Casa Steiner (Viena)

Autor: Adof Loos Estilo: Modernismo Vienés.
Arquitectura protorracionalista Materiales: Chapa, ladrillos, cemento. Cristal…

La Casa Steiner fue diseñada por la pintora Lilly Steiner y su marido Hugo. Está situada en un suburbio de Viena, donde las regularizaciones de planificación eran lo suficientemente fuertes como para tener un impacto directo sobre el diseño final. Loos fue el arquitecto que la llevó adelante, ateniéndose a los límites impuestos por la configuración del lugar y las fuerzas externas, tales como los rígidos códigos de construcción del momento. Estos sólo permitían un frente a la calle y “un dormer”, (ventana construida en un techo inclinado) Esta casa representa sobre todo un manifiesto de la poética del arquitecto. Muestra los principios de la arquitectura protorracionalista: la fachada principal, fea con su techo curvo, estaba concebida por un arquitecto que excluía la arquitectura del conjunto de las artes para resolver una función. La Casa Steiner no sólo se convirtió en un ejemplo muy influyente de la arquitectura moderna, siendo una referencia obligada para los arquitectos de los años 20 – 30, sino que desempeñó un papel importante en el establecimiento de la reputación de Loos como arquitecto moderno y audaz dentro y fuera de la comunidad vienesa. La fachada del jardín ha sido un ejemplo indiscutible del Racionalismo radical dentro de la arquitectura moderna. Su fachada fue rápidamente asimilada dentro del purismo formal de la década de 1920 y una de las razones del éxito de la construcción. La casa supone una ambigüedad entre las ideas modernas y las clásicas algo muy propio de este arquitecto famoso por textos como ‘Ornamento y delito’, pues mientras el exterior no posee ningún ornamento, en el interior se utiliza todo tipo de mobiliario de estilo inglés, además del uso de alfombras orientales y un artesonado de madera. En el interior se encuentran espacios que ocupan todo el ancho de la casa, esto tenía su explicación, Loos pensaba que la vida urbana transcurría en el interior del piso y al poseer grandes estancias se desarrollaría una mejor convivencia social entre sus habitantes. Introdujo así lo que el llamaba el ‘raumplan’ un nueva forma de concebir los espacios múltiples. Loos fue un escrúpulo observador de su tiempo y de las nuevas manifestaciones culturales, de ahí que también rechazase el ornamento por motivos económicos, equiparándolo a un

derroche en mano de obra.
Lo entendía además como símbolo de una cultura primitiva, creyendo que “la evolución cultural equivale a eliminar el ornamento del objeto de uso cotidiano”.

1Basílica Sagrada Familia (Barcelona)

Autor: Gaudí Obra: Basílica Sagrada Familia Estilo: Comenzó como neogótico y en la actualidad es Estilo Ecléctico Materiales variados: piedra, hormigón…

La construcción comenzó en 1882 con un estilo neogótico. Un año después el proyecto fue puesto en manos de Gaudí, quien lo replanteó por completo. Gaudí diseñó un templo excepcional e innovador que iba a estar compuesto por 18 torres, aunque finalmente sólo tuvo tiempo de crear una de ellas antes de su muerte. Gaudí fallecíó en 1926 dejando inacabado el proyecto que ocupó los últimos años de su vida pero, gracias a los planos que se conservan, su sueño se hace realidad poco a poco gracias al trabajo de otros artistas y al dinero obtenido a partir de las donaciones y las visitas. Es un tempo expiatorio que construye con limosnas. Estos son algunos de los puntos más importantes: Las torres: Hasta el momento han sido erigidas 8 de las 18 torres diseñadas por Gaudí. El arquitecto decidíó que doce de ellas fueran dedicadas a los Apóstoles, cuatro a los Evangelistas, una a María y otra a Jesús. Cada una de ellas estará dotada de diferente altura en función de la jerarquía religiosa que representan. Las fachadas. La basílica tiene 3 simbólicas fachadas:

