Desposorios de la virgen, Rafael (1504) temple y oleo. Las dos principales fuentes de inspiración para Los desposorios de la Virgen son Cristo entregando a san Pedro las llaves y El matrimonio de la Virgen, de Pietro Perugino, maestro de Rafael. En Los desposorios de la Virgen, Rafael pasa de ser un simple seguidor de Perugino en el estilo local, a un artista que representa el Renacimiento.
Existen una serie de detalles que evidencian que Rafael pertenece, ya, a otrageneración de pintores. Se aparta del tipo de composición de Perugino, La estructura de la pintura de Rafael, que incluye figuras en el primer plano y un edificio centralizado en el fondo, la pintura de Rafael representa una composición circular bien desarrollada. El espacio está más abierto en la composición de Rafael, indicando un dominio de la perspectiva que es superior a la de Perugino.Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras. El templo poligonal establece y domina la estructura de esta composición, determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras figuras. las figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño. El templo de hecho es el centro de un sistema radial compuesto de los escalones, el pórtico, contrafuertes y tambor, y extendido por el pavimento. se sugiere que el sistema radial continúa al otro lado, lejos del espectador. Este grupo principal se resalta en detrimento de las figuras acompañantes. El sacerdote es de hecho el centro focal de la escena, que está entre la Virgen y las mujeres, y san José junto con todos los hombres. Las principales figuras permanecen en pie en el primer plano. José coloca solemnemente un anillo en el dedo de la Virgen y sostiene en su mano izquierda un báculo, que ha florecido mientras que los de los demás pretendientes quedaron secos. Dos de los pretendientes, enfadados, rompen sus bastones. La figura de san José descuella a través de un punto de color en su manto, y su rostro representa la satisfacción de haber sido elegido. El sacerdote y la Virgen son las otras figuras centrales de la obra. El clérigo se muestra ladeado y en el eje de la composición, mientras que la actitud corporal de María denota un gran recato.
Las tres figuras principales y dos miembros del grupo se encuentran en el primer plano, mientras que los demás están colocados en profundidad, moviéndose progresivamente más lejos desde el eje central.Este eje, marcado por el anillo que José va a poner en el dedo de la Virgen, divide la superficie pavimentada y el templo en dos partes simétricas. Prevalece una tonalidad de pardo rojizo y dorado.
Un poderoso naturalismo circula entre las figuras, acentuado por la envergadura del espacio. No se descarta la posibilidad de que algún pintor cercano a Rafael haya colaborado con él en el cuadro, como sucedió años más tarde en La escuela de Atenas.

Iglesia de San Lorenzo: Filippo brunelleschi:

Se plantea con esta construcción un problema fundamental para la arquitectura renacentista. La Antigüedad clásica no ofrecía un modelo de templo adecuado para el culto cristiano y, por otra parte, la iglesia gótica, dado el aire de renovación y de ruptura respecto al inmediato pasado medieval, no era modelo apropiado.
Brunelleschi se inspira en el modelo de basílica paleocristiana, concibiendo una iglesia de tres naves, con capillas laterales entre los contrafuertes, en la que la columna clásica –

De orden corintio

Tiene singular prestancia, aumentada su esbeltez con la adición de un trozo de entablamento; sobre tales columnas apoyan arcos de medio punto. La Basílica presenta una planta de cruz latina muy alargada. El ábside es un cuadrado regular de la misma medida que el crucero. Con un cuadrado en el suelo se construye toda la obra, usando múltiplos y submúltiplos de ese módulo.
Todo el conjunto está regido por un sistema de proporciones matemáticas basado en el cuadrado y el círculo. La arquitectura de Brunelleschi es clara, hace resaltar los elementos estructurales (arcos, arquitrabes, pilastras) con el color gris de la piedra (la pietra serena, característica de la arquitectura toscana), lo que, juntamente con el dibujo geométrico del pavimento, muestra claramente las proporciones de cada parte y del conjunto del edificio.
Consta de tres naves divididas por dos largas hileras de columnas
. En ella Brunelleschi desarrolla simétricamente el tema del pórtico del Hospital de los Inocentes: las dos naves laterales repiten la sucesión de arcos y de cubos espaciales proyectados en profundidad, mientras que la nave central -mucho más iluminada- equivale al espacio exterior. El espectador tiene entonces la impresión mágica que existe un espejo en el eje de la nave central que refleja, una en otra, las perspectivas profundas de las naves laterales, haciendo coincidir exactamente ambas imágenes.Los arcos y el fuste de las columnas están construidos con la típica «pietra serena» para subrayar el papel que juegan de articulación esencial en la sucesión de los espacios. La misma graduación proporcional regula la distribución de los valores luminosos:
Las capillas laterales no tienen aberturas al exterior, las bóvedas de cuatro puntos de las naves laterales (iguales a las del pórtico de los Inocentes) reciben una luz matizada procedente de los óculos y la nave central está inmersa en una alta luminosidad uniforme que les proporcionan las anchas ventanas.

Palacio Rucellai: Leon Batista Alberti, florencia:

El palacio fue construido entre 1446 y 1451 por Bernardo Rossellino, siguiendo un diseño de León Battista Alberti. 
Fue encargado por Giovanni Rucellai, miembro destacado de la familia Rucellai, ricos tintoreros de tejidos.
León Battista Alberti realizó una obra maestra de estilo y sobriedad, y se dice que proyectó este palacio casi como ilustración de su manual De Re Aedificatoria(Sobre la Arquitectura)
 de 1452, El palacio sigue perteneciendo, hoy,  a la familia Rucellai. La fachada con mampostería de arenisca uniforme y plana, está subdividida horizontalmente de modo progresivamente más complejo y finamente decorada, los motivos decorativos formales de un correcto orden clásico están sustituidos por las armas de los Rucellai.
En la planta baja lesenas de orden toscano dividen la superficie en espacios en los que se abren las dos portadas. Los arcos de los vanos que se alinean en vertical con las puertas son ligeramente más amplios que los otros y están además rematados por los escudos elegantemente esculpidos sobre las ventanas del primer piso. Hay delante un banco de calle, un elemento que además de resultar útil para los viandantes, creaba una especie de base para el palacio, como si se tratara de un estilóbato.
El respaldo del banco reproduce el motivo del opus reticulatum romano.
En el primer piso (piano nobile) 
lesenas de tipo jónico con rica decoración, y en el último piso, lesenas de tipo corintio más sencillas y más correctas, se alternan con ventanas de medio punto, modeladas por arcos y columnas biforas.
Los tres órdenes hacen pensar de modo bastante claro en la estructura del Coliseo de Roma.
También la mampostería con conchas se inspira de la arquitectura romana, como en el motivo de la basa imitando el opus reticulatum.
Las lesenas decrecen progresivamente en altura hacia los pisos más altos, proporcionando un efecto perspectívico exagerado, respecto a su altura real. La parte superior del palacio está rematada por una cornisa que sobresale poco, sostenida por ménsulas, El friso de la planta baja contiene las armas de la familia Rucellai:
Tres plumas en un anillo, las velas infladas por el vento y el escudo familiar, que aparece también sobre los blasones encima de las puertas.

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