30 Abr
22.CREACION DE ADAN
IDENTIFICACION
·1) TÍTULO: La creacion de Adan2) AUTOR: Miguel Ángel.3) CRONOLOGÍA: 1508-12. 4) LOCALIZACIÓN:Vaticano. 5) ESTILO: Renacimiento “Cinqueccento”. 6) MATERIAL: Pintura al fresco.
CONTEXTO HISTORICO
Es en Florencia, a principios del siglo XV, donde primero se produce una transformación de la concepción y de la función del arte hasta entonces vigente. Los primeros protagonistas fueron Brunelleschi (arquitecto), Donatello (escultor) y Masaccio (pintor).
En la creación y difusión de las nuevas formas artísticas desempeñaron un papel decisivo los Mecenas que no sólo protegen a los artistas sino que recopilan importantes colecciones. Todo con cierto carácter interesado, ya que les alcanzaba la gloria de la fama, acrecentando su prestigio social, su poder político etc.
Las obras dejan de ser anónimas y el artista adquiere una consideración, pasando a ocupar un puesto destacado dentro de la sociedad. Se valora su trabajo y su persona y ellos firman sus obras.
El arte deja de ser una actividad manual o mecánica y pasa a ser una actividad intelectual o liberal.
1) Vuelta a la antigüedad grecorromana
2) Nuevo concepto de belleza
3) Importancia de la perspectiva
4) Estudio de la anatomía
5) Temática : mitos clásicos, paisajes, desnudos y retratos
Arquitecto, poeta, pintor, M. Ángel Buonarroti se consideró siempre un escultor y aunque alcanzó la fama, ya en vida, por la Capilla Sixtina él la consideró siempre como una obra secundaria.
Estudió los frescos de Giotho y de Masaccio pero su pintura estará influenciada por su talante de escultor, acentuando su aspecto plástico y el relieve. Al igual que Leonardo, investiga la anatomía humana.
1) Actitudes, posiciones, movimiento del cuerpo humano que domina por completo
2) Figuras desproporcionadas, titánicas, hercúleas, aunque también maneja formulas clásicas
3) Preferencia por las formas cerradas y rígidas, pero compensándolas con otras abiertas y móviles, líneas rectas, compensadas con otras convexas y salientes, etc.
4) Predomina el dibujo sobre el color, le gusta representar volúmenes netos, bien definidos y de gran monumentalidad.
5) El tema central será la figura humana, con gran fuerza tanto física como espiritual
-Su interés por la anatomía le lleva a representar figuras colosales con grandes músculos.
-Sus desnudos se inspiran en los clásicos griegos.
-Gran variedad de actitudes, gestos dramáticos, posturas guardando un equilibrio dinámico y en violentos escorzos.
6) Elimina casi totalmente el paisaje y los objetos, y cuando los representa se fija sólo en lo esencial sin detallismo ninguno.
El nombre de Sixtina viene del Papa Sixto IV que ordenó su construcción como recinto para los cónclaves y las reuniones, decorando sus muros con pinturas al fresco en el siglo XV. La bóveda, sin embargo, se pintó simplemente de azul con estrellitas doradas.
Fue a principios del siglo XVI cuando el Papa Julio II, encargó la decoración del techo a Miguel Ángel. No le gustó el encargo, y propuso a Rafael, aunque finalmente se vio forzado a llevar a cabo la obra, en la que empleó más de 4 años (con numerosas interrupciones). El mismo diseñó también el andamio movible, para poder pintar sin dejar agujeros en la pared, pero llevar a cabo una obra tan monumental sin ayudantes hizo que su salud se resintiera.
ANALISIS DE LA OBRA
La composición es un prodigio de equilibrio de masas sin que por ello resulte estática, se elimina el fondo y se plantea una iconografía revolucionaria que provocó no pocas discusiones con el Papa. Lo que Miguel Ángel representa es el momento en el que Dios Padre insufla la vida a la figura de Adán, ya moldeada.
Dios Padre no aparece a la manera medieval, revestido de los atributos papales e imperiales (manto, cetro, tiara y bola) sino como un anciano barbado y canoso, vestido con túnica (M. Ángel quería ponerlo desnudo pero el Papa se negó), novedad iconográfica destinada a gozar de gran éxito posterior. La figura de Dios Padre es todo movimiento, es la fuerza creadora. Con Adán sucede todo lo contrario es un cuerpo en reposo al que Dios infunde la vida que se transmite como un fluido a través del brazo aunque sus manos no llegan a tocarse.
Intensifica los recursos pictóricos (escorzos) y mantiene el dinamismo a pesar de utilizar composiciones muy equilibradas, hay una mayor plasticidad en las figuras fruto de la influencia de la obra de Giotto y Masaccio, los más escultóricos de entre los primitivos.
23. AMOR SAGRADO Y AMOR PROFANO
IDENTIFICACION
Estamos ante una pbra pictórica llamada Amor Sagrado y amor profano, fue realizada por tiziano, realizada en el 1515, se trata de un oleo sobre lienzo, y se encuentra en Galleria Birghese, Roma.