Fachada del Nacimiento: Dedicada al nacimiento de Cristo, se trata de una fachada muy decorada y llena de vida. Fachada de la Pasión: Algo más simplificada que las otras fachadas, pretende reflejar el sufrimiento de Jesús durante la Crucifixión. Fachada de la Gloria: La fachada principal, mucho más grande y monumental que el resto, representará la muerte, el Juicio Final, la Gloria y el infierno. Consciente de que no iba a tener tiempo para construirla, Gaudí dejó hechos los bocetos para que sus sucesores pudieran finalizar el trabajo.El escultor Josep María Subirachs se encarga de la decoración de La Pasión y La Gloria actualmente en marcha.El interior: Para diseñar el interior, Gaudí se inspiró en las formas de la naturaleza, creando columnas con forma de tronco de árbol que convierten el interior del templo en un enorme bosque de piedra.Esta basílica se enmarca dentro del movimiento modernista que se desarrolló de finales del Siglo XIX a principios del xx. Este movimiento intenta integrar en la arquitectura todas las artes y sus formas son blandas y redondeadas, emulando la naturaleza. Gaudí fue el máximo representante de la arquitectura modernista española. Contó con el mecenazgo de la aristocracia y burguésía catalana. Consolidó su propio estilo dentro del Modernismo caracterizado por el uso de nuevos materiales con gran libertad, la inspiración en estilos medievales, la imitación de elementos naturales y la gran influencia religiosa en su obra.

LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA (Surrealismo)

Autor: Salvador Dalí  Ubicación: MoMA, Nueva York, EEUU Técnica: Óleo sobre lienzo Genero: Paisaje onírico. Estilo: Surrealismo. En este lienzo vemos un paisaje marino, típico de Cadaqués que tanto inspirara a Dalí con su Cabo Creus y su costa escarpada. Claro que en el paisaje se desarrolla una escena insólita: una extraña criatura durmiendo o quizás inerte sobre la arena y unos relojes que se derriten sobre ella y sobre otros elementos del cuadro. Todo parece un sueño, esto es puro Surrealismo. Según el propio Dalí, que contaba con 28 años al pintarlo, dos cosas fueron su inspiración para este cuadro. En primer lugar se inspiró en los quesos camembert y otra inspiración fue la teoría de la relatividad de Einstein. Sabemos que Dalí era un enamorado de la ciencia y siguió el trabajo del científico con curiosidad. Al parecer los relojes derritiéndose son un símbolo inconsciente de la relatividad del espacio y el tiempo. Esta obra pertenece al movimiento surrealista, que se inicia en Francia durante los años 20 a raíz de la figura de André Bretón y se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el subconsciente y el mundo de los sueños, dejando de lado cualquier atisbo de lo racional. Dalí, pintor, escultor y grabador; es el más extravagante y escandaloso del grupo, todos sus cuadros muestran figuras imposibles fruto de su imaginación. Se caracteriza por la provocación y su método paranoico-crítico. Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o presentan una apariencia equivocada. Utilizará alusiones al sexo y a la paranoia. Más tarde su estilo se volverá más Barroco pero igualmente inquietante.La calidad plástica de su obra es impresionante debido a la precisión del dibujo y por la presencia de una luz trasparente y limpia. 

MUJER RECLINADA (ABSTRACION Orgánica/Figuración POSTPICASSIANA)

Autor: Henry Moore Ubicación: Tate Moder Gallery (Londres) Técnica: Talla en piedra Género: Abstracción Orgánica Forma escultórica: bulto redondo. Estilo: Abstracción Orgánica/Figuración Postpicassiana. El escultor inglés Henry Moore es uno de los grandes artistas de la plástica durante el Siglo XX, y una de sus obras más emblemáticas es esta enorme Figura yacente que realizó en 1938 tallándola sobre piedra Hornton verde, En origen la obra fue un encargó para que permaneciera a la intemperie en la proximidades de la colinas de Sussex, al sur de Inglaterra, por lo que para su autor era muy importante que la obra se integrara estéticamente en el paisaje que le había de rodear. De ahí la elección del tipo de piedra en la que labró la figura, porque Henry Moore solía recurrir a materiales propios de la zona donde iba a ubicarse sus esculturas, y en este caso la piedra Hornton, procedía de una cantera próxima a Banbury, en Oxfordshire. Para sus grandes obras en muchas ocasiones partía de pequeños guijarros encontrados por azar para ir ideando la obra definitiva a un formato mucho mayor. Sus preferidas solían ser piedras arrastradas y bañadas por las aguas del mar, en la que era habitual que hubiera alguna oquedad o agujero. Por ejemplo, en el caso de esta escultura vemos que la talla es a base de suaves curvas similares a las de la erosión marina y en el centro hay un agujero que también imita a esas formas naturales. Entre 1926 y 1983, Henry Moore realizó gran cantidad de figuras de mujeres reclinadas. Muchas fueron hechas por encargo para decorar espacios públicos y otras se encuentran en el interior de museos. Henry Moore es un artista a veces abstracto y en ocasiones figurativo. De hecho, la figura humana siempre está presente en su concepción artística. Y también suele recurrir a las formas bastante sencillas. Es el espectador quién de alguna forma las completa al observar sus obras. Si rodeamos la escultura somos nosotros los que vamos descifrando esas formas y vamos componiendo esa figura humana, sus miembros y su postura. Todo ello a partir de los elementos básicos del cuerpo que únicamente son plasmados desde la visión en un ángulo concreto. Si bien cada elemento se concibe a partir de ángulos de visión distintos.    

