramide, Le comte Ory, Guillaume Tell y El barbero de Sevilla (su obra maestra). Su última ópera fue Guillaume Tell (texto de Schiller). Es una ópera monumental que se aparta del virtuosismo vocal, donde da más importancia a la orquesta que en las óperas precedentes. Incluye ballets. Se trata de una ópera romántica ambiciosa y es la única aproximación al romanticismo en Rossini.

Hacia el final de su vida también compuso un Stabat Mater y una Petite messe solennelle.

Vincenzo Bellini

Bellini provenía de una familia de músicos. De las 10 óperas que escribió, cabe destacar tres: Norma, I puritani y La Sonnambula (ópera semiseria). Fue un compositor belcantista que trabajó con mucha tranquilidad, con un estilo refinado y muy lírico (melodías muy amplias, líricas, flexibles…). Sacrificó la orquesta y la armonía para destacar las melodías (muchos por ello le reprocharon su técnica).

Sus óperas serias presentan argumentos de muertes violentas (a menudo considerados endebles), donde emplea fuentes románticas (no clásicas) y trabajó muy estrechamente con los libretistas. Intentó comunicar los sentimientos de los personajes (puso el foco en la sensibilidad) y no empleó el recitativo seco (es todo arioso, con arias muy expresivas).

Gaetano Donizetti

Donizetti tampoco abandonó el belcanto. Compuso más de 70 óperas, tanto cómicas (L’elisir d’amore y Don Pasquale) como serias (Lucrezia Borgia, Anna Bolena y Lucia di Lammermoor). Donizetti dio importancia al coro (al igual que Bellini), pero sí empleó recitativo (por el contrario que Bellini, que prefería el arioso). Su orquestación es muy rica, basada en la búsqueda de contrastes tímbricos y en la preocupación por el dramatismo vocal. Sus libretos tratan historias típicas románticas con gran trasfondo histórico, y los finales siempre acaban mal. Incluye escenas (scene) que comentan la acción o la acompañan.

Diferencias entre Bellini y Donizetti

• Bellini no se preocupó tanto en exaltar la orquesta como Donizetti. Bellini empleó el arioso (estilo entre cantado y declamado), mientras que Donizetti se centró más en el recitativo (a menudo acompañado por la orquesta).
• En cuanto a las melodías, las de Bellini son generalmente consideradas más refinadas y expresivas que las de Donizetti.

Giuseppe Verdi

Verdi es uno de los grandes de la ópera italiana. Salvo un par de obras (Réquiem, obras religiosas y cuartetos), toda su producción son óperas. Verdi no rompió con el pasado; su obra es una evolución hacia el refinamiento de objetivos y técnica: llevó la ópera italiana hasta un gran punto de perfección.

Verdi sabía que al pueblo le gustaba la ópera, por lo que consideró que debía mantener el estilo musical nacional. No fue revolucionario; simplemente, cuando había una novedad en el ámbito musical, trataba de comprenderla, la hacía suya y entonces la incorporaba en sus composiciones. Había abundancia de coros, que a menudo expresaban un sentimiento patriótico. Los italianos se sintieron cercanos a los temas de Verdi, por lo que adquirió gran popularidad. Sus óperas suelen contar un drama humano a través de una línea vocal solista sencilla y clara (en contra de la opulencia francesa y del simbolismo alemán). Recibió influencias de Beethoven, Rossini, Bellini y Donizetti, y admiraba a Meyerbeer (por la armonía y orquestación).

La gran mayoría de las óperas de Verdi son serias, a excepción de Falstaff. Empleó la literatura de Víctor Hugo, Voltaire, Shakespeare, etc. Con el libreto, a veces llevaba a los personajes al límite para crear grandes arias (con gran celeridad), con personajes a veces improbables y situaciones extremas. Sus óperas constan generalmente de un preludio y tres o cuatro actos, donde los finales del 2º y 3º acto suelen presentar grandes conjuntos, y el 4º a menudo se inicia con una plegaria o meditación para solista.

Evolución musical de Verdi por etapas

Primera etapa

Compuso su primera ópera (no relevante). Le encargaron tres óperas para componer en 2 años, pero las primeras resultaron un gran fracaso. Durante este tiempo murieron su mujer y sus dos hijos, sumiéndolo en una depresión. Sin embargo, otra de las óperas que le encargaron, Nabucco, le hizo saltar a la fama (los italianos se vieron representados por los judíos cautivos). Es la mejor de las óperas del periodo, con gran importancia de la escritura coral (obra patriótica). Tras Nabucco

Richard Wagner

Wagner recibió influencias de Shakespeare, E.T.A. Hoffmann, entre otros. Estudió armonía y composición, aunque fue en gran parte autodidacta. Veneraba a Beethoven. Creó la obra de arte total (Gesamtkunstwerk). Vio su germen en la 9ª Sinfonía de Beethoven, y también en Shakespeare y la tragedia griega.

Sus primeras óperas fueron imitación de las óperas que veía, pero en las siguientes, llevó a la culminación la ópera alemana. Creó el drama musical, en el que llevó el lenguaje armónico al límite, consiguiendo disolver la armonía clásica tonal. Recibió enormes influencias del pensamiento del siglo XIX y consideraba la música como expresión, que debía servir a fines dramáticos.

Obras destacadas y desarrollo del drama musical

Rienzi

Una grand opéra en 5 actos, con mucha influencia francesa.

Der Fliegende Holländer (El Holandés Errante)

Aquí se trazan las líneas maestras que derivarán en el drama musical. El libreto fue escrito por el propio Wagner y está basado en una leyenda nórdica. Se produce la redención del héroe tras el sacrificio de la heroína, mostrando el contraste entre el mundo del pecado y la santidad. Emplea la técnica del leitmotiv desde el inicio.

Tannhäuser

Representa también el mundo del pecado y la santidad, con una armonía muy novedosa y un uso más extendido del leitmotiv. Presenta una nueva línea melódica más flexible.

Lohengrin

Considerada la última ópera romántica de Wagner y, para algunos, del Romanticismo en general. También se inspira en una leyenda medieval, donde Elsa (la debilidad humana) encierra la simbología del amor divino. Presenta una orquestación más integrada que unifica las escenas musicales con música continua. Los coros están combinados con las arias y la tonalidad se asocia a los personajes (similar a Orfeo y Eurídice de Monteverdi).

El Drama Musical

El ensayo más importante de Wagner fue la unión de drama y ópera, el drama musical. Obras cumbre de este concepto incluyen:

• Der Ring des Nibelungen (El anillo del nibelungo): Formada por cuatro dramas musicales: Das Rheingold (El oro del Rin), Die Walküre (La valquiria), Siegfried (Sigfrido) y Götterdämmerung (El ocaso de los dioses).
• Tristán e Isolda: Ópera de Wagner en la que hay una unidad absoluta entre drama y música, llevando la armonía cromática a sus límites.

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