CONTEXTO HISTORICO
El cuadro fue encargado por Nicolò Aurelio, secretario del Consejo de los Diez de República de Venecia, cuyo escudo de armas aparece en la fuente o sarcófagodel centro de la imagen. El encargo coincide con su matrimonio con la joven viuda Laura Bagarotto, por lo que pudo ser un regalo de bodas.
Representa una escena con una doncella vestida lujosamente (probablemente de novia) sentada junto a Cupido y siendo asistida por la diosa Venus. Varios detalles sugieren que la mujer es posiblemente una novia: su pelo suelto decorado con una corona de mirto (planta sagrada de Venus), el velo transparente sobre sus hombros, las rosas en su mano derecha, y el cinturón (símbolo de la castidad). La figura vestida sujeta en sus manos una vasija llena de oro y gemas, que simboliza la efímera felicidad de la Tierra y la diosa, desnuda, sostiene una lamparilla con la llama ardiendo de Dios que simboliza la felicidad eterna del Cielo. Es una escena alegórica influida por la concepción neoplatónicarenacentista, típica de Marsilio Ficino, según la cual la belleza terrenal es un reflejo de la belleza celestial y su contemplación es un preludio de su consecución ultraterrena.
El título, de carácter moralista, no fue dado por el propio Tiziano, sino que fue bautizado de esta manera al menos dos siglos después. En el catálogo Borghese ha tenido diferentes nombres: Belleza sin ornamento y belleza ornamentada (1613), Tres amores (1650), Mujer divina y profana (1700), y, finalmente, Amor sacro y amor profano (1792 y1833). La primera mención de la obra con el nombre Amor profano y amor divino se produce en el inventario de 1693, aunque los críticos contemporáneos desacreditan la teoría de que se tratan de las personificaciones de los conceptos neoplatónicos de Amor sacro y Amor profano.
La obra fue comprada en 1608 por el mecenas del arte Scipione Borghese, debido a lo cual actualmente se exhibe junto a otras piezas de la Colección Borghese en la Galería Borghese en Roma. En 1899, el magnate financiero Nathaniel Anselm von Rothschild realizó una oferta de compra del lienzo por 4 millones de liras que fue rechazada.
En 1995 la pintura fue restaurada, y durante este proceso se reveló que el manto blanco de la figura semidesnuda era originalmente de color rojo.
ANALISIS DE LA OBRA
El soporte utilizado para esta obra es el lienzo y es una pintura al óleo, técnica que se utiliza cuando los pigmentos están disueltos en aceite. Se suelen utilizar aceites grasos, y tiene la virtud de fijar los colores y protegerlos con una capa transparente. Debido a la acción del aceite mantiene el brillo y ópticamente no varía la secar. Es más lento de secar pero permite hacer veladuras, rectificar, repintar y fundir los colores. Su inconveniente es que, con el tiempo, se produce un eventual amarilleo y oscurecimiento del aceite. Sus dimensiones son de 118 x 279 cm. Si nos centramos en su composición, podemos dividir el cuadro en tres planos. En el primero de ellos, se encuentran dos figuras femeninas. Una desnuda, cubriendo su sexo con un paño blanco y se observa cómo sobre su hombro izquierdo porta una tela roja, color característico de nuestro pintor. En su mano izquierda lleva un objeto. La otra figura, totalmente contraria, aparece vestida con un cinturón y sobre su cabeza lleva una corona de flores. En sus manos porta una jarra y unas flores, y lleva un velo. Ésta mira al espectador con rostro sereno. Por su disposición se puede decir que son dos figuras antagónicas, que marcan conceptos opuestos. También en este primer plano aparece un relieve. En el segundo plano, encontramos a un ángel metiendo la mano en la fuente donde se apoyan las dos figuras anteriormente citadas, y donde también aparece un escudo. En último término, se encuentra el paisaje, típico en los cuadros de Tiziano, con un campanario a lo lejos y varios campos y a la parte izquierda unos conejos. La composición es equilibrada y simétrica. El color predominante es el rojo que da a las figuras ese aire de contemplación. Después del rojo también destaca el negro, sobretodo en la parte del paisaje. En cuanto a la luz se ve cómo el color blanco es el que la da. Ello lo podemos ver en el vestido de 3 la figura del primer plano y un poco en el paño de la otra desnuda. Se ven algunos claroscuros y toques de luz sobre las cabezas de los personajes también. Se observa cómo Tiziano ha abandonado la línea gruesa de los contornos de los frescos de su primera etapa para dedicarse por completo al color y dibujar con él la silueta de las figuras, incluso el paisaje a veces es un simple borrón. Esto lo utilizará posteriormente, sobretodo en su etapa final. Se puede observar un gran detallismo sobretodo si nos fijamos en el tallado del sarcófago y en los pliegues del vestido. En general el cuadro nos transmite una sensación de reposo y tranquilidad, de contemplación, aunque la figura desnuda parece un poco inestable, apoyándose en una de las esquinas del sarcófago, dispuesto a modo de fuente. La profundidad se consigue con un leve escorzo de la figura femenina desnuda y disminuyendo el tamaño de los objetos que se encuentran más alejados.
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