LA CASA DE LA CASCADa

LAS MUSAS INQUIETANTES (Metafísica)

Autor: Giorgio de Chirico  Ubicación: Colección Privada Técnica: Óleo sobre lienzo Género: Paisaje Urbano onírico. Estilo: Metafísica italiana.

Este cuadro muestra un espacio urbano ascendente junto a chimeneas de fábricas y edificios industriales; hay dos musas, muñecos articulados sin fisionomía rodeadas de objetos teatrales, que representan a Talía y a Melpómene. También está representado al fondo Apolo. Todas las figuras carecen de vida por lo que parecen parte de una obra de teatro onírica, tan absurda como la realidad. Este cuadro es muy representativo de la pintura metafísica de Chirico que se caracteriza por poseer una estética extraña, de perspectivas imposibles, de elementos simbólicos, de largas sombras, de objetos sumidos en una claridad sin atmósfera, donde todo sucede como si fuera un sueño. Consigue imponer una sensación de misterio a través de maniquíes, manos enguantadas inmersas en un mundo de horizontes lejanos y de grandes arquitecturas vacías, colosales y fantasmagóricas. La sensibilidad poética de esta pintura y su irrealidad de carácter mágico caracteriza esta corriente artística que tiene en Italia su gran foco de creación. La pintura metafísica es la inspiradora del Surrealismo. Los surrealistas consideran que su gran influencia, a quien más le deben, es a De Chirico. Lo que tenemos que tener en cuenta es que si bien ambos movimientos exploran lo que hay más allá de la realidad, los surrealistas lo hacen liberando su inconsciente en el proceso creativo, y los metafísicos, en cambio, eligen “a conciencia” loselementos simbólicos que protagonizan sus sueños enigmáticos.

Composición EN ROJO, AMARILLO, AZUL y NEGRO (NEOPLASTICISMO)

Autor: Piet Mondrian  Técnica: Oleo sobre lienzo Ubicación: Gemeentemuseum, La Haya (Países Bajos) Género: Abstracción geométrica. Estilo: Neoplasticismo holandéS

Esto es una pintura abstracta geométrica, racional, física y matemática. La abstracción geométrica es muy importante en Holanda con la aportación del grupo De Stijl y se la denominó Neoplasticismo, grupo encabezado por artista neerlandés Piet Mondrian que pronto contactaron con la Bauhaus alemana para compartir ideales sobre arquitectura y pintura. En pintura pintura se pretende la bidimensionalidad del plano. Creen en el empleo del rectángulo y del cuadrado para lograr la armónía aunque desechan la simetría. Se usan colores primarios: azul, rojo, amarillo. El blanco se usa como fondo neutro y el negro como lineal para delimitar y hacer los contornos. Mondrian, desarrolla una concepción analítica de la pintura, en su búsqueda de un arte que ha de trascender la realidad externa reducíéndola a formas geométricas y colores puros para hacerla universal. Toda la pintura de Mondrian es una operación sobre la elementalidad de la línea, del plano y de los colores fundamentales. Todas las obras realizadas entre 1920 y 1940 se parecen a esta misma: son un enrejado de ordenadas que forman recuadros de distintos tamaños y colores elementales entre los que predomina el blanco. La postura moral de Mondrian es eliminar el aspecto trágico de la vida, y es trágico todo lo que viene del inconsciente. El artista, para Mondrian, no tiene derecho a influir emotivamente y sentimentalmente en el prójimo; si descubre una verdad tiene el deber de mostrar cómo ha llegado a ella. Consciente de la responsabilidad cultural del artista, hace de la pintura un proyecto de vida social. Por esto, en su mente, su pintura encaja en una perfecta urbanística: su concepción del espacio tiene una profunda influencia en arquitectura y urbanismo.

Pabellón Alemán
Obra: Pabellón Alemán Tras de la clausura de la Exposición, el Pabellón tuvo que ser desmontado en el año 1930. Se reconstruyó en los 80. Autor: Mies van de Rohe Movimiento: Racionalismo Localización: Parque de Montjuic (Barcelona) Soporte: Vidrio, acero, ónix, granito, mármol El Pabellón alemán fue diseñado por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe en 1929 como la obra de representación Alemana para la Exposición Internacional de Barcelona celebrada en Montjuic. El Pabellón se concibió como un recinto de modestas dimensiones y refinados materiales. Vidrio, acero y cuatro clases de mármol, estaban destinados a albergar la recepción oficial presidida por el rey Alfonso XIII junto a las autoridades alemanas. La originalidad en el uso de los materiales siempre destacada en la obra, no radica en la novedad de los mismos sino en el ideal de modernidad que representaban y su aplicación rigurosa, en cuanto a su geometría, de la precisión de sus piezas y de la claridad de su montaje. Conocido como una de las obras más relevantes de la arquitectura moderna, el pabellón se caracteriza por la simpleza radical de su organización espacial y formas, junto con una ostentosa elegancia de los materiales aplicados. Se aprecia el gusto de su creador por la arquitectura tradicional japonesa, el suprematismo y el neoplasticismo. Los muros se disponen de tal modo que generan una absoluta fluidez espacial al interior del edificio. Amplios ventanales continuos dibujan el límite exterior, declarando así la transparencia, la idea de libertad y progreso que la República Alemana buscaba reflejar en su momento. Podemos identificar claramente tres recintos dentro de la obra, un patio de recepción, un núcleo edificado y un patio trasero. El último patio presenta una poza de agua pequeña, dispuesta sobre ella se encuentra la estatua Alba, de Georg Kolbe. La imagen de la estatua se proyecta múltiples veces sobre reflejos del agua, los cristales o el mármol.

MURAL PALACIO CONGRESOS Madrid (Surrealismo ABSTRACTO)

Capilla de Ronchamp (Francia)

EL Pájaro (ABSTRACION Orgánica)

Autor: Constantin Brancusi Ubicación: MOMA . (Nueva York) Técnica: Bronce fundido y pulido Género: Abstracción Orgánica Forma escultórica: bulto redondo. Estilo: Abstracción Orgánica.

Es pieza la decimoquinta de una serie de variantes de bronce o mármol que realizó el rumano Brancusi. El primero de la serie es un pájaro poco estilizado y todavía reconocible que se irá estilizando más y más a medida que la secuencia progresa. Este tema relacionado con el vuelo de los pájaros fue objeto de su interés a partir de 1910 y tiene como referente tradiciones rumanas concretamente las Maiastras , especie de aves con poderes mágicos capaces de predecir el futuro o de curar a los ciegos. Algo a tenr en cuenta ya que la obra de Brancusi estuvo ligada al recuerdo de vivencias y tradiciones de su cultura rumana. Este “ Pájaro en el espacio” es la primera de las versiones que hizo con este nombre. El material es el bronce con la técnica de la fundición y posteriormente muy pulimentado y patinado en dorado hasta dotarle de una textura extremadamente lisa. La sensación táctil es fría y la sensación de masa es de poco peso y liviano. Al contemplarla vemos una forma muy estilizada y aerodinámica com una llama, apoyada en una peana. Brancusi es un escultor fundamental de la escultura moderna. En su estilo enocntramos elementos primitivos, cubistas, abstractos, era un genio de la talla directa y buscó en el interior de los materiales para sacar formas simples y estilizadas. Líberó a la escultura del Realismo académico y preparó el terreno para los escultores abstractos del Siglo XX. Sus obras de formas puras, libres de cualquier accesorio, anticipaban el minimalismo posterior.